Veranstaltungskalender Eberthalle und Pfalzbau

Mitwirkende

Michael Francis Dirigent

Pinchas Zukerman Violine

Programm

Edward Elgar Konzert für Violine und Orchester h-moll, op. 61

Ralph Vaughan Williams Sinfonie Nr. 2 G-Dur „A London Symphony“

Beschreibung

Der israelische Ausnahmemusiker Pinchas Zukerman, der Vorbild für Generationen von Geigern geworden ist, gastiert erneut bei der Deutschen Staatsphilharmonie Rheinland-Pfalz – beim gemeinsamen Konzert in Ludwigshafen widmet sich Zukerman einer absoluten Herzenskomposition, dem Violinkonzert von Edward Elgar: Der Mosaikcharakter erzeugt eine besondere Verbindung zwischen Solist und Orchester und ein einmaliges Hörerlebnis für das Publikum. Mit der musikalischen Liebeserklärung „A London Symphony“ von Ralph Vaughan Williams bringt die Staatsphilharmonie unter der Leitung von Michael Francis die englische Metropole an den Rhein.

Die Auswahl für das Berliner Theatertreffen 2018 sorgte für eine Überraschung: Unter den Gewinnern fand sich eine Zweipersonen-Produktion, entstanden in einer Nebenspielstätte des Thalia Theaters Hamburg. Die Bühne der Gaußstraße eignet sich hervorragend für szenische Experimente, und ein solches ist das Wagnis, den weltumspannenden Mythos von der Irrfahrt des Odysseus derart unaufwändig zu erzählen.

Telemachos und Telegonos sind Söhne des Odysseus. Die Lücke, die der abwesende Vater hinterlässt, füllen sie spielerisch mit einer Flut von Phantasien über die Abenteuer, die er erlebt haben könnte.

So gegensätzlich die beiden Jungen in ihrem Charakter sind, so unterschiedlich ist das Bild, das sich jeder vom Vater macht: Der eine sieht in ihm den ruchlosen Krieger, der andere imaginiert einen zarten Schöngeist. Gemeinsam erwecken sie die Fabelwesen der antiken Legende zum Leben. Als Kyklopen, Vampire, Lustknaben und Monster entfachen sie einen Theaterzauber, der pure Lust am Erfinden ist. Bei all den überbordenden Bildern schaffen es die beiden grandiosen Darsteller immer noch, die Einsamkeit und Trauer der zurückgelassenen Kinder zu vermitteln, denen die Geborgenheit einer funktionierenden Familie fehlt.

 Thomas Niehaus und Paul Schröder sind schlichtweg großartig. Sie spielen sich und große Teile des Publikums geradezu um den Verstand. Nachtkritik

Antú Romero Nunes ist Regieabsolvent der Berliner Hochschule für Schauspielkunst „Ernst Busch“. Seit 2014 ist er Hausregisseur am Thalia Theater Hamburg und hat dort auch Brechts Dreigroschenoper inszeniert, die bei den Festspielen Ludwigshafen 2016 das Publikum begeisterte.

Er arbeitete außerdem u.a. am Maxim Gorki Theater Berlin, am Schauspiel Frankfurt und am Burgtheater Wien. 2012 wurde er mit dem renommierten Friedrich-Luft-Preis ausgezeichnet.

Wir bringen 150 Tontopftrommeln und begrüßen unsere Erde. Sie bringen bitte Familie, Freunde, die Nachbarn und ganz viel Freude am Tanz mit ins Theater im Pfalzbau!
Wir zeigen ein zweistündiges abwechslungsreiches Tanzprogramm, wunderschöne Musik, tolle Kostüme. Sie ziehen sich so an, wie Sie sich wohl fühlen und wenn es Sie vor Begeisterung über die vielen kleinen und großen Tänzerinnen und Tänzer von Pia´s Ballettstudio von den Sitzen reißt, kann man das nicht verhindern!Wir präsentieren Ihnen interessante Choreografien zur Musik aus vielen Ländern dieser Erde, eingebettet in das Ballettstück „Napoli“. Ein Fischer sucht seine Frau….
Sie müssen sich nicht wundern, wenn Ihnen bei so viel herzlicher Freude am Tanz der Kleinen ab 4 Jahren und so viel tänzerischem Können der vielen langjährigen Tanz- und BallettschülerInnen, danach ist, die vor Ihnen sitzende Person zu umarmen!

Bundesliga-Handball hautnah erleben: Vor der eindrucksvollen Kulisse von bis zu 2.000 Zuschauern bestreitet die Mannschaft der Eulen Ludwigshafen ihre Heimspiele in der Friedrich-Ebert-Halle. In den packenden Begegnungen können sich die Spitzensportler der Friesenheimer Eulen auf die lautstarke Unterstützung durch ihre Fans mit Trommeln und Sprechchören verlassen!

Im Januar 2012 war sie schon einmal in Ludwigshafen – beim begeistert aufgenommenen Gastspiel der Pina Bausch Company mit dem asiatisch inspirierten Tanzstück Ten Chi. Nun steht Cristiana Morganti, dem Tanztheater Wuppertal seit mehr als 20 Jahren als Darstellerin verbunden, wieder in Ludwigshafen auf der Bühne und lädt im rassigen roten Kleid zu einer Reise durch das Pina-Bausch-Universum ein, gesehen aus der Perspektive einer Tänzerin. Mit Temperament und Charme entführt sie die Zuschauer in die ganz eigene faszinierende Welt der großen Künstlerin und ihrer Tänzerpersönlichkeiten, plaudert aus dem Nähkästchen und demonstriert auch gleich mit ihrer umwerfenden persönlichen Ausstrahlung, wie aus einzelnen Tanzschritten eine Choreographie entsteht. So erzählt Cristiana Morganti von ihrem persönlichen, künstlerischen und menschlichen Werdegang unter der außergewöhnlichen Choreographin und lässt uns unterhaltsam entdecken, wie viel Hingabe, Fantasie und Liebe zum Detail in der Bewegungssprache Pina Bauschs verborgen sind. Und vor allem gibt sie uns ein Gefühl dafür, auf welche Weise die mysteriöse und magische Verbindung zwischen Künstler und Publikum entsteht.

Im Januar 2012 war sie schon einmal in Ludwigshafen – beim begeistert aufgenommenen Gastspiel der Pina Bausch Company mit dem asiatisch inspirierten Tanzstück Ten Chi. Nun steht Cristiana Morganti, dem Tanztheater Wuppertal seit mehr als 20 Jahren als Darstellerin verbunden, wieder in Ludwigshafen auf der Bühne und lädt im rassigen roten Kleid zu einer Reise durch das Pina-Bausch-Universum ein, gesehen aus der Perspektive einer Tänzerin. Mit Temperament und Charme entführt sie die Zuschauer in die ganz eigene faszinierende Welt der großen Künstlerin und ihrer Tänzerpersönlichkeiten, plaudert aus dem Nähkästchen und demonstriert auch gleich mit ihrer umwerfenden persönlichen Ausstrahlung, wie aus einzelnen Tanzschritten eine Choreographie entsteht. So erzählt Cristiana Morganti von ihrem persönlichen, künstlerischen und menschlichen Werdegang unter der außergewöhnlichen Choreographin und lässt uns unterhaltsam entdecken, wie viel Hingabe, Fantasie und Liebe zum Detail in der Bewegungssprache Pina Bauschs verborgen sind. Und vor allem gibt sie uns ein Gefühl dafür, auf welche Weise die mysteriöse und magische Verbindung zwischen Künstler und Publikum entsteht.

Angelehnt an die Tradition des japanischen Kirschblütenfestes lädt die Hanami Fans fernöstlicher Kultur und der farbenfrohen Welten aus Manga und Anime zu einem Wochenende, das Aspekte einer Convention und eines japanischen Volksfestes vereint.
Neben Workshops zu japanischen Traditionen prägt insbesondere die bunte Welt der Moderne die Ludwigshafener Hanami. Neben eigenen Cosplay-Wettbewerben soll auch wieder ein Vorentscheid der Deutschen Cosplaymeisterschaft (DCM) stattfinden. Des Weiteren stehen Auftritte von Showgruppen auf dem Programm. Ein japanischer Markt auf dem Vorplatz ist bei freiem Eintritt besuchbar!

