Veranstaltungskalender Eberthalle und Pfalzbau

DEUTSCHLANDPREMIERE

Von der Odyssee einer Sardine

Von Bruno Cappagli und Fabio Galanti
Für Kinder von 4 bis 8 Jahren

Sardinen gehören zu den Fischen, die im Mittelmeer oder im Atlantik zu finden sind. Ihr Lebensraum erstreckt sich von den Kanarischen Inseln über die Küste Großbritanniens bis nach Norwegen und Finnland. Sardinen lieben das offene Meer! Außerdem schmeckt ihr Fleisch sehr lecker . . . darum sind sie bei allen Raubfischen die beliebteste Beute. Alle Räuber lieben sie!

Jedes Jahr Anfang Juni ist ein einzigartiges Phänomen zu beobachten, bekannt als „sardine run“: sie ziehen in Schwärmen fort. Ihre Reise endet im Juli in Südafrika.
Wenn man sich vorstellt, dass Millionen von Sardinen so schnell schwimmen wie sie können, um ihre Eier ablegen zu können, dann sprechen wir wirklich von riesigen Schwärmen! Allerdings schaffen es bei weitem nicht alle, unbemerkt an ihren Feinden vorbeizukommen. Delfine, Pinguine, Haie, Robben und Wale warten nämlich nur auf die leckere Beute. Doch wenn die Sardinen von ihren Feinden bedroht werden, nimmt  der Fischschwarm dann die Gestalt eines riesigen silbernen Balls an, der erst größer und wieder kleiner, dicker und dünner wird. Auf diese Weise errichten die Sardinen eine undurchdringliche Festung, die ihr Leben rettet. Ihr Leben scheint nur sicher, wenn sie Seite an Seite schwimmen. Manchmal können sie sogar die Gestalt ihres Feindes annehmen – eine sehr kluge Strategie, um das Gegenüber zu verängstigen, aber auch zu verwirren. Dieser Tanz der Sardinen ist ein faszinierendes Schauspiel!

Doch was passiert, wenn eine Sardine verloren geht? Was wird mit ihr geschehen? Es könnte vermutlich „salzig im Geschmack“ werden! Und davon handelt die Geschichte, die La Baracca mit phantasievollen Projektionen erzählt.

Seit 1853 begeistert der 80-Köpfige schwedische Männerchor „Orphei Drängar“ (Die Söhne des Orpheus) auf der ganzen Welt Zuhörer mit Arrangements, die zwischen Ruhe und Sturm, von sanftem Klang bis zum kraftvollen Ausdruck, alles zu bieten haben.
Nach bisher nur 2 Touren durch Deutschland, beide im Rahmen des Kultursommers Rheinland-Pfalz, 2002 und 2007, sind dieses Jahr wieder 4 Konzerte vom 16. bis 19. Oktober 2019 mit einem exquisiten Programm in Rheinland-Pfalz zu erleben.

Als Anfang der 70er Jahre das Zeitalter der Modernen Musicals geboren wurde, hat niemand geahnt, welchem weltweiten Boom Musicals wie „Grease“ oder „A Chorus Line“ erneut auslösen
würden. In den 80er Jahren kamen Musicals wie „Das Phantom der Oper“, „Starlight Express“ – für deren Aufführung erstmals in Deutschland ein Theater nur für eine En Suite Musical Show gebaut wurde– oder auch „Cats“ nach Deutschland und lösten ein bis heute ungebrochenes Interesse an Musicals aus. Als 1986 Cats nach Deutschland kam, hätte niemand gedacht, dass das von Andrew Lloyd Webber geschrieben Musicals Platz 2. der ewigen Bestseller Liste der Musicals in Deutschland erreichen würde.
Mit dem Lied „Erinnerung“, welches Angelika Milster als Grizabella bei der deutschsprachigen Erstaufführung des Webber-Musicals am Theater an der Wien sang, begann Ihre ungebrochene Berühmtheit als wohl erfolgreichste weibliche Musicaldarstellerin Deutschlands, die aber auch international bekannt ist und ihre Engagements erhält. Aber nicht nur eine einzigartige Künstlerin wurde geboren, sondern eine Diva im positivsten Sinne, die als herausragende Frauen, die sich ihrer „Einzigartigkeit“ bewusst ist und Ihre Rollen ausgiebig zelebriert. Eine ebenbürtige Nachfolgerin in der Einreihung von Namen wie Greta Garbo, Marlene Dietrich oder Hildegard Knef. Seither ist sie in unzähligen Fernsehshows, bei Konzerten, in Talkshows, in Filmen und auf der
Theaterbühne für Ihre Millionen Fans zu sehen. Ihre künstlerische Wandlungsfähigkeit beeindruckt und begeistert dabei seit über drei Jahrzehnten Publikum und Kritiker gleichermaßen.
Jetzt geht die Künstlerin mit ihrem Konzertprogramm „Milster singt Musical“ auf eine Reise durch das von ihrem großen Publikum bevorzugte Genre und präsentiert mit ihrer unverwechselbaren
Stimme und ihrem einzigartigen Esprit die größten Musical-Hits live. Mit dabei: Die größten Hits aus Musicals wie Mamma Mia, Der Kuss der Spinnenfrau, Tarzan, Ich
war noch niemals in New York, Der König der Löwen, Die Schöne und das Biest u.v.m.
Komplett live präsentiert sie ein abendfüllendes Programm aus Melodien, die jeder kennt, jeder liebt und jeder mit seinen eigenen Erinnerungen verbindet.
Und vielleicht rührt auch Sie „Erinnerung“ zu Tränen.
Seien auch Sie ein Teil der großen Musicalfamilie und besuchen Sie eins der ausgewählten Konzerte in Deutschland.

Black Swan  
Choreographie von Andonis Foniadakis
Musik Pjotr Iljitsch Tschaikowsky, Julien Tarride

Nova Carmen
Choreographie von Sharon Eyal, Gai Behar
Auszüge der Originalmusik von Georges Bizet

Neuarrangement Ori Lichtik

Zur fulminanten Musik Tschaikowskys hat Andonis Foniadakis für die ausdrucksstarken Tänzerinnen und Tänzer des Israel Ballet mit Black Swan eine hochkomplexe Choreographie kreiert. Der Gegensatz von Weiß und Schwarz charakterisiert die Hauptrolle und inspirierte Foniadakis dazu, die Schönheit der dunklen Seite der Geschichte aufleuchten zu lassen. Er füllt die dunklen Mächte mit unbändiger Energie, die auf der Bühne einen starken Sog entfaltet und das große Faszinosum dieses romantischen Ballettklassikers offenbart.

Nova Carmen hat Sharon Eyal als Auftragswerk für das Israel Ballet geschaffen. Sie hat die Essenz aus Carmen destilliert, entstanden ist eine völlig neue, außergewöhnliche Interpretation, die den virtuosen Tänzerinnen und Tänzern der Compagnie ihr ganzes Können abverlangt. Sharon Eyal hat in Nova Carmen den Ursprung der bekannten Geschichte hinterfragt und zusammen mit dem Ensemble eine innovative Bewegungssprache gefunden, durch die eine beeindruckende Intensität entsteht.

Das Israel Ballet entwickelte sich seit seiner Gründung im Jahr 1967 zu einer führenden kulturellen Einrichtung Israels und wurde sowohl vom Publikum als auch von der Presse weit über Israel hinaus sehr geschätzt. Die Compagnie repräsentierte Israel bereits an prominenten Aufführungsorten und auf Festivals in Europa, den USA, Asien und Südamerika. Als einzige israelische Compagnie, die das anspruchsvolle klassische und neoklassische Repertoire auf der Bühne umzusetzen in der Lage ist, setzte sich das Israel Ballet das Ziel, durch seine Arbeit die Kunst des klassischen Balletts zu bewahren und zu fördern. Zugleich bringt die Compagnie auch bahnbrechende, innovative künstlerische Werke hervor und betreibt dadurch einen kreativen Dialog zwischen dem klassischem Ballett und der neu entstehenden, vielfältigen zeitgenössischen Kunst Israels.

Die Tänzerinnen und Tänzer des Israel Ballet bewegen sich, als würde ihr Leben davon abhängen.
Tal Levin, haaretz newspaper

Jugendclub des Jungen Pfalzbaus

Inszenierung Giuseppina Tragni
Kostüme Petra Vaskova

Menschen fliehen seit jeher: vor Hunger und Umweltkatastrophen, vor Krieg und Verfolgung, in das nächste Dorf oder in ein anderes Land. Sie wurden aufgenommen oder abgewiesen, sie blieben, gingen weiter oder wieder zurück. Vielleicht sind auch wir schon bald in dieser Situation. Der Jugendclub hat es sich zur Aufgabe gemacht, quer durch Ort und Zeit zu recherchieren, um Geschichten von Geflüchteten zu erzählen. Dabei stoßen sie auf Erlebnisse ihrer Vorfahren sowie auf Schicksale von bekannten oder unbekannten Personen. Geflüchtet sind sie alle, und zwar aus verschiedenen Gründen, in verschiedene Länder, mit unterschiedlichen Ängsten – aber alle in der Hoffnung auf ein besseres Leben.

Gaye Su Akyol gilt als eine der überzeugendsten jungen Stimmen und aufregendsten Klangforscherinnen der Türkei und hat sich nicht nur in der Musikszene ihres eigenen Landes etabliert. Als Singer-Songwriterin, Produzentin und audiovisuelle Konzept-Künstlerin setzt sie sich mit der eigenen Vergangenheit und ihren Wurzeln, dem  extrem verlinkten Hier und Jetzt sowie einer wahrscheinlich digital hochlabilen Zukunft auseinander. Ihr erstes internationales Album Hologram Ĭmparatorluğu (auf deutsch etwa „Holografische Gegenrealität“), das 2016 erschien, war ein voller Erfolg und bescherte der Band eine Tour durch ganz Europa, den Mittleren und den Fernen Osten.
Gaye Hanım wuchs im kosmopolitischen Istanbul auf und ließ sich von der anatolischen Musik-Ikone Selda Bağcan und Kurt Cobain gleichermaßen inspirieren. Nirvana waren ebenso prägend wie anatolische Rockmusik, Sonic Youth oder Nick Cave.

Ihr neues Album mit dem Titel Istikrarlı Hayal Hakikattir, der übersetzt „Konsequente Fantasie ist Realität“ bedeutet, hat Gaye Su Akyol selbst geschrieben, arrangiert und koproduziert. Sie kombiniert darin lebensfrohe Balladen, futuristischen Surf-Rock und Post-Punk. Psychedelische E-Gitarren und donnernde Percussions treffen auf Oud und Baglama, elektronische Beats und Synthies auf Violine und Trompete. Das Album ist zutiefst poetisch, hoch politisch und trifft den Kern unserer Zeit. Dank englischer Übersetzungen im Booklet kann man in Gayes bittersüße Traumwelten eintauchen, auch wenn man kein Türkisch versteht. Und das lohnt sich, denn in ihrer Musik erschafft sie ihr ganz eigenes Universum aus nahöstlicher Tradition und urbanem Underground.

Das Konzert von Gaye Su Akyol bietet eine wunderbare Möglichkeit, die deutsch-türkische Freundschaft zu feiern – Gäste aus anderen Ländern sind natürlich ebenfalls willkommen!

Im Jahr 2019 blickt das Sinfonische Blasorchester Ludwigshafen zurück auf seine 50-jährige Geschichte. Auch das diesjährige Konzert im Pfalzbau des Orchesters steht mit dem Leitthema Klangwandel ganz im Zeichen des Jubiläumsjahres.