Angelehnt an die Tradition des japanischen Kirschblütenfestes lädt die Hanami Fans fernöstlicher Kultur und der farbenfrohen Welten aus Manga und Anime zu einem Wochenende, das Aspekte einer Convention und eines japanischen Volksfestes vereint.
Neben Workshops zu japanischen Traditionen prägt insbesondere die bunte Welt der Moderne die Ludwigshafener Hanami. Neben eigenen Cosplay-Wettbewerben soll auch wieder ein Vorentscheid der Deutschen Cosplaymeisterschaft (DCM) stattfinden. Des Weiteren stehen Auftritte von Showgruppen auf dem Programm. Ein japanischer Markt auf dem Vorplatz ist bei freiem Eintritt besuchbar!

Die drei ??? – das sind die drei Jungdetektive Justus Jonas, Peter Shaw und Bob Andrews, das erfolgreichste und beliebteste Detektivtrio der Weltliteratur. Robert Arthur ersann die erste Geschichte der drei jugendlichen Detektive 1964 und gewann Alfred Hitchcock als Schirmherrn für die ersten Bücher. Rund 45 Millionen Hörspiele und 15 Millionen Bücher der inzwischen über 180 Fälle der Drei ??? wurden bis heute verkauft. Nun lösen die drei Nachwuchsdetektive auch einen ihrer Fälle auf der Theaterbühne: Das Junge Theater Bonn (JTB) hat den Schauplatz der spannenden Geschichte eigens nach Ludwigshafen verlegt.

In Rocky Beach, dem kleinen Ort an der kalifornischen Pazifikküste ganz in der Nähe von Los Angeles, haben gerade die Sommerferien begonnen. Justus, Peter und Bob treffen sich in ihrem Hauptquartier, um einen gerade erfolgreich aufgeklärten Fall zu den Akten zu legen und dann ganz entspannt den Ferienbeginn mit ein paar Freunden – und Bob und Peter mit ihren Freundinnen – am Strand zu feiern. Dementsprechend sind sie nicht wirklich passend für einen Einsatz gekleidet, als Justus plötzlich von Althena über den Haufen gerannt wird, weil sie von einem bewaffneten Mann verfolgt wird. Althena hat den Moment des Zusammenstoßes genutzt, um Justus eine kleine Digitalkamera in die Hosentasche zu stecken, wie er später bemerkt. Die Bilder auf der rätselhaften Kamera enthalten verschiedene Hinweise auf einen ziemlich mysteriösen Fall, an dem Althena vermutlich gerade arbeitete. Aber worum geht es in dem Fall? Wer ist der Entführer, und wo ist die Entführte?

Mit seiner Musik hat er Millionen begeistert und gleichzeitig für seine Ideale geworben: We Shall Overcome bringt die Lebensgeschichte des Bürgerrechtsaktivisten, Umweltschutzpioniers und Folksängers Pete Seeger als inszeniertes Konzert auf die Bühne. Als gealterter Musiker erzählt er rückblickend vom eigenen Leben und Wirken, untermalt von seinen legendären Protestsongs.

Gesungen wird solo, in der Gruppe, im Chor, auf deutsch und im Original, mal ganz reduziert, fastdokumentarisch, dann wieder grandios instrumentalisiert. Die rund 50 Akteure führen die Zuschauer gekonnt durch mehrere Jahrzehnte amerikanischer Folk- und Fashion-Geschichte. Geschickt eingespielte Foto- und Filmdokumente veranschaulichen die musikalische Zeitreise zusätzlich. Pete Seeger ist eine Schlüsselfigur der US-Folkmusik. Mit Banjo, Gitarre und seiner Stimme hat er unzählige Menschen zum Mitsingen bewegt und für den Kampf um Frieden und soziale Gerechtigkeit gewonnen. Noch bei der Amtseinführung von Barack Obama brachte der damals 90jährige mehrere hunderttausend Zuschauer dazu, in Washington „This land is your land“ mitzusingen. Heiner Kondschak verkörpert die Folk-Legende mit leidenschaftlicher Hingabe. Wenn er „Where have all the flowers gone“ singt, entfaltet der Song seine mitreißende und anrührende Kraft von damals. Und wir merken, dass Pete Seeger gar nicht wirklich tot sein kann, solange seine Musik so lebendig ist.

Heiner Kondschak ist Musiker, Autor, Regisseur und Schauspieler. Seine kunterbunte Karriere begann als Straßenmusikant und Kleindarsteller, u.a. im Zirkus. Seit 1978 schrieb er Bühnenmusiken für ca. 150 und Liedertexte für ca. 50 Theaterstücke. Seit 2003 wirkt er in dem musikalischen Kabarett Männer & ich mit, seit 2005 hat er sein eigenes Liederprogramm mit der Band Kondschak & Kapelle. In den letzten Jahren folgten Regiearbeiten über die Musiker Woody Guthrie (2007), Bob Dylan (2008), John Lennon (2010) und zuletzt Pete Seeger (2016).

Mit „110 Karat“ starten die Amigos 2019 wieder richtig durch. Facettenreich wie Diamanten das Licht, so fangen Karl-Heinz und Bernd Ulrich mit ihren Liedern das Leben ein. Große, überschäumende, aber auch widerstrebende Gefühle, tröstliche Erinnerungen, geheime Sehnsüchte und verschüttete Träume holen sie ans Licht und reflektieren dabei nicht nur die Sonnen-, sondern auch die Schattenseiten. Das Leben hat diese Rohdiamanten geschliffen. Mit ihrer „110 Karat Tour“ präsentieren sich die Amigos erneut ungemein vielseitig – jedes Lied hat seine eigene, einzigartige Geschichte. Eine Menge Leidenschaft, Mut und Lebenserfahrung flossen in diese Produktion. Auf ihre über 100 Gold- und Platin-Awards und die wiederholten Charts-Triple angesprochen, zeigen sich die Amigos wohltuend entspannt. „Wir haben keinen Erfolgsdruck. Wir machen Musik aus Leidenschaft. So ist auch das neue Album entstanden. Die Amigos sind derzeit das Maß aller Dinge im internationalen Schlagergeschäft und sorgen für grenzenlose Begeisterung im gesamten deutschsprachigen Europa! „Was wären wir ohne unsere Fans! Ihnen verdanken wir, dass wir so erfolgreich unterwegs sein dürfen. Wenn unsere Fans zufrieden und glücklich sind, sind wir es auch.“ Und genau diese Einstellung zeichnet Bernd und Karl-Heinz Ulrich vor allem aus. Erleben Sie die Amigos hautnah bei ihrer großen Tour 2019

Andere Kinder wachsen – Schorschi schrumpft. Er erzählt allen davon, doch merkwürdigerweise hört ihm keiner richtig zu. Schließlich findet er ganz allein die Ursache für sein Kleiner-Werden. Irgendwie hängt es mit dem Spiel zusammen, das ihm die Haferflockenfirma zugeschickt hat und das er nicht zu Ende gespielt hat: ein Spiel für Kinder, die wachsen wollen. Lakonisch und ironisch beschreibt die Geschichte ein Familienleben, in dem Schorschi immer wieder auf sich selbst zurückgeworfen wird und das Beste daraus macht. Mit einer kraftvollen, poetischen Bühnensprache zeigt ein Schauspieler die inneren Veränderungen der Titelfigur auf. Wie allmächtig und selbstgefällig seine Umgebung, ja selbst die eigenen Eltern Schorschi gegenübertreten, machen mehrere große Puppen augenfällig. Schorschi ist ein einsames Kind und doch voller Kraft.

Gero Vierhuff hat den Kinderbuchklassiker wiederentdeckt, der 1976 den Deutschen Jugendliteraturpreis erhielt, und ihn in einer spannungsreichen Version auf die Bühne gebracht: amüsant und wehmütig, poetisch und komisch.

Andere Kinder wachsen – Schorschi schrumpft. Er erzählt allen davon, doch merkwürdigerweise hört ihm keiner richtig zu. Schließlich findet er ganz allein die Ursache für sein Kleiner-Werden. Irgendwie hängt es mit dem Spiel zusammen, das ihm die Haferflockenfirma zugeschickt hat und das er nicht zu Ende gespielt hat: ein Spiel für Kinder, die wachsen wollen. Lakonisch und ironisch beschreibt die Geschichte ein Familienleben, in dem Schorschi immer wieder auf sich selbst zurückgeworfen wird und das Beste daraus macht. Mit einer kraftvollen, poetischen Bühnensprache zeigt ein Schauspieler die inneren Veränderungen der Titelfigur auf. Wie allmächtig und selbstgefällig seine Umgebung, ja selbst die eigenen Eltern Schorschi gegenübertreten, machen mehrere große Puppen augenfällig. Schorschi ist ein einsames Kind und doch voller Kraft.

Gero Vierhuff hat den Kinderbuchklassiker wiederentdeckt, der 1976 den Deutschen Jugendliteraturpreis erhielt, und ihn in einer spannungsreichen Version auf die Bühne gebracht: amüsant und wehmütig, poetisch und komisch.

Bundesliga-Handball hautnah erleben: Vor der eindrucksvollen Kulisse von bis zu 2.000 Zuschauern bestreitet die Mannschaft der Eulen Ludwigshafen ihre Heimspiele in der Friedrich-Ebert-Halle. In den packenden Begegnungen können sich die Spitzensportler der Friesenheimer Eulen auf die lautstarke Unterstützung durch ihre Fans mit Trommeln und Sprechchören verlassen!

Christian Spuck hat in der Vergangenheit immer wieder Handlungsballette zu großen literarischen Vorlagen entworfen. Dennoch erscheint es zunächst wie ein wahres Wunderwerk, einen 1000-Seiten-Roman wie Tolstois Anna Karenina als zweistündigen Ballettabend auf die Bühne zu bringen. Das gelingt nur durch extreme szenische Verdichtung und jähe Schnitte und Brüche in der Szenenfolge wie in der Musik.

Mit einer wohlüberlegten Musikauswahl beginnt, so Christian Spuck, für ihn fast die wichtigste Phase der Vorarbeit, für die er sich ausreichend Zeit nimmt. Für Anna Karenina war er auf der Suche nach der sogenannten „russischen Seele“, deshalb habe er sich „durch das Gesamtwerk von Sergej Rachmaninow gehört“. Um Rachmaninows Musik zugleich einen starken Kontrast entgegenzusetzen, bringt er Witold Lutoslawski ins Spiel. Dieser spannende polnische Komponist des 20. Jahrhunderts erreicht in seiner Musik eine verstörende Tiefe, die Spuck in seiner Choreographie so einsetzt, dass man den Eindruck erhält, den Figuren sehr nahe zu kommen.

Für Christian Spuck ist die Musik der Schlüssel zum Inhaltlichen, ihr kommt die große Aufgabe zu, Unsichtbares sichtbar zu machen und Emotionen wortlos zu unterstreichen. Diese Tiefendimension der Musik eröffnet für den Tanz die Möglichkeit, die einzelnen Figuren in ihrer ganzen emotionalen Vielfalt und Widersprüchlichkeit zu zeigen. Insbesondere Anna Kareninas Verhaltensweisen geben oftmals Rätsel auf und man fragt sich, wieso sie so weit geht und sich ohne Sicherheitsnetz über einen Abgrund begibt. Genau diese Unbeirrbarkeit der Titelfigur, die sich in Leidenschaft und Emotionen verliert, hat Christian Spuck fasziniert.

Christian Spuck wurde an der John Cranko Schule in Stuttgart ausgebildet. Seine tänzerische Laufbahn begann er in Jan Lauwers‘ Needcompany und Anne Teresa de Keersmaekers Ensemble Rosas. 1995 wurde er Mitglied des Stuttgarter Balletts und war von 2001 bis 2012 Hauschoreograph der Compagnie. Darüber hinaus hat Christian Spuck mit zahlreichen namhaften Ballettcompagnien in Europa und den USA gearbeitet. Die Uraufführung von Poppea//Poppea für Gauthier Dance am Theaterhaus Stuttgart wurde mit dem deutschen Theaterpreis DER FAUST 2011 und dem italienischen Danza&Danza Award ausgezeichnet. Seit der Saison 2012/13 ist Christian Spuck Direktor des Ballett Zürich. Das 2014 in Zürich uraufgeführte Ballett Anna Karenina nach Lew Tolstoi wurde 2016 auch in Oslo und am Moskauer Stanislawski-Theater ins Repertoire übernommen.

Bundesliga-Handball hautnah erleben: Vor der eindrucksvollen Kulisse von bis zu 2.000 Zuschauern bestreitet die Mannschaft der Eulen Ludwigshafen ihre Heimspiele in der Friedrich-Ebert-Halle. In den packenden Begegnungen können sich die Spitzensportler der Friesenheimer Eulen auf die lautstarke Unterstützung durch ihre Fans mit Trommeln und Sprechchören verlassen!

Christian Spuck hat in der Vergangenheit immer wieder Handlungsballette zu großen literarischen Vorlagen entworfen. Dennoch erscheint es zunächst wie ein wahres Wunderwerk, einen 1000-Seiten-Roman wie Tolstois Anna Karenina als zweistündigen Ballettabend auf die Bühne zu bringen. Das gelingt nur durch extreme szenische Verdichtung und jähe Schnitte und Brüche in der Szenenfolge wie in der Musik.

Mit einer wohlüberlegten Musikauswahl beginnt, so Christian Spuck, für ihn fast die wichtigste Phase der Vorarbeit, für die er sich ausreichend Zeit nimmt. Für Anna Karenina war er auf der Suche nach der sogenannten „russischen Seele“, deshalb habe er sich „durch das Gesamtwerk von Sergej Rachmaninow gehört“. Um Rachmaninows Musik zugleich einen starken Kontrast entgegenzusetzen, bringt er Witold Lutoslawski ins Spiel. Dieser spannende polnische Komponist des 20. Jahrhunderts erreicht in seiner Musik eine verstörende Tiefe, die Spuck in seiner Choreographie so einsetzt, dass man den Eindruck erhält, den Figuren sehr nahe zu kommen.

Für Christian Spuck ist die Musik der Schlüssel zum Inhaltlichen, ihr kommt die große Aufgabe zu, Unsichtbares sichtbar zu machen und Emotionen wortlos zu unterstreichen. Diese Tiefendimension der Musik eröffnet für den Tanz die Möglichkeit, die einzelnen Figuren in ihrer ganzen emotionalen Vielfalt und Widersprüchlichkeit zu zeigen. Insbesondere Anna Kareninas Verhaltensweisen geben oftmals Rätsel auf und man fragt sich, wieso sie so weit geht und sich ohne Sicherheitsnetz über einen Abgrund begibt. Genau diese Unbeirrbarkeit der Titelfigur, die sich in Leidenschaft und Emotionen verliert, hat Christian Spuck fasziniert.

Christian Spuck wurde an der John Cranko Schule in Stuttgart ausgebildet. Seine tänzerische Laufbahn begann er in Jan Lauwers‘ Needcompany und Anne Teresa de Keersmaekers Ensemble Rosas. 1995 wurde er Mitglied des Stuttgarter Balletts und war von 2001 bis 2012 Hauschoreograph der Compagnie. Darüber hinaus hat Christian Spuck mit zahlreichen namhaften Ballettcompagnien in Europa und den USA gearbeitet. Die Uraufführung von Poppea//Poppea für Gauthier Dance am Theaterhaus Stuttgart wurde mit dem deutschen Theaterpreis DER FAUST 2011 und dem italienischen Danza&Danza Award ausgezeichnet. Seit der Saison 2012/13 ist Christian Spuck Direktor des Ballett Zürich. Das 2014 in Zürich uraufgeführte Ballett Anna Karenina nach Lew Tolstoi wurde 2016 auch in Oslo und am Moskauer Stanislawski-Theater ins Repertoire übernommen.