Eröffnet wird das Konzert mit Friedrich Guldas Konzert für Cello und Blasorchester, in dem der Komponist überraschende Gegensätze aufeinander prallen lässt: allerhöchste Cello-Virtuosität mit vermeintlich leicht zu spielender volkstümlicher Blasmusik verknüpft mit jazzig-rockigen Elementen. Unser Solist für dieses außergewöhnliche Werk ist Florian Streich, Solocellist des europäischen Kammermusik-Ensembles „dogma chamber orchestra“.

Komponist James Barnes lässt in seinem Werk Fantasy Variations ein Thema des Teufelsgeigers Niccolo Paganini in 20 Variationen aufleben. Kraftvolle Tutti-Passagen wechseln sich mit kammermusikalischen Interpretationen und lyrischen Soli ab. Mit David Maslankas Traveler wagt das Orchester zum Abschluss des Konzertabends einen Blick nach vorne – im besten Sinne als Ausblick auf die Reise des Orchesters in den nächsten 50 Jahren.

Jugendclub des Jungen Pfalzbaus

Inszenierung Giuseppina Tragni
Kostüme Petra Vaskova

Menschen fliehen seit jeher: vor Hunger und Umweltkatastrophen, vor Krieg und Verfolgung, in das nächste Dorf oder in ein anderes Land. Sie wurden aufgenommen oder abgewiesen, sie blieben, gingen weiter oder wieder zurück. Vielleicht sind auch wir schon bald in dieser Situation. Der Jugendclub hat es sich zur Aufgabe gemacht, quer durch Ort und Zeit zu recherchieren, um Geschichten von Geflüchteten zu erzählen. Dabei stoßen sie auf Erlebnisse ihrer Vorfahren sowie auf Schicksale von bekannten oder unbekannten Personen. Geflüchtet sind sie alle, und zwar aus verschiedenen Gründen, in verschiedene Länder, mit unterschiedlichen Ängsten – aber alle in der Hoffnung auf ein besseres Leben.

Koproduktion mit Biennale de la danse de Lyon 2018,
Scène nationale du Sud-Aquitain, Maison des Arts de Créteil

Choreographie Mourad Merzouki
Musik Armand Amar
Licht Yoann Tivoli, assistiert von Nicolas Faucheux
Bühne Benjamin Lebreton
Kostüme Pascale Robin

Die Compagnie Käfig zählt zu den besten und innovativsten HipHop-Formationen Europas. Ihr Leiter Mourad Merzouki, Kurator zweier bekannter HipHop-Festivals, experimentiert in seinen Stücken immer wieder mit anderen Tanz- und Kunst-Disziplinen und entwickelte so den urbanen Tanz zu einem originären, hochprofessionellen Stil. Es entstanden Choreographien, die HipHop, zeitgenössischen Tanz und Zirkus verbinden.

Beim spektakulären Tanzstück Vertikal der Compagnie Käfig ist der Name Programm. In Zusammenarbeit mit Fabrice Guillot, einstiger Bergsteiger und Pionier in der Disziplin Fassadentanz, schuf Merzouki ein wunderschönes Werk, in dem seine Tänzer die Gesetze der Schwerkraft zu überwinden scheinen. Gerade noch mit kraftvollen Tanzschritten am Boden, schweben sie plötzlich scheinbar schwerelos über der Bühne. Benjamin Lebreton gestaltete ein Bühnenbild aus dekorativen, hoch aufgerichteten Mauern, an denen die Tänzer wie von Zauberkraft bewegt hochschnellen, in der Senkrechte tanzen, an langen Seilen hängend noch oben laufen, schwingen und sich synchron bewegen. Es entstehen faszinierende Bilder, spektakulär und glamourös, in der die fünf Tänzerinnen und Tänzer mit großer Leichtigkeit und Virtuosität zwischen Boden und Luft eine bisher ungesehene Show präsentieren, die den Zuschauern bisweilen den Atem stocken lässt. Inspiriert von Zirkusakrobatik und Danse vertical, erobert der Tanz hier eine atemberaubende neue Dimension.

Merzoukis Vertikal stellt eine brillante, einfallsreiche Weiterentwicklung der HipHop-Technik dar. 
New York Times

Inszenierung Karin Beier
Bühne und Kostüme Johannes Schütz
Musik Jörg Gollasch
Dramaturgie Christian Tschirner
Mit Lina Beckmann, Sandra Gerling, Jan-Peter Kampwirth, Matti Krause, Carlo Ljubek, Maximilian Scheidt, Edgar Selge, Ernst Stötzner, Samuel Weiss

Dass alternde Menschen die Gegenwart mit Verwunderung, sogar mit Verstörung wahrnehmen, ist kein neues Phänomen. Zeiten ändern sich, und nicht alle möchten bis zum letzten Moment Schritt halten. Momentan aber dreht sich die Welt so schnell, ist der Fortschritt so rasant, dass man kein Greis sein muss, um sich alt zu fühlen. Es ist dieser Moment von Überforderung in einer hochkomplexen, unübersichtlichen Welt, den Karin Beier ausgerechnet in einem über 400 Jahre alten Stück aufspürt.

König Lear erzählt von einem missglückten Generationenwechsel. Der alte Herrscher versteht nicht mehr, was um ihn herum vorgeht und versucht in einem verzweifelten, irrationalen Akt einen Rest von Stabilität wiederzugewinnen. Er will sein Reich zu gleichen Teilen seinen drei Töchtern vermachen, dafür sollen sie ihm glaubhaft versichern, wie sehr sie ihn lieben. Zweien gelingt das, aber ausgerechnet die Lieblingstochter verweigert das taktische Kalkül. Dafür wird sie bitter bestraft, und eine irrwitzige Tragödie nimmt ihren Lauf.

Edgar Selges König Lear denkt und handelt aus einer heutigen Perspektive. Selge spielt einen modernen Mann, der nicht begreifen will, dass seine Parameter nicht mehr funktionieren. Seinen Bedeutungsverlust verkraftet er nicht und flüchtet in eine Scheinwelt, aus der es kein Entrinnen gibt. Karin Beiers hochaktuelle Inszenierung wirft viele Fragen an unsere unerbittliche Zeit auf, deren Entwicklungen für Viele nicht mehr fassbar sind.

Der feingliedrige, feinnervige Edgar Selge, schon phänotypisch kein gravitätischer Wucht- und Machtmensch – und beileibe kein Bilderbuch-Lear – spielt ihn so federnd und schlenkernd agil, wie er selber mit seinen 70 Jahren noch ist. 
Süddeutsche Zeitung

Die „Nacht der Vereine“ bietet den Vereinen in und um Ludwigshafen erstmals eine gemeinsame Plattform unter dem Unter-Titel „IN DEN FARBEN GETRENNT, IN DER SACHE VEREINT“.
Der Austausch und die Vernetzung der Beteiligten stehen an diesem Abend im Vordergund. Gleichzeitig soll in einem angenehmen Ambiente die Möglichkeit bestehen, gemeinsam zu feiern, zu diskutieren und neue Kontakte zu knüfpen.

Mitwirkende
Michael Francis Dirigent
Maximilian Hornung Violoncello

Programm
Richard Strauss Don Quixote op. 35 Phantastische Variationen über ein Thema ritterlichen Charakters

Beschreibung
Im Kampf gegen Windmühlen

Ritter Don Quixote und sein Knappe Sancho Pansa stürzen sich von einem Abenteuer ins nächste und merken nicht, dass ihre Heldentaten Hirngespinste sind. Die fantastische Romanvorlage von Miguel de Cervantes zog auch zahlreiche Komponisten wie Purcell, Telemann, Ravel oder Mendelssohn Bartholdy in ihren Bann. Strauss komponierte seine Interpretation der Heldenreise 1897. Auf den Stoff brachte ihn seine Freundin Cosima Wagner: „Ich glaube, Sie finden darin auf edle Weise Unterhaltung und Zerstreuung!“ Herrlich fein instrumentiert treten Don Quixote (Violoncello) und Knappe Sancho Pansa (Viola) in den Dialog miteinander und der Welt, von der sie sich immer weiter entfremden.

Bundesliga-Handball hautnah erleben: Vor der eindrucksvollen Kulisse von bis zu 2.000 Zuschauern bestreitet die Mannschaft der Eulen Ludwigshafen ihre Heimspiele in der Friedrich-Ebert-Halle. In den packenden Begegnungen können sich die Spitzensportler der Friesenheimer Eulen auf die lautstarke Unterstützung durch ihre Fans mit Trommeln und Sprechchören verlassen!

Georg Forster
Historische Rebsorten

Rebschule Martin, Gundheim

Unsere Reihe mit Regionalbezug gibt sich in dieser Saison grenzüberschreitend. Warum? Weil der Rhein, ohne den unsere Stadt und auch der gute Pfälzer Wein nicht denkbar wären, auf seinem langen Weg von der Quelle zur Mündung immerhin vier Länder durchquert und zwei streift. Im Februar 2020 wird der stolze Fluss, den man auch Vater heißt und nach dem einst sogar eine Kartoffel benannt wurde, zum Mittelpunkt unserer Überlegungen. Und schon jetzt dürfen wir Ihnen verraten, dass Michael Heinz, Vorstandsmitglied der BASF SE und Standortleiter des Werks Ludwigshafen, an diesem Abend zu Gast sein wird. Auch beim ersten Wort und Wein im Oktober geht es auf die Reise: Mit Georg Forster, der, wenn er nicht gerade in Mainz Revolution betrieb, zusammen mit James Cook die Welt entdeckte. Davon liest und spricht Frank Vorpahl, aspekte-Redakteur und besessener Forster-Forscher. Das Weihnachts-Spezial im Dezember bietet Verlässliches, und wenn der blaue Flieder wieder blüht und der Spargel fast schon aus der Erde schaut und die Erdbeeren nur noch ein wenig auf sich warten lassen, dann versammeln sich Händler und Händlerinnen des Friesenheimer Wochenmarktes und geben Einblick in das Leben von Frühaufstehern. All das präsentiert und moderiert ein stets gut gelaunter Intendant Tilman Gersch.

Inszenierung Falk Richter
Bühne Katrin Hoffmann
Kostüme Andy Besuch
Komposition und Musik Matthias Grübel
Dramaturgie Rita Thiele
Mit Idil Baydar, Benny Claessens, Matti Krause, Anne Müller, Ilse Ritter, Tilman Strauß, Julia Wieninger, Frank Willens

Noch immer rätselt der Westen über das Phänomen Trump. Zwei Jahre nach seiner Wahl hält sich der amerikanische Präsident wider Erwarten fest im Sattel, übersteht  Korruptionsvorwürfe, Tweets jenseits aller political correctness und fragwürdige politische Entscheidungen scheinbar unbeschadet. Der österreichischen Autorin und Literaturnobelpreisträgerin Elfriede Jelinek bietet Donald Trump eine perfekte Steilvorlage. Ihre Schreibwut richtet sie diesmal auf einen der mächtigsten und zugleich umstrittensten Männer der Welt. Gemeint aber ist nicht nur Trump selbst (dessen Name im Stück niemals fällt), sondern alle, die in seinem Geiste handeln, die offiziellen Vertreter eines Rechtspopulismus, der zunehmend bedrohlicher wird.