Was wäre die Welt ohne Phantasie? Diese zentrale Frage steht im Mittelpunkt von Michael Endes Die unendliche Geschichte. Der Roman hat sich seit seinem Erscheinen 1979 zu einem Kultbuch entwickelt und begeistert auch heute noch junge und alte Leser auf der ganzen Welt. Bastian Balthasar Bux wird ständig von seinen Klassenkameraden geärgert und flüchtet daher oft und gerne in die Welt der Bücher. Als er sich eines Tages auf dem Schulweg vor seinen Peinigern verstecken muss, landet er durch Zufall in einem alten Antiquariat. Dort stößt Bastian auf ein Buch, das eine geradezu magische Anziehungskraft auf ihn hat: Es ist Die unendliche Geschichte. Impulsiv stiehlt Bastian das Buch, versteckt sich damit auf dem Dachboden seiner Schule und beginnt zu lesen.

Das Buch erzählt vom Land Phantásien, das in riesiger Gefahr schwebt. Immer größere Teile des Landes werden vom Nichts verschlungen und seine Herrscherin, die Kindliche Kaiserin, leidet an einer mysteriösen Krankheit, von der sie kein Arzt erlösen kann. Alle Hoffnung liegt auf dem jungen Atréju, der durch das zerfallende Phantásien geschickt wird, um ein Menschenkind zu finden, das der Kindlichen Kaiserin einen neuen Namen geben kann: Denn nur das kann sie und Phantásien jetzt noch retten…

Das Junge Theater Bonn (JTB) hat Michael Endes Roman Die unendliche Geschichte in einer völlig neuen Bühnenbearbeitung produziert und mit großem Aufwand auf die Bühne gebracht.

Michael Ende (1929 – 1995) zählt zu den bekanntesten deutschen Schriftstellern und ist gleichzeitig einer der vielseitigsten Autoren. Neben Kinder- und Jugendbüchern schrieb er poetische Bilderbuchtexte und Bücher für Erwachsene, er verfasste Theaterstücke und Gedichte, und viele seiner Bücher wurden bereits verfilmt oder für Funk und Fernsehen bearbeitet. 1960 gelang ihm mit Jim Knopf und Lukas der Lokomotivführer der Durchbruch als Kinderbuchautor. Für sein literarisches Werk erhielt er zahlreiche deutsche und internationale Literaturpreise. Seine Werke wurden in über 45 Sprachen übersetzt.

Büchners Fähigkeit, die herrschende Verrohung auch als eine der Sprache darzustellen, steht im Mittelpunkt der Inszenierung. Ein vehement donnernder Rhythmus peitscht über die Sprache der Figuren hinweg. Was Woyzeck bleibt, ist blinde Gewalt, erlebte und ausgeübte. Ulrich Rasche 

Georg Büchners zerbrechliches Fragment, eines der bedeutendsten und einflussreichsten Dramen der deutschen Literatur, basiert auf dem Fall des Soldaten und Friseurs Johann Christian Woyzeck, der seine Geliebte erstach und dafür zum Tode verurteilt wurde. Büchner waren die Fakten des historischen Kriminalfalls bekannt, über den juristische, medizinische und psychologische Gutachten verfasst wurden. Er zeigt einen Eifersuchtsmord und seine Vorgeschichte: Woyzeck, „guter Kerl und armer Teufel“, finanziell an den untersten Rand der Gesellschaft gedrängt, von seinen Vorgesetzten gedemütigt, von der Wissenschaft zum Studienobjekt gemacht, ist dem radikalen Mangel an Empathie seiner Umwelt ausgeliefert. So wird er schuldig, nachdem seine Ängste, Triebe und Begierden obszön aufbrechen. Doch Woyzeck geht weit über den traurigen Einzelfall einer geschundenen Kreatur hinaus. Büchner untersucht am „Subjekt Woyzeck“ die immer gültige Frage unserer Abhängigkeit von gesellschaftlichen Bedingungen, die „außer uns liegen“, nach sozialen Verhältnissen, individueller Freiheit und schicksalhafter Determination.

Der Regisseur Ulrich Rasche, der aufgrund seiner formstrengen Chorprojekte und überwältigenden Bühnenbilder als einer der außergewöhnlichsten Regisseure seiner Generation gilt und mit seiner Inszenierung von Schillers Die Räuber zum Berliner Theatertreffen 2017 eingeladen wurde, arbeitet erstmalig für das Theater Basel. Auch mit seiner Woyzeck-Inszenierung ist Ulrich Rasche zum Berliner Theatertreffen 2018 eingeladen.

Büchners Fähigkeit, die herrschende Verrohung auch als eine der Sprache darzustellen, steht im Mittelpunkt der Inszenierung. Ein vehement donnernder Rhythmus peitscht über die Sprache der Figuren hinweg. Was Woyzeck bleibt, ist blinde Gewalt, erlebte und ausgeübte. Ulrich Rasche

Georg Büchners zerbrechliches Fragment, eines der bedeutendsten und einflussreichsten Dramen der deutschen Literatur, basiert auf dem Fall des Soldaten und Friseurs Johann Christian Woyzeck, der seine Geliebte erstach und dafür zum Tode verurteilt wurde. Büchner waren die Fakten des historischen Kriminalfalls bekannt, über den juristische, medizinische und psychologische Gutachten verfasst wurden. Er zeigt einen Eifersuchtsmord und seine Vorgeschichte: Woyzeck, „guter Kerl und armer Teufel“, finanziell an den untersten Rand der Gesellschaft gedrängt, von seinen Vorgesetzten gedemütigt, von der Wissenschaft zum Studienobjekt gemacht, ist dem radikalen Mangel an Empathie seiner Umwelt ausgeliefert. So wird er schuldig, nachdem seine Ängste, Triebe und Begierden obszön aufbrechen. Doch Woyzeck geht weit über den traurigen Einzelfall einer geschundenen Kreatur hinaus. Büchner untersucht am „Subjekt Woyzeck“ die immer gültige Frage unserer Abhängigkeit von gesellschaftlichen Bedingungen, die „außer uns liegen“, nach sozialen Verhältnissen, individueller Freiheit und schicksalhafter Determination.

Der Regisseur Ulrich Rasche, der aufgrund seiner formstrengen Chorprojekte und überwältigenden Bühnenbilder als einer der außergewöhnlichsten Regisseure seiner Generation gilt und mit seiner Inszenierung von Schillers Die Räuber zum Berliner Theatertreffen 2017 eingeladen wurde, arbeitet erstmalig für das Theater Basel. Auch mit seiner Woyzeck-Inszenierung ist Ulrich Rasche zum Berliner Theatertreffen 2018 eingeladen.