Jelineks dramatische Zuspitzung ist wie gewohnt ein wilder Mix der Genres und Zitate. Gleich zu Beginn tritt sie selbst als blinde Seherin auf. Der König ist ein blinder Ödipus , er bringt die Pest und sitzt in seinem goldenen Turm auf goldenen Stühlchen. Seine Anhänger und Gegner schlagen aufeinander ein wie Kasperle auf das Krokodil. Jelineks Stück scheut kein Klischee, keine Trivialität und findet doch zu einer sehr eigenen und bösen Analyse der Gegenwart. Falk Richters Inszenierung dreht die Schraube noch ein Stück weiter und verpackt den Text in eine überbordende Grand-Guignol-Show. Das Ensemble – darunter der großartige Benny Claessens als Schauspieler des Jahres 2018, die Grande Dame des Schauspiels Ilse Ritter und die Comedienne Idil Baydar – vollführt eine rasante Maskerade am Rand der Geschmacklosigkeit, aber im steten Bewusstsein der ernsten Lage. Denn vor allem erzählt Elfriede Jelineks Königsweg über das Scheitern der Intellektuellen, die der Verrohung und Verflachung der Diskurse nichts entgegenzusetzen haben.

Falk Richter, Regisseur und Autor, wurde 1969 in Hamburg geboren und zählt zu den bedeutendsten Theaterregisseuren und Gegenwartsdramatikern. Er studierte Theaterregie in Hamburg und schrieb bald darauf eigene Stücke. Einer seiner frühen Erfolge war Gott ist ein DJ, mit Nothing hurts wurde er 2000 zum Theatertreffen eingeladen. An großen Theatern in ganz Europa inszeniert er eigene und klassische Stücke sowie Musiktheater. Im März 2019 wurde er zum Professor for Performing Arts an der Danish National School of Performing Arts in Kopenhagen ernannt.

Deutschlandpremiere

In französischer Sprache

Compagnie Les Hauts Parleurs, Frankreich

In Koproduktion mit Festival d’Avignon u.a.

Inszenierung und Spiel Didier Galas
Bühne Jean François Guillon
Licht Perrine Cado

Ahmed ist eine Theaterfigur. Er trägt eine Maske und steht in der Tradition der Komödiendichtung des Aristophanes, der Komödien Molières, der burlesken Hirngespinste der Marx Brothers oder der surrealistischen Spinnereien von Monty Python. Geboren in den Außenbezirken des vorigen Jahrhunderts, wirft er einen unbedarften Blick auf die Gesellschaft von heute. Sein Name lässt den Islam anklingen, um die Schärfe seiner Gedanken noch intensiver zu Gehör zu bringen. Ahmed besitzt die Fähigkeit, die Grenzen unserer Republik zu überschreiten und sie anzuprangern. Er tritt auf die Bühne, um über die Liebe und die Poesie, über Identität, Rassismus, Laizismus oder den Islam zu sprechen. Ahmed macht seinen Zuhörern die Lebendigkeit und die Freude an der Philosophie und des Theaters zum Geschenk.

Ahmed ist eine komische Figur. Durch üppige Gestik und eine überschäumende Sprache lässt er eine Fülle an Situationen und Geschichten entstehen, die das Publikum zum Lachen bringen. Die Themen, die er anspricht, sind uns durchaus geläufig, werden von ihm jedoch von einem philosophischen Standpunkt aus beleuchtet. Ahmed gibt sich den Anschein eines arabischen Schelms, doch in Wahrheit gleicht er einem Höhlenmenschen, der sich einer Maske bedient. Im Grunde genommen verkörpert er eine philosophische Figur, die die Welt in Frage stellt. Wie in der griechischen Tragödie ist Ahmeds Ziel die seelische Reinigung.

Regie, Bühne, Lichtkonzept Robert Wilson
Kostüme Jacques Reynaud
Dramaturgie Jutta Ferbers, Anika Bàrdos
Mit Traute Hoess, Jürgen Holtz, Ingo Hülsmann, Peter Moltzen, Angela Winkler u. a.

“Es ist nicht die Aufgabe des Künstlers, Antworten zu geben.
Er soll Fragen stellen.“ Robert Wilson

Theatergenie und -erneuerer Robert Wilson, einer der bedeutendsten Repräsentanten des internationalen Gegenwartstheaters, kehrt mit einer Aufsehen erregenden Dreigroschenoper zurück nach Ludwigshafen. Der vielseitige Regisseur, Bühnenbildner, Architekt und Designer schuf in seinen Bühnenwerken eine ganz eigene, stark stilisierte Theatersprache, in der Musik, Bühnenbild und sehr eigenwillige Kostüme eine schillernde Einheit bilden. Gesamtkunstwerke mit surrealem Einschlag, die auch in Deutschland Furore machten. Mancher Zuschauer erinnert sich vielleicht noch an das spektakuläre Gastspiel der Aufführung von The Black Rider vom Thalia Theater in Hamburg, einer Musicalversion von Carl Maria von Webers Freischütz, oder an die bilderstarken folgenden Aufführungen Poe ‒ inspiriert vom Leben und Wirken Edgar Allen Poes ‒ und Alice nach dem Kinderbuchklassiker Alice im Wunderland.

Nun also zeigt Wilson in Ludwigshafen seine am Berliner Ensemble gefeierte Dreigroschenoper, eine elegante, perfekt choreographierte und opulente Version des Brechtklassikers. Raffinierte Ton- und Lichteffekte, kunstvolle Animation, herausragende Darsteller und die herrlich schräge Musik Kurt Weills lassen die Aufführung zu einem einmaligen Erlebnis werden.

Jonathan Peachum betreibt einen äußerst lukrativen Handel mit der Ausstattung von Bettlern, das Geschäft mit den „Ärmsten der Armen“ floriert. Doch als er erfährt, dass seine Tochter Polly heimlich Mackie Messer geheiratet hat, tobt er. Die einzige Lösung: Mackie muss an den Galgen. Brechts Parabel erzählt handfest und mit Sinn für die Groteske von den Mechanismen des Marktes, korrupten Verhältnissen, der Verlogenheit der bürgerlichen Moral und von den Gesetzeslücken, die von dem gewieften Geschäftsmann Peachum und dem ausgemachten Kriminellen Mackie erkannt und schamlos ausgenutzt werden. Mit böser Komik und frecher Leichtigkeit wirft Brecht hier einen schonungslosen Blick auf die Realitäten in der Entstehungszeit bis heute.

Abendfüllendes Bühnenprogramm mehrerer Chöre des BASF Gesangvereins

»Man kann Bücher leider nur einmal zum ersten Mal lesen. Die großen Autoren entschädigen für diese traurige Einmaligkeit dadurch, daß ihre Bücher bei der zweiten und dritten Lektüre sich erst wirklich entfalten.«

Mit diesem Satz umschreibt der Literatur- und Sozialwissenschaftler Jan Philipp Reemtsma, aus- gewiesener Kenner der Werke des großen Autors Arno Schmidt, seine Leseerlebnisse. Arno Schmidt zählt zu den bedeutendsten und einflussreichsten deutschsprachigen Nachkriegsschriftstellern. Bereits in seiner frühen Erzählung Leviathan zeigte er sich als radikal experimentierender Avantgardist von hoher sprachlicher Artistik. Mit Veröffentlichungen wie Herz aus Stein, Seelandschaft mit Pocahontas und vor allem Zettels Traum gilt sein Werk als ebenso komplex wie das des Iren James Joyce.

Jan Philipp Reemtsma ist dem Dichter seit vielen Jahren eng verbunden. 1981 ermöglichte er die Gründung der „Arno Schmidt Stiftung“, deren Vorstand er seit 1983 ist. Zudem ist er Mitherausgeber der „Bargfelder Ausgabe“ des Gesamtwerks von Arno Schmidt. In verschiedenen Texten erkundet Jan Philipp Reemtsma bei seiner Lesung das Schmidt’sche poetische Terrain und er macht dabei deutlich, welche intellektuelle Freude die Lektüre dieser originellen, geschliffenen Prosa bedeutet. Rolf Michaelis schrieb begeistert in der ZEIT, Reemtsma sei nicht nur ein Vorleser, sondern ein „außerordentlicher Erzähler mit einem feinen Gespür“ für die Eigenheiten Arno Schmidts. Er mache manches durch seine Vortragsart wahrnehmbar, was beim stillen Lesen unbemerkt bliebe.

Jan Philipp Reemtsma, geboren 1952, Prof. Dr. phil., lebt und arbeitet vorwiegend in Hamburg. Der mit zahlreichen Preisen geehrte Wissenschaftler ist Gründer und geschäftsführender Vorstand der Hamburger Stiftung zur Förderung von Wissenschaft und Kultur und Gründer des Hamburger Instituts für Sozialforschung, das er bis 2015 leitete. Seine Arbeitsschwerpunkte sind Literatur des 18. und 20. Jahrhunderts, Zivilisationstheorie, Geschichte der menschlichen Destruktivität.

Er veröffentlichte zahlreiche Bücher, darunter: Über Arno Schmidt. Vermessungen eines poetischen Terrains (2006), Das unaufhebbare Nichtbescheidwissen der Mehrheit. Sechs Reden über Literatur und Kunst (2005), Warum Hagen Jung-Ortlieb erschlug. Unzeitgemäßes über Krieg und Tod (2003).

Choreographie Damien Jalet
Musik Ryuichi Sakamoto & Marihiko Hara
Bühne Jorge Ballina
Licht Víctor Zapatero
Kostüme Jean Paul Lespagnard

Aus dem Bühnendunkel taucht zu düsteren elektronischen Klängen allmählich eine riesige halbrunde graue Scheibe auf, leicht geneigt und gestützt von einem Geflecht aus Metallstäben. Auf dieser überdimensionierten Satellitenschüssel bewegen sich vier rätselhafte Figuren in glitzernden Anzügen aus flatternden Stofffransen und Adlermasken – sie scheinen aus einer mystischen Vergangenheit zu stammen und doch weisen sie in die Zukunft. Aus diesen Gestalten entstehen Menschen, ein Ensemble aus 20 Tänzern, die sich in ritualisierten Bewegungen auf dem instabilen Halbrund bewegen, immer überwacht und bedroht von Wesen, die sich im Untergrund entlanghangeln. Irgendwann werden sie beschließen, dass die Zeit der Menschen abgelaufen ist….

Choreograph Damien Jalet, bekannt für seine Zusammenarbeit mit Sidi Larbi Cherkaoui, entwarf sein fremdartig schönes und soghaftes Tanztheaterstück für CEPRODAC, das einzige zeitgenössische Ensemble Mexikos. Ausgehend von einer mexikanischen Fabel über die Entstehung der Welt, entwickelt der Choreograph eine tänzerische Reflexion über die menschliche Wahrnehmung von Raum und Zeit. Er bezog mythologische und wissenschaftliche Kosmologie sowie das Unbewusste in seine Konzeption mit ein. So geben sich die Tänzer wie von einer fremden Macht gesteuert den dehnbaren und vielfältigen Zyklen der Zeit hin, erleben Beschleunigung, Verzögerungen und unvorhersehbare schwindelerregende Spiralen. Das atemberaubende Stück gemahnt in großartigen Bildern an einen Mythos, der über die Zeiten hinweg Göttlichkeit, Menschliches und Dämonisches vermischt und trennt.

Bundesliga-Handball hautnah erleben: Vor der eindrucksvollen Kulisse von bis zu 2.000 Zuschauern bestreitet die Mannschaft der Eulen Ludwigshafen ihre Heimspiele in der Friedrich-Ebert-Halle. In den packenden Begegnungen können sich die Spitzensportler der Friesenheimer Eulen auf die lautstarke Unterstützung durch ihre Fans mit Trommeln und Sprechchören verlassen!