Doris ist achtzehn, hält nichts von Bildung, sondern will „lieber auf der Tauentzien ein Glanz werden, statt zu arbeiten“. Geld oder eine Bleibe hat sie längst nicht mehr, also sitzt sie vor einem Vergnügungs-Etablissement und hofft darauf, eingeladen zu werden. Oder vielleicht ja auch engagiert zu werden: „Schließlich bin ich schon Schauspielschule.“ Während sie auf ihr Vorsingen wartet, hat sie Zeit genug, ihre Geschichte zu erzählen: die spektakuläre Flucht aus der Kleinstadt nach Berlin, die zahlreichen Männergeschichten und Betrügereien, durch die sie ihr Überleben sichert.  Vor allem aber sind es ihr Humor und ihre besondere Sicht auf die Dinge, die dafür sorgen, dass sie immer wieder auf die Beine kommt. Carsten Golbeck und Rainer Bielfeldt erzählen den Klassiker von Irmgard Keun neu, ohne etwas hinzuzufügen –außer naturlich die Lieder, die aus Textpassagen des Buches heraus entwickelt wurden. Musikalisch wie inhaltlich schlägt diese Fassung den Bogen zwischen den Zwanzigern und heute. Der Stoff besticht durch zeitlose Aktualität: Im Mittelpunkt der Handlung steht die ungebremste Lebenslust und Kreativität eines jungen Menschen, der an Armut und lebensfeindlichen Umständen nach und nach zerbricht. Sowohl auf der Bühne als auch im Spiel wird alles vermieden, was den Stoff ins Nostalgische entrückt. Vor allem die Virtuosität und Spielfreudigkeit der Schauspielerin Antonia Bill lässt uns die Figur schnörkellos nahe kommen.

Helena Waldmann lädt zu einer Autopsie. Der Blick geht unter die Haut, ins Innere des menschlichen Körpers und zugleich ins Innere des Systems „Staat“. Kein Körper, sei es der eines Lebewesens oder die menschliche Gesellschaft selbst, funktioniert als geschlossenes System. Öffnungen sind lebensnotwendig, machen aber auch verletzlich. Der erste Impuls ist, sich zu schützen: Barrieren werden errichtet, potentielle Angreifer sollen fern gehalten werden. Dass der Eindringling aber auch Nutzen bringen kann, ist eine alte Erkenntnis der Immunologie, die in der gegenwärtigen Forschung neue Bedeutung erhält. Das „biologische Selbst“, der nur aus sich heraus funktionierende autarke Körper, gilt inzwischen als Illusion. Der Mensch lebt mit und durch eine Vielzahl eigenständiger Mikroben und Bakterien. Eindringlinge fordern das Immunsystem heraus und veranlassen es, zu lernen und sich zu entwickeln. Die Medizin weiß, dass nur derjenige Organismus überlebt, der zur Auseinandersetzung mit dem Fremden bereit ist.

Auf der mikroskopischen Ebene des Körpers inszeniert Helena Waldmann die Makroskopie einer Politik. Mit den Mitteln des Tanzes zeigt sie Strategien von Abwehr und Anpassung und nutzt dabei die sehr speziellen Fähigkeiten ihrer Performer. Nach Tanz bei Revolver besorgen, Kathak-Tanz bei Made in Bangladesh und Akrobatik bei Gute Pässe – Schlechte Pässe lässt sie sich diesmal von der chinesischen Kampfkunst Kung Fu inspirieren. Hier sind Angriff und Abwehr eins. Die Kraft des jeweiligen Gegners wird durch wendige Schritt- und Schlagtechniken neutralisiert und gegen den Angreifer gewendet. Ziel ist es, am Gegner zu wachsen, ohne ihn zu vernichten. Damit tritt Helena Waldmann den Beweis an, dass Offenheit, Freiheit und Freizügigkeit lebenswichtig sind, um jener perfiden Konstruktion von Sicherheit zuvor zu kommen, die in ihrer Logik der Geschlossenheit nur lebendig Totes erzeugen kann.

Bundesliga-Handball hautnah erleben: Vor der eindrucksvollen Kulisse von bis zu 2.000 Zuschauern bestreitet die Mannschaft der Eulen Ludwigshafen ihre Heimspiele in der Friedrich-Ebert-Halle. In den packenden Begegnungen können sich die Spitzensportler der Friesenheimer Eulen auf die lautstarke Unterstützung durch ihre Fans mit Trommeln und Sprechchören verlassen!

Künstler:
Lukasz Borowicz, Dirigent
Federico Colli, Klavier

Werkangaben:
Peter Tschaikowsky, Konzert für Klavier und Orchester Nr. 1 b-Moll, op. 23
Nikolai Rimski-Korsakow, „The Tale of Tsar Saltan“; „Mlada“

Im Mai 2016 war er zuletzt mit der Staatsphilharmonie zu sehen und zu hören, in dieser Spielzeit kehrt er nach Ludwigshafen zurück: Lukasz Borowicz gilt als „Erneuerer der Musik“ unter den Dirigenten: „Heute geht es darum, Musik wieder neu zu entdecken.“ So erwarten Sie Werke von Rimski-Korsakow, die auf der Schwelle zum 20. Jahrhundert uraufgeführt wurden und heute durch die Staatsphilharmonie im neuen Glanz erscheinen. Bereits der Auftakt des Konzertabends verspricht Außerordentliches: Federico Collis Interpretation von Tschaikowskys erstem Klavierkonzert lässt das 5. Philharmonische Konzert zum wahren Glanzstück werden!

Im Landhaus von Rechtsanwalt Bassow und seiner Frau Warwara trifft sich eine privilegierte Runde: Ärzte, Schriftsteller, Fabrikanten, Ingenieure. Die gehobene Mittelschicht hat die Stadt verlassen, um den Sommer im Grünen zu verbringen. Sie haben Zeit, sie haben Geld und führen ein überwiegend angenehmes, sorgenfreies Leben. Und doch fühlen sie sich einsam und leer, sind von sich selbst ermattet und müde von ihren Freiheiten. Da helfen auch die diversen Bindungen, Verhältnisse und Freundschaften nicht weiter. Sie sehnen sich nach einer anderen Zukunft – mit erlösender Liebe und einer sinnhafteren Erde. Sie reden, streiten, lamentieren und diskutieren. Wie mit diesem Weltschmerz umgehen? Was für eine Realität anstreben? Wozu sich weiter hetzen und warum Ideale verfolgen? Welche Vision entwerfen? Warwara: „Dieses Abwägen, dieses Berechnen! Wir haben so eine Angst vor dem Leben! Was soll das? Wir versinken im Selbstmitleid!“

Maxim Gorki schrieb Sommergäste 1904, am Vorabend der Russischen Revolution. Laut eigener Aussage wollte er mit diesem Szenenreigen und Beziehungsgeflecht „die moderne bürgerlich materialistische Intelligenz darstellen“. Er zeigt eine bequem gewordene Gesellschaft, die sich ihrer selbst nicht mehr sicher ist und in der es ruhelos rumort. Eine umwälzende Zeitenwende wirft ihre Schatten voraus auf diese Sommergäste und ihre suchenden Seelen.

Wie in Gorkis Stück die Szenen abrupt ineinander übergehen, ja sich manchmal geradezu ins Wort fallen, agiert das Ensemble auch in Daniela Löffners hoch verdichteter, von immenser Binnenspannung und freudigem Vertrauen in die Erzählungskraft des Theaters getragener Inszenierung. In ihrer mit dem Dramaturgen David Heiligers erstellten Fassung überwiegt eine heutige Redeweise („Du solltest eine Therapie machen, Warja!“), die Kostüme von Eva Martin entsprechen der aktuellen Mode. Das freilich ist nur die niedrigschwellige Oberfläche, unter der diese großartig geschlossene Aufführung eine ganze Welt ausbreitet: als kunstvolle Einladung zum Mitdenken, Mitfühlen, Mitlernen und Mitgenießen. Frankfurter Allgemeine Zeitung

Im Landhaus von Rechtsanwalt Bassow und seiner Frau Warwara trifft sich eine privilegierte Runde: Ärzte, Schriftsteller, Fabrikanten, Ingenieure. Die gehobene Mittelschicht hat die Stadt verlassen, um den Sommer im Grünen zu verbringen. Sie haben Zeit, sie haben Geld und führen ein überwiegend angenehmes, sorgenfreies Leben. Und doch fühlen sie sich einsam und leer, sind von sich selbst ermattet und müde von ihren Freiheiten. Da helfen auch die diversen Bindungen, Verhältnisse und Freundschaften nicht weiter. Sie sehnen sich nach einer anderen Zukunft – mit erlösender Liebe und einer sinnhafteren Erde. Sie reden, streiten, lamentieren und diskutieren. Wie mit diesem Weltschmerz umgehen? Was für eine Realität anstreben? Wozu sich weiter hetzen und warum Ideale verfolgen? Welche Vision entwerfen? Warwara: „Dieses Abwägen, dieses Berechnen! Wir haben so eine Angst vor dem Leben! Was soll das? Wir versinken im Selbstmitleid!“

Maxim Gorki schrieb Sommergäste 1904, am Vorabend der Russischen Revolution. Laut eigener Aussage wollte er mit diesem Szenenreigen und Beziehungsgeflecht „die moderne bürgerlich materialistische Intelligenz darstellen“. Er zeigt eine bequem gewordene Gesellschaft, die sich ihrer selbst nicht mehr sicher ist und in der es ruhelos rumort. Eine umwälzende Zeitenwende wirft ihre Schatten voraus auf diese Sommergäste und ihre suchenden Seelen.