Zu Gast u.a.

Professor Dr. Dieter Borchmeyer,
Autor und Professor emeritus für Neuere Deutsche Literatur an der Universität Heidelberg

Moderation Frank Pommer
Feuilletonchef Die Rheinpfalz

Ich hab mal in einer Cocktailbar gearbeitet. Mein Chef Deniz meinte damals „Fäälix, weißt du wie man merkt, dass die Gäste wirklich zufrieden waren? Wenn sie wiederkommen.“ Deniz hat zwar auch mit brennender Fluppe im Mundwinkel die Gaskartusche von dem Bunsenbrenner für die Shishakohle gewechselt, aber trotzdem hat er recht.
Nach „kenn ick.“ sollte es also eigentlich reichen, das neue Programm von Felix Lobrecht mit den Worten „das neue Programm von Felix Lobrecht“ zu bewerben. Zufriedene Leute kommen ja eh wieder. Die Society will aber einen akkurat-verkopften Pressetext von mir, will Formulierungen wie „messerscharfe Alltagsbeobachtungen“, „unangenehm wahr“, „brüllend komisch“ hören. Aber come on, ES IST DAS NEUE PROGRAMM VON FELIX LOBRECHT.
Jetzt noch voller mit messerscharfen Alltagsbeobachtungen, noch unangenehm wahrer und noch brüllend komischer.
„Kenn ick.“ war krass, „Hype“ ist krasser. GEHT DA HIN!

Koproduktion Sadler’s Wells / Sidi Larbi Cherkaoui

Choreographie Sidi Larbi Cherkaoui
Musikkomposition Szymon Brzóska
Bühne Antony Gormley

Sidi Larbi Cherkaoui zählt zu den gefeiertsten und weltweit erfolgreichsten Choreographen des zeitgenössischen Tanzes. Seine Aufsehen erregende Kreation Sutra wurde von der Fachzeitschrift ballet-tanz zur Produktion des Jahres 2009 gekürt. Diese umwerfende Arbeit des flämisch-marokkanischen Tanzvisionärs ist von der Kraft, Schönheit und Präzision der Shaolin-Kampfkunst inspiriert. Zusammen mit siebzehn buddhistischen Mönchen des Shaolin-Tempels in der chinesischen Provinz Henan, dem Ursprungsort des Shaolin Kung-Fu, hat Cherkaoui ein Tanzstück entwickelt, das dem spirituellen Kern dieser Kampfkunst nachspürt. Erneuter Wegbegleiter auf dieser künstlerischen  Reise war der Turner-Preisträger Antony Gormley, der für die Darsteller eine beeindruckende Bühnenlandschaft kreiert hat, die mit Lichteffekten dramatisch in Szene gesetzt wird. Flexible Spielelemente sind mannshohe Holzkisten, die in unterschiedlichen Formationen zum Einsatz kommen: mal sind sie Mauer, mal werden sie zur Brücke oder es entsteht ein Tempel . Die Verwandlungen finden dabei mit bewundernswerter Präzision und auf absolut fesselnde Weise statt.

Die Partitur für Klavier, Streicher und Schlagzeug des jungen polnischen Komponisten Szymon Brzóska legt für die anmutigen Bewegungen der Akteure einen vielschichtigen Klangteppich aus. Dabei ist Sutra weder reiner Tanz noch Kung-Fu-Akrobatik, sondern vielmehr ein tänzerischer Dialog zwischen Cherkaoui und den jungen Mönchen – eine intensive Begegnung mit dem Blick des jeweils anderen.

Nach einer Ausbildung bei den Performing Arts Research and Training Studios in Brüssel schuf Sidi Larbi Cherkaoui, Flame mit marokkanischen Wurzeln, erste Choreographien als Mitglied von Alain Platels Tanzkollektiv Les Ballets C de la B. Er war mehrere Jahre associate artist am Londoner Theater Sadler’s Wells und dem Toneelhuis Antwerpen. Seine Arbeiten wie Babel(words), Sutra, Puz/zle, 4D und Fractus V riefen bei Gastspielen international Beachtung hervor und wurden mit zahlreichen Preisen ausgezeichnet. Daneben arbeitete er mit Tanzcompagnien wie dem Niederländischen Nationalballett, dem Ballett der Pariser Oper, der GöteborgsOperans Danskompani, dem Stuttgarter Ballett und der Los Angeles Dance Company. Seit 2015 ist Sidi Larbi Cherkaoui Künstlerischer Leiter des Königlich Flämischen Balletts und der von ihm im Jahr 2010 in seiner Heimatstadt Antwerpen gegründeten Company Eastman.

Inszenierung und Bühne Tilman Gersch
Kostüme Miriam Grimm
Musik Alex Gunia
Dramaturgie und Textfassung Barbara Wendland
Mit Jörg Malchow, Luis Quintana, Stefan Schießleder, Meinolf Steiner, Yusuf Beder, Anton Geburek, Mohammed Nick Nayeri

Ein Mann wird seiner gesellschaftlichen Funktion enthoben, seine Werte werden für nichtig erklärt, und auch seine Art der Konfliktlösung gilt plötzlich als überholt. Der Ritter Gottfried von Berlichingen versteht die Welt nicht mehr. Bis jetzt war er nur Gott, seinem Kaiser und seinem Gewissen verpflichtet. Das Wohl der kleinen Leute lag ihm am Herzen, dafür hat er gekämpft, wenn auch mit unkonventionellen Mitteln. Jetzt soll er sich einer allgemeinen Rechtssprechung unterwerfen und einer Moral folgen, mit der er sich nicht identifizieren kann. Kein Wunder, dass er in die Krise gerät.

In einer kompakten Fassung für sieben Spieler untersucht Tilman Gersch den Mythos des Querkopfs mit der eisernen Faust und dem goldenen Herzen. Vier Schauspieler und drei junge Männer aus Ludwigshafen erzählen Goethes frühes Sturm und Drang-Stück auf ihre Weise. Sie zeigen die Ambivalenz des Ausnahmecharakters Götz; seine Unbelehrbarkeit und Selbstüberschätzung genauso wie seine optimistische Kraft und entwaffnende Anarchie. Wenn Gottfried am Ende sagt, er habe sich überlebt, ist das eine kluge Erkenntnis. Ob es eine gute Nachricht ist, muss jeder selbst entscheiden.

Die Tanzschule MOHL lädt zu ihrem festlichen Galaball in den Pfalzbau Ludwigshafen ein. Tanzen Sie zur Musik der Transatlantik Band und kommen Sie in den Genuss von professionellen Shows.

Der Abend präsentiert die jeweils drei besten Gruppen sämtlicher Kategorien des Wettbewerbs „It’s Showtime 2018“. Das Programm vereint faszinierende Darbietungen aus den Bereichen Turnen, Tanzen, Akrobatik und Show.

Inszenierung Mattia Carretti, Luca Camellini
Konzept Mattia Carretti
Tanz und Choreographie Elena Annovi

fuse* ist eine Produktionsfirma, bei der Kunst und Wissenschaft zusammenfließen und die in ihren Projekten das narrative Potential digitaler Technologien ausschöpft. Anfangs lag der Schwerpunkt auf Installationen und medialen Live-Performances, die die Zuschauer mit einbezogen. Die Erforschung neuer Ausdrucksmittel ist geknüpft an eine verstärkte emotionale Einflussnahme.

„Dökk“ ist das isländische Wort für Dunkelheit und eine Metapher für eine gedankliche Ausdehnung im Unterbewusstsein. Dieses surrealistische Werk wurde im Laufe von drei Jahren entwickelt mit dem Ziel, eine tiefe Verbindung zwischen dem Darsteller und der Darstellerin auf der Bühne und den digitalen Landschaften herzustellen. In diesem neuen Zusammenspiel von Licht, Raum, Ton und Bewegung werden Grenzen überschritten. Jede Aufführung ist geprägt von der globalen Analyse von Empfindungen, indem auf Algorithmen in Echtzeit zurückgegriffen wird. Diese Daten ermöglichen dem Publikum, mit Hilfe von mit Sensoren auf der Bühne, eins zu werden mit den lebhaften Landschaften und somit Raum und Zeit zu überwinden. Ein Gefühl von Einheit mit dieser faszinierenden Welt entsteht. Musikaufnahmen, die bei der Therapie mit autistischen Kindern eingesetzt werden, bilden die Grundlage von Dökk und sollen eine Fülle von Emotionen erzeugen, wenn wir damit beschäftigt sind, eine Balance zwischen Licht und Dunkelheit zu erlangen.

Das Musical für die ganze Familie von Christian Berg & Michael Schanze

Das erfolgreiche Geschichte nach Charles Dickens als Familien-Musical von Christian Berg & Michael Schanze, wird erstmals in der Großregion aufgeführt. Das beliebte Musical wird sowohl Erwachsene als auch Kinder mit hervorragenden Musical-DarstellerInnen, weihnachtlichen & stimmungsvollen Liedern und beeindruckender Kulisse in eine berührende Märchenwelt entführen.

„Eine Weihnachtsgeschichte“ ist eine der bekanntesten Erzählungen von Charles Dickens. Sie wurde im Dezember 1843 mit Illustrationen von John Leech erstmals veröffentlicht.

Ebenezer Scrooge, dem geizigen, aber reichen alten Mann, erscheinen in der Nacht vor Weihnachten drei Geister, die ihn auf eine Reise in die Vergangenheit zum diesjährigen Weihnachtsfest bei seinem armen Angestellten mitnehmen und in die Zukunft, die alles andere als rosig sein wird, wenn sich sein kaltes Herz nicht endlich erweichen lässt.

Wie jedes Jahr schlägt Scrooge die Einladung seines Neffen zum Weihnachtsessen aus, beschimpft seinen treuen Mitarbeiter Bob Cratchit, faul zu sein, und weigert sich, den Armen an den Feiertagen Geld zu spenden. Die Turmuhr schlägt Mitternacht. Ebenezer Scrooge wandelt sich plötzlich vom Geizhals zur Person mit Mitgefühl und Herz…

Bundesliga-Handball hautnah erleben: Vor der eindrucksvollen Kulisse von bis zu 2.000 Zuschauern bestreitet die Mannschaft der Eulen Ludwigshafen ihre Heimspiele in der Friedrich-Ebert-Halle. In den packenden Begegnungen können sich die Spitzensportler der Friesenheimer Eulen auf die lautstarke Unterstützung durch ihre Fans mit Trommeln und Sprechchören verlassen!

Inszenierung Karin Beier
Bühne Thomas Dreißigacker
Kostüme Hannah Petersen
Musik Jörg Gollasch
Dramaturgie Christian Tschirner
Mit Lina Beckmann, Yorck Dippe, Ute Hannig,
Götz Schubert, Gala Othero Winter

Alan Ayckbourn kann ohne Übertreibung als erfolgreichster Gegenwartsdramatiker Großbritanniens bezeichnet werden. Seine inzwischen über 80 Stücke sind im besten Sinne „well-made“, leben vom typisch britischen schwarzen Humor, sind pointierte Kommentare zur heutigen Zeit und bewegen sich in der Figurenzeichnung virtuos zwischen Klischee und Charakterstudie. Ab Jetzt entstand 1989, und was damals als Dystopie erschien, kommt inzwischen der Realität bedenklich nah. In einem Londoner Vorort lebt Jerome nach der Trennung von seiner Frau und der gemeinsamen Tochter mit einem weiblichen Roboter zusammen. Er verschanzt sich hinter Fensterläden aus Stahl, denn draußen haben die sogenannten „Töchter der Finsternis“ die Herrschaft übernommen. Jerome ist Komponist und leidet unter einer kreativen Blockade. Um wieder Zugang zu seinen künstlerischen Ressourcen zu bekommen, bräuchte er die Nähe seiner Tochter. Im Kampf um das Sorgerecht greift er zu extremen Mitteln.