Wie in Gorkis Stück die Szenen abrupt ineinander übergehen, ja sich manchmal geradezu ins Wort fallen, agiert das Ensemble auch in Daniela Löffners hoch verdichteter, von immenser Binnenspannung und freudigem Vertrauen in die Erzählungskraft des Theaters getragener Inszenierung. In ihrer mit dem Dramaturgen David Heiligers erstellten Fassung überwiegt eine heutige Redeweise („Du solltest eine Therapie machen, Warja!“), die Kostüme von Eva Martin entsprechen der aktuellen Mode. Das freilich ist nur die niedrigschwellige Oberfläche, unter der diese großartig geschlossene Aufführung eine ganze Welt ausbreitet: als kunstvolle Einladung zum Mitdenken, Mitfühlen, Mitlernen und Mitgenießen. Frankfurter Allgemeine Zeitung

Das Carl-Bosch-Gymnasium hat bundesweit einen der größten musischen Schwerpunkte mit weit über 800 Instrumentalisten. Das Sinfonieorchester, das Sinfonische Blasorchester, die Mittelstufenorchester, die Juniororchester, die Gesangs- und Tanzgruppen, das Kammerorchester, die Big-Band und die Chöre setzen musikalische Schlaglichter von der sinfonischen Musik Antonin Dvoraks und Edward Griegs über Songs aus Musicals bis hin zur Pop- und Rockmusik.

Teil des Programms ist ein großes Turnier der lateinamerikanischen Tänze. Musikalisch umrahmt wird der Abend von der Tanz-Band Manhattan Six und zwei Disco-Anlagen.

Das Carl-Bosch-Gymnasium hat bundesweit einen der größten musischen Schwerpunkte mit weit über 800 Instrumentalisten. Das Sinfonieorchester, das Sinfonische Blasorchester, die Mittelstufenorchester, die Juniororchester, die Gesangs- und Tanzgruppen, das Kammerorchester, die Big-Band und die Chöre setzen musikalische Schlaglichter von der sinfonischen Musik Antonin Dvoraks und Edward Griegs über Songs aus Musicals bis hin zur Pop- und Rockmusik.

Rom im 14. Jahrhundert nach Christus: Der Papst ist im Exil in Avignon – und in der Ewigen Stadt befehden sich die einflussreichen Patrizierfamilien bis aufs Blut um die politische Vormachtstellung. In diesem chaotischen Machtvakuum versucht Cola Rienzi, eine historisch verbürgte Person, die alte römische Republik neu zu beleben. Er bringt das der Machtkämpfe müde Volk dazu, ihn als Volkstribun zu installieren, scheinbar beugen sich auch die verschiedenen Adelscliquen dem charismatischen Politiker. Rienzi hat den Gipfel seiner Macht erreicht, doch gelingt es ihm nicht, die verfeindeten Parteien hinter sich zu vereinen. Die Adeligen planen ein Mordkomplott und ziehen gegen ihn zu Felde – am Ende steht das Kapitol in Flammen.

Rienzi war der erste durchschlagende Erfolg Richard Wagners und zu seinen Lebzeiten sein meistgespieltes Werk. 1837 lernte der Komponist den Historienroman Rienzi, der letzte Tribun des englischen Schriftstellers Edward Bulwer-Lytton kennen und entschloss sich, diesen Stoff für eine Oper aufzugreifen, mit der er idealerweise die Pariser Oper erobern wollte. So wundert es nicht, dass sich die musikalische Konzeption an der Grand Opéra im Stil von Spontini, Meyerbeer oder Halévy mit ihren großen Chortableaus orientiert. In der eher traditionellen Nummerndramaturgie ist gleichwohl bereits die Handschrift des späteren Musikdramatikers Wagner erkennbar. Eine Realisierung in Paris erwies sich zu Wagners tiefer Enttäuschung als unmöglich, doch die Uraufführung an der Dresdner Hofoper am 20. Oktober 1842 wurde zu einem ungeheuren Publikumserfolg und zu einem ersten Triumph des Dichterkomponisten.

Rom im 14. Jahrhundert nach Christus: Der Papst ist im Exil in Avignon – und in der Ewigen Stadt befehden sich die einflussreichen Patrizierfamilien bis aufs Blut um die politische Vormachtstellung. In diesem chaotischen Machtvakuum versucht Cola Rienzi, eine historisch verbürgte Person, die alte römische Republik neu zu beleben. Er bringt das der Machtkämpfe müde Volk dazu, ihn als Volkstribun zu installieren, scheinbar beugen sich auch die verschiedenen Adelscliquen dem charismatischen Politiker. Rienzi hat den Gipfel seiner Macht erreicht, doch gelingt es ihm nicht, die verfeindeten Parteien hinter sich zu vereinen. Die Adeligen planen ein Mordkomplott und ziehen gegen ihn zu Felde – am Ende steht das Kapitol in Flammen.

Rienzi war der erste durchschlagende Erfolg Richard Wagners und zu seinen Lebzeiten sein meistgespieltes Werk. 1837 lernte der Komponist den Historienroman Rienzi, der letzte Tribun des englischen Schriftstellers Edward Bulwer-Lytton kennen und entschloss sich, diesen Stoff für eine Oper aufzugreifen, mit der er idealerweise die Pariser Oper erobern wollte. So wundert es nicht, dass sich die musikalische Konzeption an der Grand Opéra im Stil von Spontini, Meyerbeer oder Halévy mit ihren großen Chortableaus orientiert. In der eher traditionellen Nummerndramaturgie ist gleichwohl bereits die Handschrift des späteren Musikdramatikers Wagner erkennbar. Eine Realisierung in Paris erwies sich zu Wagners tiefer Enttäuschung als unmöglich, doch die Uraufführung an der Dresdner Hofoper am 20. Oktober 1842 wurde zu einem ungeheuren Publikumserfolg und zu einem ersten Triumph des Dichterkomponisten.

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Live-Musik der Formation Celebration begleitet diese spätsommerliche Ballnacht. Mehrere Shows und eindrucksvolle Tanzeinlagen sorgen neben der traditionellen Eröffnungspolonaise für ein abwechslungsreiches Rahmenprogramm.

Mit knapp 150 namhaften Unternehmen, Hochschulen, Bildungseinrichtungen und Institutionen präsentiert sich SPRUNGBRETT als eine der größten und wichtigsten Ausbildungsmessen der Region. Nahezu 12.000 Schülerinnen und Schüler informieren sich jährlich über Lehrstellen- und Ausbildungsangebote, über Berufsbilder und Studiengänge sowie Weiterbildungsmöglichkeiten.

160 Fachfirmen der Mess-, Steuer-, Regel- und Automatisierungstechnik präsentieren Geräte und Prozessleitsysteme, Engineering- und Serviceleistungen sowie neue Trends im Bereich der Automatisierung. Die Messe wendet sich an Fachleute und Entscheidungsträger, die in ihren Unternehmen für die Optimierung der Geschäfts- und Produktionsprozesse entlang der gesamten Wertschöpfungskette verantwortlich sind. 36 Fachvorträge finden parallel zur Messe statt.

Investitionen in die eigenen vier Wände sind weiterhin der Trend in einer Zeit mit Niedrigzinsniveau und somit ist die „meinZuhause! Ludwigshafen“ DIE neue Informationsplattform für Neubau- und Immobilieninteressenten sowie Renovierer und Sanierer, um Informationen aus erster Hand zu bekommen.
Der Bau- und Energiebereich präsentiert dem Hausbesitzer neueste Entwicklungen zu Renovierung, Sanierung und Modernisierung sowie zu Energieeinsparung, Energiesteuerung und Heizungsoptimierung.
Der Immobilien- und Neubaubereich gibt einen umfassenden Überblick über den regionalen Markt und richtet sich gezielt an den vorwiegend privaten Interessenten für An- und Verkauf, An- und Vermietung, Neubau, Kapital und Finanzierungsberatung.

Die Liebe zum Lied verbindet sie. „Poesie und Musik können vielleicht die Welt nicht verändern, aber sie können denen Mut machen, die sie verändern wollen“, so Konstantin Wecker, der sich seit über 40 Jahren für eine Welt ohne Waffen und Grenzen einsetzt. Nun setzt der Münchner Liedermacher mit zwei kongenialen Mitstreitern an seiner Seite zu einem musikalisch-poetischen Liebesflug der ganz besonderen Art an. Neben seinem langjährigen Bühnenpartner und Alter Ego am Klavier, Jo Barnikel, ist auch Fany Kammerlander bei seinem aktuellen Trio-Programm dabei. Die Ausnahme-Cellistin, die mit ihrem Spiel sowohl in der Klassik- als auch in der Popwelt zuhause ist, steht ebenso seit längerem mit Konstantin Wecker auf der Bühne. Zuletzt bei der umjubelten „Ohne Warum“-Tour, die durch ausverkaufte Säle in Deutschland und Österreich führte.

Die drei Musiker vereinen lyrisch-sensible Klavierstücke mit dem zart-schmelzenden Klang des Cellos, das Konstantin Weckers Liedern seit jeher ihre ganz persönliche Note gab.

Am liebsten würde man sie festhalten. Die Melodien. Und die Sehnsüchte. Auch darin sind sich die drei Musiker einig, deren neues Bühnenprogramm geprägt ist von Wut und Zärtlichkeit, Mystik und Widerstand – und immer auch von der Suche nach dem Wunderbaren. Eine Suche, die Mut macht. Und Hoffnung. Denn wer in die Lieder des neuen Trio-Programmes eintaucht, wird schnell erkennen, dass es durchaus eine Welt ohne Grenzen geben kann.

Nach dem Mega-Erfolg von „Feuerwehrmann Sam rettet den Zirkus“ mit vielen ausverkauften Vorstellungen ist der Lieblingsheld der Kinder, Feuerwehrmann Sam, mit einer komplett neuen Show für Jung und Alt wieder live auf der Bühne. Zusammen mit seinen Kollegen und dem ungezogenen Norman Price erlebt Sam ein neues Abenteuer!
Die spektakuläre Show voller Musik, Tanz und viel Humor ist definitiv die beste Theaterreise des Jahres für die ganze Familie.
Sam kommt auch zu Euch nach Deutschland, Österreich, Luxembourg und in die Schweiz!

„Der perfekte Moment .. wird heut verpennt“ ist auch der Titel des neuen Programms von Max Raabe & Palast Orchester. Mit Leichtigkeit verbindet sich die feine Ironie der Lieder aus den 20ger und 30ger Jahren mit dem schrägen Humor in den „Raabe-Pop”- Songs.

Als Anfang der 70er Jahre das Zeitalter der Modernen Musicals geboren wurde, hat niemand geahnt, welchem weltweiten Boom Musicals wie „Grease“ oder „A Chorus Line“ erneut auslösen
würden. In den 80er Jahren kamen Musicals wie „Das Phantom der Oper“, „Starlight Express“ – für deren Aufführung erstmals in Deutschland ein Theater nur für eine En Suite Musical Show gebaut wurde– oder auch „Cats“ nach Deutschland und lösten ein bis heute ungebrochenes Interesse an Musicals aus. Als 1986 Cats nach Deutschland kam, hätte niemand gedacht, dass das von Andrew Lloyd Webber geschrieben Musicals Platz 2. der ewigen Bestseller Liste der Musicals in Deutschland erreichen würde.
Mit dem Lied „Erinnerung“, welches Angelika Milster als Grizabella bei der deutschsprachigen Erstaufführung des Webber-Musicals am Theater an der Wien sang, begann Ihre ungebrochene Berühmtheit als wohl erfolgreichste weibliche Musicaldarstellerin Deutschlands, die aber auch international bekannt ist und ihre Engagements erhält. Aber nicht nur eine einzigartige Künstlerin wurde geboren, sondern eine Diva im positivsten Sinne, die als herausragende Frauen, die sich ihrer „Einzigartigkeit“ bewusst ist und Ihre Rollen ausgiebig zelebriert. Eine ebenbürtige Nachfolgerin in der Einreihung von Namen wie Greta Garbo, Marlene Dietrich oder Hildegard Knef. Seither ist sie in unzähligen Fernsehshows, bei Konzerten, in Talkshows, in Filmen und auf der
Theaterbühne für Ihre Millionen Fans zu sehen. Ihre künstlerische Wandlungsfähigkeit beeindruckt und begeistert dabei seit über drei Jahrzehnten Publikum und Kritiker gleichermaßen.
Jetzt geht die Künstlerin mit ihrem Konzertprogramm „Milster singt Musical“ auf eine Reise durch das von ihrem großen Publikum bevorzugte Genre und präsentiert mit ihrer unverwechselbaren
Stimme und ihrem einzigartigen Esprit die größten Musical-Hits live. Mit dabei: Die größten Hits aus Musicals wie Mamma Mia, Der Kuss der Spinnenfrau, Tarzan, Ich
war noch niemals in New York, Der König der Löwen, Die Schöne und das Biest u.v.m.
Komplett live präsentiert sie ein abendfüllendes Programm aus Melodien, die jeder kennt, jeder liebt und jeder mit seinen eigenen Erinnerungen verbindet.
Und vielleicht rührt auch Sie „Erinnerung“ zu Tränen.
Seien auch Sie ein Teil der großen Musicalfamilie und besuchen Sie eins der ausgewählten Konzerte in Deutschland.

Im Jahr 2019 blickt das Sinfonische Blasorchester Ludwigshafen zurück auf seine 50-jährige Geschichte. Auch das diesjährige Konzert im Pfalzbau des Orchesters steht mit dem Leitthema Klangwandel ganz im Zeichen des Jubiläumsjahres.

Eröffnet wird das Konzert mit Friedrich Guldas Konzert für Cello und Blasorchester, in dem der Komponist überraschende Gegensätze aufeinander prallen lässt: allerhöchste Cello-Virtuosität mit vermeintlich leicht zu spielender volkstümlicher Blasmusik verknüpft mit jazzig-rockigen Elementen. Unser Solist für dieses außergewöhnliche Werk ist Florian Streich, Solocellist des europäischen Kammermusik-Ensembles „dogma chamber orchestra“.

Komponist James Barnes lässt in seinem Werk Fantasy Variations ein Thema des Teufelsgeigers Niccolo Paganini in 20 Variationen aufleben. Kraftvolle Tutti-Passagen wechseln sich mit kammermusikalischen Interpretationen und lyrischen Soli ab. Mit David Maslankas Traveler wagt das Orchester zum Abschluss des Konzertabends einen Blick nach vorne – im besten Sinne als Ausblick auf die Reise des Orchesters in den nächsten 50 Jahren.