Karin Beiers geglückte Inszenierung treibt die Satire auf die Spitze. Das gelingt ihr nicht zuletzt durch ein hervorragendes Ensemble, allen voran Götz Schubert als Jerome sowie die großartige Lina Beckmann als gescheiterte Schauspielerin Zoe. Weil sich das Jugendamt ankündigt, soll Zoe für einen Tag Jeromes Geliebte geben und greift bei ihrem Auftritt allzu tief in die Trickkiste. Aus der im Stück vielleicht etwas zu flach geratenen Künstlerinnen-Karikatur macht Lina Beckmann einen anrührenden Menschen, dessen Selbstüberschätzung jede Menge Anlass für verzweifelte Komik bietet. Jeromes Tochter wird von Gala Othero Winter gespielt, ihr außergewöhnliches Talent war in Ludwigshafen schon beim Kaufmann von Venedigzu bewundern. Unter der Intendanz von Karin Beier gehört Ab Jetzt zu den großen Erfolgsinzenierungen des Deutschen SchauSpielHauses Hamburg.

Regisseurin Karin Beier vereint beide Stillagen auf meisterliche Art: Slapstick trifft auf psychologische Durchdringung, Klamauk durchsetzt das tragische Gefühl. (…) Dieses Theater zeigt das Menschsein als schlechten Scherz und tollen Spaß zugleich. Applaus.
Die Zeit

Ein vielseitiges Showprogramm und eine aufwendige Saaldekoration bilden den stimmungsvollen Rahmen dieser Ballnacht. Für die musikalische Unterhaltung sorgen die Tanzband Manhattan Six und zwei Discoanlagen. Reichlich Gelegenheit zum Tanz bieten gleich zwei Tanzflächen.

Ed Wubbe ist einer der vielseitigsten holländischen Choreographen. Rameau, seine erste Produktion als ständiger Choreograph des Scapino Ballet Rotterdam, verabschiedete sich von der konventionellen Ballett-Ästhetik und schuf das neue Gesicht von Scapino. Als Ed Wubbe 1992 zum künstlerischen Direktor ernannt wurde, baute die Compagnie unter seiner Leitung ein vollkommen neues Repertoire auf. Die Tanzsensation 1992 war seine Choreographie Kathleen. Ed Wubbes abendfüllende Tanz- und Musikproduktionen sind oftmals von Ikonen der westlichen Kultur inspiriert, wobei seine abstrakte Tanzsprache die Stoffe in das assoziative Feld einer Erzählung oder eines Themas setzt.

Seine Kreation Le Chat Noir | Die schwarze Katze stellt einen weiteren Schritt des Choreographen in eine eher theatralische Richtung dar. Die Bühnendekoration und die Musik wird mit einem weitreichenden theatralischen Tanzstil kombiniert und zeigt so eine starke Präsenz und Handlungsfähigkeit der Tänzerinnen und Tänzer. Nach dem berüchtigten Pariser Theatercafé des 19. Jahrhunderts belebt Le Chat Noir den Schwung und den Geist des Veranstaltungsortes in einer innovativen Verschmelzung von Tanz, Musik und Varieté. Dahinter jedoch lauern Einsamkeit und das wirkliche Leben.

Holland ist eine Hommage an Ed Wubbes Heimat. Mit diesem eindringlichen Tanzstück hat Wubbe ein hinreißendes Kaleidoskop holländischen Lebens geschaffen, das in der Tradition seiner früheren Werke wie Kathleen oder The Green steht. Holland ist Ed Wubbes Referenz an die Menschen dort, an ihr Goldenes Zeitalter, an die Gemälde von Frans Hals, Rembrandt oder Vermeer. Er reflektiert über die Gesinnung der niederländischen Ostindien Kompanie, eine der größten Handelsunternehmungen des 17. und 18. Jahrhunderts, ebenso wie über die Bedeutung der holländischen Tulpe. Seine tiefe Zuneigung zu diesem Land, zu diesen Menschen übersetzt Ed Wubbe in seiner gewohnten Art in die Sprache des abstrakten Tanzes und schafft so ein bezwingendes Spannungsverhältnis zwischen den verschiedenen Ebenen.

Von und mit Robert Lippok und Lillevan (Berlin), Anushka Chkheidze (Tbilissi), Hayk Karoyi Karapetyan (Jerewan), Anchiskhati-Ensemble (Tbilissi)

Die dramatischen Veränderungen in Klima und Umwelt machen die Folgen des Klimawandels in Zentralasien in besonderer Weise deutlich. In dieser Region befinden sich gewaltige Gletscher, die für die Wasserversorgung der dortigen Länder von entscheidender Bedeutung sind – die mittlerweile jedoch in bedrohlichem Tempo abschmelzen.

Im Juli 2012 wurden im Rahmen einer Expedition zum Tuyuksu-Gletscher in Almaty / Kasachstan hochwertige Bild- und Ton-Aufnahmen des schmelzenden Eises gesammelt. Diese Aufnahmen bilden das Fundament der Gletschermusik-Performances, die sich in einer neuen Kunstform als multimediale Klanginstallation den Auswirkungen des Klimawandels auf die Gletscher und die Menschen widmen. In der magischen Musik, die sich thematisch auf das Schmelzen der Gletscher bezieht, erleben die Zuschauer ein faszinierendes musikalisches Zusammenspiel von uralter kaukasischer Tradition und neuen künstlerischen Ideen. Im Zentrum der Konzerte stehen Videoprojektionen, die Inspiration geben und den Kontext der dramatischen Situation der Gletscherschmelze in den Bergen des Kaukasus auf faszinierende Weise widergeben.

Das vom Goethe-Institut in Almaty und Taschkent initiierte, international gefeierte Projekt fördert den Austausch von Kunst und Wissenschaft und lenkt Aufmerksamkeit auf die von Menschen verursachte prekäre Lage der Natur. Die audio-visuelle Performance tourt nun durch Georgien und Armenien, nach Jerewan, Kazbegi, Tbilissi/Kutaissi und Byrakan und macht auf dieser Reise auch Station bei den Festspielen Ludwigshafen.

Die Jahreszeiten
Choreographie Édouard Lock
Musik Die Jahreszeiten, Gavin Bryars, gespielt von Percorso Ensemble, dirigiert von Ricardo Bologna
Bühne Armand Vailloncourt

Der Feuervogel
Choreographie, Bühne, Kostüme Marco Goecke
Musik Der Feuervogel (Berceuse und Finale) von Igor Strawinsky

Odisseia
Choreographie Joëlle Bouvier
Musik Heitor Villa-Lobos, Johann Sebastian Bach

Die São Paulo Dance Company, in der vorletzten Spielzeit mit dem Ballettklassiker Don Quixote in Ludwigshafen zu Gast, bereichert die Festspiele Ludwigshafen in diesem Jahr um ein gemischtes modernes Programm. Die 2008 gegründete Gruppe, eine der wichtigsten Lateinamerikas, beherrscht sowohl das klassische als auch das moderne Repertoire und offenbart in ihrem Gastspiel die beeindruckende Vielfalt und Dynamik der brasilianischen Tänzer.

Der marokkanisch-kanadische Choreograph Édouard Lock, der für zahlreiche berühmte Ensembles Tanzstücke kreierte und mit seiner Compagnie La La La Human Steps weltweit gefeiert wurde, spielt in Die Jahreszeiten mit dem Szenengedächtnis der Zuschauer. Verschiedene Wahrnehmungsebenen überlagern einander in einer raffinierten Verbindung von Tanz, Musik, Bühnenbild und Licht. Jede Geste der ganz in schwarz gekleideten zehn Tänzer findet ihr Gegenstück in einer Lichtbewegung, die wirkungsvoll den Raum zerteilt. Das zeitgenössische Tanzvokabular wechselt kraftvoll zwischen Langsam- und Schnelligkeit.

Marco Goecke zählt zu den derzeit bedeutendsten zeitgenössischen Choreographen. Viele Jahre fest am Stuttgarter Ballett engagiert, schuf er Choreographien für bekannte Ensembles wie das Hamburg Ballett und das Ballet de Monte Carlo. Zum hundertsten Geburtstag von Michel Fokines berühmtem Ballett Der Feuervogel für das Holland Dance Festival entstanden, interpretiert Goecke in seinem Pas de deux das russische Märchen auf faszinierende Weise neu. Er lässt darin zwei vollkommen unterschiedliche Naturen aufeinandertreffen: einen tanzenden Vogel und einen Menschen, der sich in die Lüfte erhebt.

Inspiriert von den Flüchtlingsproblemen unserer Zeit, schickt die Choreographin Joelle Bouvier in Odisseia ihre Tänzer auf eine Reise zu sich selbst. Zu Musik von Heitor Villa-Lobos und Bachs Matthäuspassion setzt sich das Stück mit Themen wie Wandel und Fortschritt, Abschied und Hoffnung auseinander.

Regie Alia Luque
Bühne Christoph Rufer
Kostüme Ellen Hofmann

Miroslava Svolikovas Interesse gilt der mythologischen Figur Europa, einer Frau in einer schwierigen Lage. Womöglich hat sie ein Orientierungsproblem, ziemlich sicher ein Identitätsproblem, offenbar auch ein Gewaltproblem. Vielleicht fällt sie auseinander, Kinder hat sie auch keine, und am Ende ist sie irgenwie auch schon ziemlich müde. Aus dieser Perspektive entsteht ein ganz anderes Bild als vielleicht das kolonialistische Europa von sich hatte oder das gelehrte Europa der Aufklärung oder auch das Europa der Staatengemeinschaft.

Mit Sprachkraft und beißendem Humor singt Miroslava Svolikova ein doppeldeutiges Loblied auf Eigenverantwortung, Selbstoptimierung und ewigen Wettbewerb. Kompromisslos entwirft sie die Chronologie unserer Kontinentalgeschichte als Farce: Eine Geschichte der Eroberung, der Kriege und Klassenkämpfe.