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Abendfüllendes Bühnenprogramm mehrerer Chöre des BASF Gesangvereins

Ich hab mal in einer Cocktailbar gearbeitet. Mein Chef Deniz meinte damals „Fäälix, weißt du wie man merkt, dass die Gäste wirklich zufrieden waren? Wenn sie wiederkommen.“ Deniz hat zwar auch mit brennender Fluppe im Mundwinkel die Gaskartusche von dem Bunsenbrenner für die Shishakohle gewechselt, aber trotzdem hat er recht.
Nach „kenn ick.“ sollte es also eigentlich reichen, das neue Programm von Felix Lobrecht mit den Worten „das neue Programm von Felix Lobrecht“ zu bewerben. Zufriedene Leute kommen ja eh wieder. Die Society will aber einen akkurat-verkopften Pressetext von mir, will Formulierungen wie „messerscharfe Alltagsbeobachtungen“, „unangenehm wahr“, „brüllend komisch“ hören. Aber come on, ES IST DAS NEUE PROGRAMM VON FELIX LOBRECHT.
Jetzt noch voller mit messerscharfen Alltagsbeobachtungen, noch unangenehm wahrer und noch brüllend komischer.
„Kenn ick.“ war krass, „Hype“ ist krasser. GEHT DA HIN!

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Die Tanzschule MOHL lädt zu ihrem festlichen Galaball in den Pfalzbau Ludwigshafen ein. Tanzen Sie zur Musik der Transatlantik Band und kommen in den Genuss von professionellen

Egal ob Kino oder Fernsehen: Musik verleiht mit emotionaler Tiefe und überwältigender Energie jedem Film eine einzigartige Stimmung.
Songs wie „I Will Always Love You” aus BODYGUARD oder „Circle of Life“ aus KÖNIG DER LÖWEN sind zeitlos und weltbekannt, Discohits aus SATURDAY NIGHT FEVER und FLASHDANCE genauso unvergessen wie die unzähligen fantastischen Songs aus den JAMES BOND-FILMEN.
Große Komponisten wie Ennio Morricone (SPIEL MIR DAS LIED VOM TOD), John Williams (STAR WARS) und Hans Zimmer (GLADIATOR) erschufen orchestrale Meisterwerke für die Ewigkeit.
STERNSTUNDEN DER FILMMUSIK präsentiert die bekanntesten und erfolgreichsten Soundtracks aus den letzten fünf Jahrzehnten und zaubert das perfekte Hollywood-Flair auf die Bühne.
Eine Auswahl internationaler Starsolisten, begleitet von Orchester und Band, entführt (natürlich live) in die aufregende Welt der Filmmusiken.

STERNSTUNDEN DER FILMMUSIK – Emotional! Mitreißend! Unvergessen!

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Ein vielseitiges Showprogramm und eine aufwendige Saaldekoration bilden den stimmungsvollen Rahmen dieser Ballnacht. Für die musikalische Unterhaltung sorgen die Tanzband Manhattan Six und zwei Discoanlagen. Reichlich Gelegenheit zum Tanz bieten gleich zwei Tanzflächen.

Erleben Sie das Musical mit heißem Rock´n Roll in einem heißen Sommer eines längst vergangenen Jahres.
Freuen Sie sich auf ein Musical mit hochkarätigen Sängern und Sängerinnen, authentische und witzige Tanzeinlagen, mitreißende Gags, lässige Typen und DIE Ausnahme-Rock´n-Roll-Band des Musicals.

Beim Winterball feiern die Tanzschüler der Herbstkurse ihren Premierenball und damit zugleich den Höhepunkt zum Abschluss des Jahresprogramms der Tanzschule Nagel. Für aktuelle Musik sorgt die Live-Kapelle Twins Band. Tanzeinlagen und Shows liefern ein abwechslungsreiches Rahmenprogramm.

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Im gut zweistündigen Programm (inkl. Pause) liefern sich die Darsteller Stefan Linker (Heinz Erhardt-Imitator), Ralf Steltner und Karin Westfal einen regelrechten Schlagabtausch und rezitieren ein Heinz Erhardt-Gedicht nach dem anderen. Begleitet werden sie vom Pianisten Ralf Steltner. Mitreißende Melodien zu humorvollen Texten, verbunden mit der Lebensgeschichte des größten deutschen Komikers, versprechen eine gute Mischung aus gesprochenen und gesungenen Texten. Diese werden teils einzeln, teils im Duett oder zu dritt vorgetragen. Die schönsten Gedichte und Balladen des Kalauer-Genies, von denen viele zum ersten Mal vertont wurden, werden gekonnt zusammengefügt und in einem Guss in Szene gesetzt. Ob Ritter Fips oder König Erl, ob Made oder Kuh, selbst die sauren Zitronen und der G-Sketch werden zum Besten gegeben.

Den Zuschauern wird ein Feuerwerk des Wortwitzes geboten, ein Musical voller komischer Erinnerungen an den drolligen Ausnahme-Humoristen. Lassen Sie sich in die Welt des Heinz Erhardt entführen, Sie werden aus dem Lachen nicht herauskommen. Versprochen!

Alle mal kurz das Besteck weglegen: Sascha Grammel’s neues live-Programmel ist „FAST FERTIG! „Nee, Moment, es heißt “ FAST FERTIG!“ .
Und das neue Programm ist selbstverständlich zum großen live-Tourstart im Mai 2019 „rechtzeitig fertig“, wobei Spandaus ganzer Stolz und fast-von-Natur-aus-blondgesträhnter Bauchredner-König dafür bekannt ist, noch bis zur allerletzten Minute hier und da an seiner Show zu feilen. Und das lohnt sich: Denn auch „FAST FERTIG!“ ist wieder genau das, was man zurecht von Sascha und seinem liebevoll-verrückten Puppenzoo erwarten kann: Immer lustig, manchmal albern und oft ans Herz gehend. Bauchredner-Ehrenwort!
Zu Bewundern ist die neue, unvergleichlich unbeschwerte und bunte Dauergeburtstagsparty auf ausgedehnter „FAST FERTIG!“ – Tour durch Deutschland, Österreich, der Schweiz, der Österreichischen Schweiz und dem Schweizer Deutschland. Soll heißen: bestimmt auch irgendwo in Deiner Nähe! Und pssst, streng geheim: Sascha wäre nicht Sascha, sondern sagen wir seine Oma, wenn er nicht auch bei “ FAST FERTIG!“ mindestens einen oder zwei neue Puppencharaktere „aus dem Bauch“ zaubern würde. Angeblich diesmal mit dabei: seine bisher größte und bisher kleinste Puppe. Die eine hat zwei Ohren und die andere ist der Schrecken der Meere. Oha.
Sascha Grammel „FAST FERTIG!“ – live! Kleiner Tipp: Unbedingt hingehen!!!

Von der „Generation Instagram“ lernen, heißt siegen lernen! Deswegen zeigt BÜLENT seinem Publikum nicht die kalte Schulter, sondern die rasierte Brust. Bülent macht sich zum LUSCHTOBJEKT! Optik statt Inhalt, Nippel statt Nietzsche! Kabarettpreise müssen warten. Bülent bedient als LUSCHTOBJEKT alle nur denkbaren Geschlechter und Vorlieben: osmanophile Kurpfalz-Lover, Langhaar-Fetischisten oder Liebhaber großer Nasen und kleiner Bärte… bei BÜLENT packt jeden die Wolluscht! Und wer Intelligenz sexy findet, wird natürlich auch befriedigt nach Hause gehen.
Aber BÜLENT macht sich in seinem 11. Live-Programm nicht nur selbst zum LUSCHTOBJEKT, er macht sich auch über Luschtobjekte lustig. Über seine eigenen (Frauenfüße und Gummifrösche) und über die anderer Leute. Denn heute kann offenbar alles ein LUSCHTOBJEKT sein: Autos, Schuhe, Smartphones… es gibt sogar Menschen, die Atomkraftwerke lieben. Selbst Götter sind objektophil! Und weil der Donnergott THOR bekanntlich gebürtiger Mannheimer ist, verrät er bei BÜLENT weltexklusiv und zum ersten Mal, wo, wann und wie bei ihm der Hammer hängt. Das wird luschtig, versprochen!