Der Text von Miroslava Svolikova nimmt in der Karlsruher Fassung ungeheure Fahrt auf. Alia Luque, die als freie Regisseurin am Schauspiel Stuttgart und am Düsseldorfer Schauspielhaus gearbeitet hat, ist mit Tempo und Ironie an dieses „dramatische Gedicht“ herangegangen, das sehr frei die Nöte Europas verhandelt. Bei Svolikova ersticht die mythologische Europa mit einer Haarnadel den Stier, der sie entführt hat, und beschließt: Sie will ein Land gründen, in dem nicht das Recht des Stärkeren regiert.
Süddeutsche Zeitung

Bundesliga-Handball hautnah erleben: Vor der eindrucksvollen Kulisse von bis zu 2.000 Zuschauern bestreitet die Mannschaft der Eulen Ludwigshafen ihre Heimspiele in der Friedrich-Ebert-Halle. In den packenden Begegnungen können sich die Spitzensportler der Friesenheimer Eulen auf die lautstarke Unterstützung durch ihre Fans mit Trommeln und Sprechchören verlassen!

nach Theodor Fontane

Textfassung Clemens Sienknecht, Barbara Bürk und Sybille Meier

Werkschau Deutsches SchauSpielHaus Hamburg

Inszenierung Barbara Bürk, Clemens Sienknecht
Ausstattung Anke Grot
Dramaturgie Sybille Meier
Mit Yorck Dippe, Ute Hannig, Markus John, Friedrich Paravicini, Clemens Sienknecht, Michael Wittenborn

Im Anschluss an die Vorstellung Feuerwerk zum Abschluss der Festspiele Ludwigshafen

„Effi Briest schaukelt mit Elektra, Medea, Penthesilea und deren drei Schwestern Nora, Lulu und Franziska im Kirschgarten und spielt Verstecken. Ihre couragierte Mutter, Lady Macbeth, kündigt Geert von Innstetten an, der im Biberpelz und seidenen Schuhen erscheint und um Effis schmutzige Hände anhält. Geert, der unlängst eine Liebelei mit Sara Sampson hatte, zieht nach der Hochzeit mit Effi in Bernarda Albas Haus nach Damaskus oder Andorra. Effi wird schwanger, die heilige Johanna wird geboren und Fräulein Julie und Hedda Gabler werden die Zofen. Die schöne Aussicht, die Hoffnung auf Glaube und Liebe, auf glückliche Tage, endet mit zerbrochenen Krügen: Effi beginnt mit dem Revisor Crampas eine Affaire Rue de Lourcine. Was folgt, ist ein Totentanz, ein böses Frühlings Erwachen aus dem Sommernachtstraum.“
Clemens Sienknecht

Mit Effi Briest hat Theodor Fontane zweifelsohne einen Kultroman verfasst. Das Schicksal der 17jährigen Effi, die mit ihrem viel älteren Ehemann nicht recht glücklich wird, in eine belanglose Affäre stolpert und dafür teuer bezahlen muss, wurde schon viele Male verfilmt und für die Bühne adaptiert. Im Grunde war also alles gesagt. Die Regisseurin Barbara Bürk und der Musiker und Schauspieler Clemens Sienknecht wollten es sich dennoch nicht nehmen lassen, die Geschichte noch einmal zu erzählen – auf ihre eigene, sehr unkonventionelle Weise. Im Format einer Radioshow wird der Fall Effi rekonstruiert,  bei „Radio Briest“ sitzt man entspannt in Samtsesseln, singt und blödelt und kommt dann doch ganz unvermittelt ins Nachdenken; über die komplizierte Beziehung von Mann und Frau, über misslungene Befreiungsakte und die Traurigkeit der Liebe im Allgemeinen. Und so rückt, eben mit anderem Text und herrlich schräger Musik, die alte Story aus wilhelminischer Zeit wieder ganz nah an uns heran.

Beim Winterball feiern die Tanzschüler der Herbstkurse ihren Premierenball und damit zugleich den Höhepunkt zum Abschluss des Jahresprogramms der Tanzschule Nagel. Für aktuelle Musik sorgt die Live-Kapelle Twins Band. Tanzeinlagen und Shows liefern ein abwechslungsreiches Rahmenprogramm.

Bäckermeister Heinrich Hinzpeter ist ein Mann mit Charakter. Deshalb hat er, als sein ehrloser Bruder nach Amerika ausgebüxt ist, dessen schwangere Braut geheiratet. Die Ehe wurde allerdings sieben Jahre zuvor geschieden. Nun kündigt der Bruder aus Brooklyn seinen Besuch an. Er möchte seine Ehemalige wiedersehen. Heinrich Hinzpeter stürzt sein Kommen in große Verlegenheit. Denn dann wird Tochter Gisela erfahren, wer ihr richtiger Vater ist – eine Schmach für einen Mann von Charakter. Und es droht weitere Schande! Denn Gisela kündigt an, den Finanzbeamten Teufel zu heiraten, nicht wissend, dass  Hinzpeter sie bereits seinem Bäckergesellen Kröpelin versprochen hat. Und ein einmal gegebenes Versprechen zu brechen, ist für einen Mann mit Charakter natürlich unvorstellbar! Gut, dass es Oma Dora gibt. Die entwirrt am Ende der turbulenten Komödie das ganze Kuddelmuddel –  tatkräftig, diplomatisch und herrlich schlitzohrig!

Heidi Mahler, die Tochter des Schauspielers, Regisseurs und langjährigen Ohnsorg-Theater-Chefs Hans Mahler und der Schauspielerin Heidi Kabel, spielte nach Abschluss ihrer Ausbildung ab 1963 am Ohnsorg-Theater im klassischen Repertoire zunächst die jungen Mädchen, aber auch große Charakterrollen wie das stumme Vergewaltigungsopfer in Johnny Belinda oder die Marthe Schwerdtlein im plattdeutschen Faust. In den 80er Jahren holte Rudolf Noelte die Schauspielerin als Liese Bänsch in seine berühmte Inszenierung des Michael Kramer am Hamburger Thalia Theater und später noch einmal als Mascha in Tschechows Drei Schwestern nach Bonn.

1984 verließ Heidi Mahler das Ensemble des Ohnsorg-Theaters. Auf großen Tourneen spielte sie zum Beispiel in Minna von Barnhelm, in Hofmannsthals Jedermann sowie zusammen mit Peter Fricke in Ayckbourns Tischmanieren und in zahlreichen weiteren Produktionen. Immer wieder stand sie auch als Gast auf der Bühne des Ohnsorg-Theaters, so als von Publikum und Presse einhellig gefeierte Mudder Mews und als Lotte Kellermann in der niederdeutschen Fassung der Ehekomödie Frühstück bei Kellermanns.

STÜCK FÜR KINDER VON 4 BIS 10 JAHREN

Inszenierung Angelo Facchetti
Bühne Rossella Zucchi and Mauro Faccoli

Zwei Pandabären bauen sich jeweils ein Nest. Als sie sich treffen, merken sie ziemlich schnell, dass sie sich mögen. Aber wie können sie ihre Zuneigung zum Ausdruck bringen? Wäre es nicht schön, den Herzschlag des anderen spüren zu können? In diesem Fall hilft nur eins: sie müssen zur Schule gehen, aber auf eine ganz besondere Schule: dorthin, wo man Umarmungen lernen kann. Denn durch Umarmungen kann man vieles mitteilen: wir können Mut schöpfen, wenn wir Angst haben, wir können einen Sieg feiern, wir können Freude über eine Begegnung empfinden oder die Hoffnung auf ein Wiedersehen damit verbinden. Und während die beiden Pandabären lernen, ihre Gefühle zu zeigen, wächst der Bambus und die Welt wird bunter und bunter.

Ausgangspunkt dieses Stückes von Teatro Telaio ist die Überlegung, welche Kraft in einer einfachen Geste wie der Umarmung liegen kann. Unsere Geburt geht auf eine Umarmung zurück, wir sehnen uns nach einer Umarmung, wenn wir aufgeregt sind, wenn wir jemanden nach langer Zeit wiedersehen, wenn wir uns unbändig freuen. In der Umarmung vereinen wir uns und schenken dem anderen Zärtlichkeit. Für Kinder ist die Umarmung das Natürlichste von der Welt, und trotzdem will diese Geste bei jedem nächsten Treffen immer wieder neu gelernt werden.

Michele Beltrami und Paola Cannizzaro erkunden in dieser zugleich rührenden und lustigen  Aufführung von Teatro Telaio die Welt der Gefühle und führen vor Augen, dass es gar nicht so leicht ist, sie zum Ausdruck zu bringen. Auf jeden Fall kann dabei jeder noch etwas lernen – Kinder und Erwachsene gleichermaßen.

Ebenezer Scrooge, ein älterer wohlhabender Londoner, ist komplett von seiner Arbeit und seinem Geiz erfüllt. Für Feiertage, Familie und Freunde hat er keine Zeit und für irgendwelche Anliegen seiner Mitarbeiter sowieso nicht. Ganz besonders an Weihnachten. Doch das soll sich ändern, als ihm in der Weihnachtsnacht der in Ketten gelegte Geist seines verstorbenen Geschäftspartners erscheint. Dieser warnt ihn vor einem düsteren Schicksal, das ihn erwarte, wenn er nicht seine Habgier ablege und seine Mitmenschen besser behandle. Um ihn zurück auf den richtigen Weg zu geleiten, würden ihm drei Geister erscheinen, immer zur vollen Stunde – die Geister der vergangenen, gegenwärtigen und zukünftigen Weihnacht. Am Ende der Nacht soll sich die Lebenseinstellung des sich zunächst sträubenden Scrooge drastisch geändert haben. Die Inszenierung der American Drama Group Europe nimmt die Zuschauer mit auf eine mal lustige und turbulente, mal nachdenkliche Reise durch Scrooges Leben.

Wir freuen uns, dass Ari Rasilainen, der von 2002 bis Juni 2009 Generalmusikdirektor der Deutschen Staatsphilharmonie Rheinland-Pfalz war, das Weihnachtskonzert der BürgerStiftung Ludwigshafen in alter Verbundenheit als Gastdirigent dirigiert. Die schwungvolle Ouvertüre der fantastischen Märchenoper Ruslan und Ljudmila lädt ein, sich in die Welt der Magier, Hexen, Zauberringe und der Liebe versetzen zu lassen.

Bomsori Kim, international als eine der dynamischsten und aufregendsten Geigerinnen der Gegenwart bezeichnet und Preisträgerin bei zahlreichen renommierten internationalen Violinwettbewerben, spielt Tschaikowskys einziges Violinkonzert, das technisch sehr anspruchsvolle Konzert für Violine und Orchester D-Dur, op. 35, das zu den bekanntesten und meistgespielten Violinkonzerten überhaupt zählt. Jean Sibelius Sinfonie Dr. 2 D-Dur, op. 43 mit ihrer Mischung aus slawischer Schwermut und mediterraner Leichtigkeit rundet den Konzertabend ab.

Die BürgerStiftung Ludwigshafen freut sich in Kooperation mit der Deutschen Staatsphilharmonie Rheinland Pfalz darauf, mit Ihnen diesen stimmungsvollen Vorweihnachtsabend zu genießen. Der Gewinn aus dem Ticket-Verkauf wird in die Projektarbeit der BürgerStiftung Ludwigshafen fließen.

Michail Iwanowitsch Glinka Ruslan und Ljudmila, daraus: Ouvertüre
Peter Tschaikowsky Konzert für Violine und Orchester D-Dur, op. 35
Jean Sibelius Sinfonie Nr. 2 D-Dur, op. 43

Ari Rasilainen, Dirigent / Bomsori Kim,Violine

TANZTHEATER FÜR KINDER AB 3 JAHREN

Konzept und Choreographie Sophia Guttenhöfer
Musik Christian Keul

Wo gehöre ich hin? Und wo gehörst du hin? Darf ich dich mal besuchen? Oder ist mein Platz dann weg? Wäre das schlimm? Ist auf meinem Platz eigentlich genug Platz für uns beide? Und warum gehört mein Platz mir und deiner dir?

Die Choreographin und Performerin Sophia Guttenhöfer entwickelte gemeinsam mit Ensemblemitglied Victoria Schmidt und Musiker Christian Keul ein Tanztheaterstück, das sich launig-leicht mit diesen großen Fragen auseinandersetzt. Wer mag, erkennt darin Zwischenmenschliches oder auch die große Weltpolitik. Es wird getanzt, gespielt, bilderreich musikalisch-poetisch erzählt und doch wenig mit Sprache gearbeitet, um Sprachgrenzen gar nicht erst aufkommen zu lassen.
Mein Platz, dein Platz lädt alle Menschen ein, die sich für Poesie, Bilder, Tanz und Musik begeistern.

Bundesliga-Handball hautnah erleben: Vor der eindrucksvollen Kulisse von bis zu 2.000 Zuschauern bestreitet die Mannschaft der Eulen Ludwigshafen ihre Heimspiele in der Friedrich-Ebert-Halle. In den packenden Begegnungen können sich die Spitzensportler der Friesenheimer Eulen auf die lautstarke Unterstützung durch ihre Fans mit Trommeln und Sprechchören verlassen!

Weihnachts-Spezial
Der Friesenheimer Wochenmarkt

Unsere Reihe mit Regionalbezug gibt sich in dieser Saison grenzüberschreitend. Warum? Weil der Rhein, ohne den unsere Stadt und auch der gute Pfälzer Wein nicht denkbar wären, auf seinem langen Weg von der Quelle zur Mündung immerhin vier Länder durchquert und zwei streift. Im Februar 2020 wird der stolze Fluss, den man auch Vater heißt und nach dem einst sogar eine Kartoffel benannt wurde, zum Mittelpunkt unserer Überlegungen. Und schon jetzt dürfen wir Ihnen verraten, dass Michael Heinz, Vorstandsmitglied der BASF SE und Standortleiter des Werks Ludwigshafen, an diesem Abend zu Gast sein wird. Auch beim ersten Wort und Wein im Oktober geht es auf die Reise: Mit Georg Forster, der, wenn er nicht gerade in Mainz Revolution betrieb, zusammen mit James Cook die Welt entdeckte. Davon liest und spricht Frank Vorpahl, aspekte-Redakteur und besessener Forster-Forscher. Das Weihnachts-Spezial im Dezember bietet Verlässliches, und wenn der blaue Flieder wieder blüht und der Spargel fast schon aus der Erde schaut und die Erdbeeren nur noch ein wenig auf sich warten lassen, dann versammeln sich Händler und Händlerinnen des Friesenheimer Wochenmarktes und geben Einblick in das Leben von Frühaufstehern. All das präsentiert und moderiert ein stets gut gelaunter Intendant Tilman Gersch.

Choreographien von Andonis Foniadakis, Annabelle Lopez Ochoa und Ihsan Rustem
Musik Leonard Cohen
Bühne Pierre-Etienne Locas
Licht Cédric Delorme-Bouchard
Video Hub Studio – Gonzalo Soldi und Thomas Payette
Kostüme Philippe Dubuc

Dance me ist inspiriert von der Musik Leonard Cohens und zeichnet ein facettenreiches Portrait des Ausnahmemusikers, aus dessen Feder das unvergessliche „Hallelujah“ stammt. Aus dem Werk Leonard Cohens kristallisieren sich fünf Zyklen heraus, die wesentliche Abschnitte des menschlichen Daseins abbilden. Mit Dance me ist ein ehrenvolles Zeitzeugnis entstanden. Auf Grund der Songauswahl kommen in jedem Abschnitt wiederkehrende, universelle Themen zum Ausdruck, mit denen sich jeder und jede identifizieren kann. Jeder Zyklus ruft spezielle Bilder hervor, an die unterschiedliche Empfindungen und Stimmungen geknüpft sind und die Farben der Natur und der verschiedenen Jahreszeiten assoziieren. Darüber hinaus verweisen sie auf bestimmte Orte, die im Werk Cohens eine Rolle gespielt haben und die auf einer Leinwand zu sehen sind. Die Choreographie des Abends wurde drei international anerkannten Choreographen anvertraut, deren Handschriften und Persönlichkeiten sich ergänzen: Andonis Foniadakis, Annabelle Lopez Ochoa und Ihsan Rustem.

Die Aufführung der vierzehn Tänzerinnen und Tänzer der Ballets Jazz Montréal ist atemberaubend. Selbst in den Paar- und Gruppenszenen beeindrucken sie durch ihre präzisen Bewegungen, ihre Kraft und Harmonie. Die Art und Weise wie sie die Bühne mit Bewegung füllen, macht das großartige Zusammenwirken verschiedenster Künstler bei der Umsetzung dieses hochinspirierten Meisterwerkes deutlich. 
Hortense Leclercq-Olhagaray, Lepolyscope

Buch von Douglas Carter Beane
Musik und Gesangstexte von Jeff Lynne und John Farrar
Nach dem gleichnamigen Universal-Pictures-Film
(Drehbuch von Richard Danus und Marc Rubel)
Deutsch von Christian Poewe

Inszenierung/Choreographie/Bühne Iris Limbarth
Musikalische Leitung Tim Speckhardt/Michael Geyer
Kostüme Heike Korn
Szenische Einstudierung Norman Hofmann
Choreographische Einstudierung Nina Links
Regieassistenz Julia Schwarz
Mit Jugendlichen aus Ludwigshafen und der Region

Das auf einem berühmten Film mit Olivia Newton-John basierende Musical erzählt die Geschichte einer sommerlichen Liebesromanze zwischen dem jungen Künstler Sonny Malone und Kira, einer vorübergehend ins irdische Dasein gerufenen Muse. Sonny malt vergrößerte Plattencover, die Geschäften als Reklame dienen. Auf einem der Cover entdeckt er eine schöne Frau, die ihm kurz zuvor im Park begegnet ist. Auf Rollschuhen beginnt er sie zu suchen, findet und gewinnt sie.  Außer ihrem Vornamen Kira gibt die Geliebte nichts von sich preis, aber sie hilft Sonny, einen Lebenstraum zu verwirklichen. Dann aber gesteht sie ihm, dass sie eine Muse ist und wieder zurück nach Helikon muss, dem Ort, an dem sie zu Hause ist. Sonny will sich mit dem plötzlichen Verlust seiner Traumfrau nicht abfinden und sucht nach Möglichkeiten, sie wiederzusehen.

Unter der professionellen Leitung der Regisseurin und Choreographin Iris Limbarth entsteht an den Pfalzbau Bühnen wieder eine anspruchsvolle, energiegeladene und charmante Aufführung mit jungen Darstellerinnen und Darstellern aus Ludwigshafen. Nach der Peanuts-Geschichte Du bist in Ordnung, Charlie Brown und dem märchenhaften Honk! nach Hans Christian Andersen geht es auch diesmal um die Lebenswelt von jungen Menschen, um ihre Träume und Sehnsüchte.

Bundesliga-Handball hautnah erleben: Vor der eindrucksvollen Kulisse von bis zu 2.000 Zuschauern bestreitet die Mannschaft der Eulen Ludwigshafen ihre Heimspiele in der Friedrich-Ebert-Halle. In den packenden Begegnungen können sich die Spitzensportler der Friesenheimer Eulen auf die lautstarke Unterstützung durch ihre Fans mit Trommeln und Sprechchören verlassen!

Buch von Douglas Carter Beane
Musik und Gesangstexte von Jeff Lynne und John Farrar
Nach dem gleichnamigen Universal-Pictures-Film
(Drehbuch von Richard Danus und Marc Rubel)
Deutsch von Christian Poewe

Inszenierung/Choreographie/Bühne Iris Limbarth
Musikalische Leitung Tim Speckhardt/Michael Geyer
Kostüme Heike Korn
Szenische Einstudierung Norman Hofmann
Choreographische Einstudierung Nina Links
Regieassistenz Julia Schwarz
Mit Jugendlichen aus Ludwigshafen und der Region

Das auf einem berühmten Film mit Olivia Newton-John basierende Musical erzählt die Geschichte einer sommerlichen Liebesromanze zwischen dem jungen Künstler Sonny Malone und Kira, einer vorübergehend ins irdische Dasein gerufenen Muse. Sonny malt vergrößerte Plattencover, die Geschäften als Reklame dienen. Auf einem der Cover entdeckt er eine schöne Frau, die ihm kurz zuvor im Park begegnet ist. Auf Rollschuhen beginnt er sie zu suchen, findet und gewinnt sie.  Außer ihrem Vornamen Kira gibt die Geliebte nichts von sich preis, aber sie hilft Sonny, einen Lebenstraum zu verwirklichen. Dann aber gesteht sie ihm, dass sie eine Muse ist und wieder zurück nach Helikon muss, dem Ort, an dem sie zu Hause ist. Sonny will sich mit dem plötzlichen Verlust seiner Traumfrau nicht abfinden und sucht nach Möglichkeiten, sie wiederzusehen.

Unter der professionellen Leitung der Regisseurin und Choreographin Iris Limbarth entsteht an den Pfalzbau Bühnen wieder eine anspruchsvolle, energiegeladene und charmante Aufführung mit jungen Darstellerinnen und Darstellern aus Ludwigshafen. Nach der Peanuts-Geschichte Du bist in Ordnung, Charlie Brown und dem märchenhaften Honk! nach Hans Christian Andersen geht es auch diesmal um die Lebenswelt von jungen Menschen, um ihre Träume und Sehnsüchte.

Buch Craig Lucas
Deutsch von Roman Hinze (Buch) und Kevin Schroeder (Liedtexte)

EURO-STUDIO Landgraf

Inszenierung und Choreographie Christopher Tölle
Musikalische Leitung Heiko Lippmann

Paris 1945. Die Stadt der Liebe ist noch vom 2. Weltkrieg gezeichnet. Ein junger Amerikaner, der ehemalige US-Soldat und angehende Maler Jerry, verliebt sich rettungslos in die zauberhafte Pariserin Lise. Um Lises Liebe konkurrieren aber auch der reiche französische Möchtegern-Nachtclubsänger Henri, dem Lise durch ein dunkles Geheimnis verbunden ist, und der kriegsversehrte US-Komponist Adam. Erschwerend kommt hinzu, dass die attraktive Amerikanerin Milo ein Auge auf Jerry geworfen hat. Mit ihrer finanziellen Unterstützung könnte nicht nur Lise zum gefeierten Ballettstar aufsteigen, sondern auch Jerry und Adam Karriere machen. Wie wird sich Jerry entscheiden? Und wie steht es derweil um Lises Gefühle?

Das 2014 am Pariser Théâtre du Châtelet uraufgeführte Gershwin-Tanzmusical Ein Amerikaner in Paris, das auch am New Yorker Broadway 2015 und am Londoner West End 2017 ein Riesenerfolg war, ist inspiriert vom gleichnamigen Musicalfilm aus dem Jahr 1951 mit Gene Kelly und Leslie Caron (Regie: Vincente Minelli). Der Filmtitel geht natürlich wiederum zurück auf George Gershwins berühmtes, 1928 uraufgeführtes Orchesterwerk An American in Paris, zu dem sich Gershwin durch seine Parisaufenthalte in den 1920ern angeregt fühlte. Das romantische Musical ist allerdings kein bloßes Remake des Films, sondern eine aufregende und ballettreiche Gershwin-Hommage: „Eine leidenschaftliche Liebeserklärung an die Kunst und das Leben“ The Telegraph

Ein durch und durch hinreißendes Musical, (…) in dem Liebe und das Erwachen neuen Lebens nach dem Krieg in ekstatisch-entrückende Bewegung umgesetzt werden.
David Rooney, Hollywood

Drei Tonnen gestoßenes Cocktail-Eis werden Tage vorab benötigt, um die Halle in einen echten Eispalast zu verzaubern, in dem dann die Eiskunstläufer und Eiskunstläuferinnen  des St. Petersburger Staatsballetts Tschaikowskis „Der Nussknacker“ auf Schlittschuhkufen präsentieren können: Sportlicher Eiskunstlauf mit Sprüngen wie 3facher Toeloop und Rückwärtssalto, Hebungen und Pirouetten sowie prachtvolles Ballett in faszinierender Kombination.
Mit „NUSSKNACKER ON ICE“ zeigt das einzige Eisballett der Welt eine faszinierende Produktion, die ursprünglich als einmaliges Event rund um den 300. Geburtstag der Stadt St. Petersburg geplant war – in den vergangenen Jahren jedoch explosionsartig zu einem feststehenden Ereignis geworden ist und immer mehr Zuschauer in ihren Bann zieht – sei es in Europa, Amerika oder im asiatischen Raum. „Es war die beste Eistanzshow, die ich je gesehen habe“, schrieb ein Kritiker der „New York Post“, um nur eine der Lobeshymnen der internationalen Presse zu zitieren.

Inszenierung Alize Zandwijk
Bühne Thomas Rupert
Kostüme Sophie Klenk-Wulff
Maskenbau Nadine Geyersbach
Licht Mark Van Denesse
Musik Maartje Teussink

Vom Bauernjungen zum Kleinknecht bis hin zum Deichgraf hat er es geschafft, der Außenseiter Hauke Haien, der sich schon als kleiner Junge für Dynamik und Physik interessierte und das Spiel der Wellen erforschte. In der jungen Elke, der Tochter seines Amtsvorgängers, findet er zum Ärger seines Rivalen Ole Peters eine kongeniale Partnerin, die sich immer hinter ihn und seine neuen Ideen stellt. Gemeinsam realisieren sie ihre innovativen Vorstellungen zu Landgewinnung und Küstenschutz. Gegen die konservativen Kräfte setzen sie den Bau eines neuen Deiches durch, ohne den alten einzureißen. Entgegen den Wünschen der abergläubischen Landbevölkerung wird in den neuen Damm kein lebender Hund eingebaut, was den Leuten als unheilvolles Vorzeichen erscheint. Hauke reitet bei Wind und Wetter auf seinem Schimmel, um den sich ebenfalls schaurige Gerüchte ranken, zur Überwachung auf seinem Deich entlang, und dabei entgeht ihm nicht, dass der alte Deich immer maroder wird. Auf Rat von Ole Peters und um nicht weiteren Unmut in der Bevölkerung zu erzeugen,  verzichtet er jedoch auf umfassende Baumaßnahmen. Das Schicksal holt ihn schließlich ein, als eine Flut ungekannten Ausmaßes die Küste heimsucht und an der Nahtstelle zwischen neu und alt ein Riss klafft, durch den sich die gewaltigen Wassermassen Bahn brechen und alles mit sich nehmen: das Leben, das Glück und die Utopie der harmonischen Koexistenz von Mensch und Natur.

Die wohl bekannteste Erzählung Theodor Storms wirkt mit ihrem Aufeinandertreffen von fortschrittlichen physikalischen Überlegungen und teuflischen, unheilbringenden Vorzeichen ebenso mystisch aufgeladen wie modern in der Zeichnung der Figuren und Beziehungen und in der dringlichen Frage nach Konzepten des Lebens mit der Natur in Zeiten von Klimawandel und Naturkatastrophen.

Festliches Konzert zum Jahresbeginn
Ludwig van Beethoven Missa solemnis op. 123

Musikalische Leitung Tristan Meister
Solisten Yasmin Özkan, Sopran; Hanna Roos, Alt;
Robert Franke, Tenor; Manfred Bittner, Bass

Beethovenchor Ludwigshafen
Staatsphilharmonie Rheinland-Pfalz
Pfalzbau Konzertsaal

Die Komposition der Missa solemnis geht auf Beethovens Freundschaft mit Erzherzog Rudolph von Österreich (1788–1831) zurück, der von ihm in Klavierspiel und Komposition unterrichtet wurde und den Komponisten großzügig materiell unterstützte. Daher widmete Beethoven dem Freund mehrere seiner bedeutendsten Kompositionen, darunter die Oper Fidelio. Aus Anlass der Inthronisation des Erzherzogs zum Erzbischof von Olmütz am 9. März 1820 plante Beethoven die Komposition einer Messe, die dann allerdings zu diesem Zeitpunkt nicht realisiert werden konnte, weil das Werk in seinen Dimensionen weit über den üblichen Rahmen hinauswuchs und sich zu einer mehr als vierjährigen Suche Beethovens nach seinem Gottesverständnis erweiterte. Nach intensiven Forschungen zu Theologie, Liturgik und der Geschichte der Kirchenmusik, von der Entstehungszeit des Gregorianischen Gesangs über Palestrina bis Bach und Händel entstand in mehreren Arbeitsphasen zwischen April 1819 und August 1822 die Gesamtpartitur.  Beethovens mit der Komposition der Missa solemnis verbundene Hoffnungen, Kapellmeister des Erzherzogs zu werden, zerschlugen sich, nachdem die termingerechte Ablieferung des Werkes scheiterte. Die Erstaufführung fand nicht im sakralen Rahmen, sondern bei der Philharmonischen Gesellschaft in Sankt Petersburg auf Initiative eines russischen Adligen und Mäzens am 7. April 1824 statt. Die ursprünglich für Weihnachten 1823 geplante Uraufführung hatte sich durch die Einstudierung der anspruchsvollen Chorpartien, die sich als zeitaufwändiger als geplant erwies, sowie durch fehlerhaft kopierte Stimmensätze verzögert. Wer die Uraufführung vom 7. April 1824 leitete, ist unbekannt.

Für Kinder ab 5 Jahren

Pfalztheater Kaiserslautern

Inszenierung Jule Kracht

„Diejenigen tun sehr unrecht, welche glauben, es habe nur zu Zeiten Haruns Al-Raschid, des Beherrschers von Bagdad, Feen und Zauberer gegeben … “ Wilhelm Hauff

Jakob, der Sohn eines Gemüsehändlers, hilft seiner Mutter täglich auf dem Markt. Eines Tages kommt eine alte, verlotterte Frau zu ihrem Stand, zerdrückt die kostbaren Kräuter, befingert mit ihren schmutzigen, ungepflegten Händen die Ware und riecht mit ihrer hässlichen Nase an allen Auslagen. Jakob ärgert sich so maßlos über diese Kundin, dass er sie beschimpft und verhöhnt. Die Alte aber ist niemand anderes als die Fee Kräuterweis, die ihn für sein Verhalten mit Hässlichkeit bestraft. Nachdem er sieben Jahre zur Strafe in ihrem Haushalt dienen musste (immerhin weiht sie ihn in die Geheimnisse der Kochkunst ein), darf er, noch immer verwandelt, zurückkehren. Allerdings erkennen ihn wegen seiner hässlichen Gestalt weder Eltern noch Freunde und verhöhnen ihn als „Zwerg Nase“.

Durch alles, was er bei der Fee gelernt hat, schafft es Jakob alias Zwerg Nase jedoch, zum Oberoberküchenmeister des Herzogs aufzusteigen. Dort lernt er die sprechende Gans Mimi kennen und begibt sich mit ihr auf eine abenteuerliche Suche nach dem Kräutchen „Niesmitlust“, das ihn in den Jungen Jakob zurückverwandeln soll.

Der Zwerg Nase ist die Geschichte eines Außenseiters, der aufgrund von Äußerlichkeiten verhöhnt wird, der aber sein Schicksal beherzt in die Hand nimmt, sich seiner Stärken erinnert und schließlich alles zu einem glücklichen Ende führt.

AILEY II ist die junge Company des legendären Alvin Ailey American Dance Theaters, das der Tänzer und Choreograph Alvin Ailey 1958 in New York gründete. Seit mehr als vierzig Jahren verschmelzen in AILEY II Geist und Energie der besten jungen Tanztalente des Landes mit der Leidenschaft und kreativen Vision herausragender Choreographen der Gegenwart. AILEY II wurde 1974 von dem 1989 verstorbenen Alvin Ailey als Repertory Ensemble ins Leben gerufen und verkörpert Aileys bahnbrechende Mission, eine erweiterte kulturelle Gemeinschaft aufzubauen, die Tanzaufführungen, Training und Gemeinschaftsprogramme für alle Menschen bietet. Unter der künstlerischen Leitung von Troy Powell, selbst ehemals Tänzer bei Alvin Ailey, verbinden die jungen Tänzerinnen und Tänzer, die auch heute noch alle der Ailey School entstammen, ihre hohe Kunst mit Formen des Modern Dance und Elementen des klassischen Balletts und sind damit zum Inbegriff für jungen, innovativen und anspruchsvollen modernen Tanz geworden. Längst hat sich die Juniortruppe von Alvin Ailey, dem legendären Tänzer und Choreographen, der seit Ende der fünfziger Jahre mit seiner Alvin Ailey Dance Company die Tanzwelt prägte, zu einem sehr eigenständigen Ensemble entwickelt. AILEY II vereint die Energie von zwölf der talentiertesten jungen Tänzerinnen und Tänzer mit einem spannenden Repertoire aus zeitlosen Klassikern und faszinierenden Werken zeitgenössischer Choreographen, zu dem die New York Times formulierte: „Es gibt nichts Schöneres als einen Abend mit AILEY II“. Virtuose Körperbeherrschung, technische Brillanz und die außergewöhnlich vitale und ästhetische Ausstrahlung von AILEY II begeistern nicht nur in den USA das Publikum.

Weitere Infos folgen

Für alle ab 6 Jahren

Theaterhaus Frankfurt / Theater Gnaffel, Zwolle NL

Inszenierung Rob Vriens
Puppen- und Maskenbau Elout Hol
Bühne Nanette Zimmermann
Kostüme Kerstin Laackmann
Video Rob Driessen

Das kleine Theater, in dem Fräulein Ophelia ihr ganzes Leben lang den Schauspielerinnen die richtigen Worte zuflüsterte, wird geschlossen. Wohin nun mit all den vielen Worten und mit dem Fräulein? Da plötzlich tauchen Schatten auf, die nach einem neuen Zuhause suchen. Ophelia hat natürlich Platz für sie in ihrem kleinen Handtäschchen und gemeinsam begeben sie sich auf eine abenteuerliche Reise zu neuen Theaterwelten und sogar bis an den Rand der Welt. Eine poetische Geschichte über die Kraft, immer neu anzufangen und über die Zuversicht in das Leben.

Wenn ein Buch laut danach ruft, auf die Bühne gebracht zu warden, dann dieses von Michael Ende. Und der Charme der Inszenierung von Hausregisseur Rob Vriens liegt in den vielen liebevollen Details.
Frankfurter Rundschau

Buch von Douglas Carter Beane
Musik und Gesangstexte von Jeff Lynne und John Farrar
Nach dem gleichnamigen Universal-Pictures-Film
(Drehbuch von Richard Danus und Marc Rubel)
Deutsch von Christian Poewe

Inszenierung/Choreographie/Bühne Iris Limbarth
Musikalische Leitung Tim Speckhardt/Michael Geyer
Kostüme Heike Korn
Szenische Einstudierung Norman Hofmann
Choreographische Einstudierung Nina Links
Regieassistenz Julia Schwarz
Mit Jugendlichen aus Ludwigshafen und der Region

Das auf einem berühmten Film mit Olivia Newton-John basierende Musical erzählt die Geschichte einer sommerlichen Liebesromanze zwischen dem jungen Künstler Sonny Malone und Kira, einer vorübergehend ins irdische Dasein gerufenen Muse. Sonny malt vergrößerte Plattencover, die Geschäften als Reklame dienen. Auf einem der Cover entdeckt er eine schöne Frau, die ihm kurz zuvor im Park begegnet ist. Auf Rollschuhen beginnt er sie zu suchen, findet und gewinnt sie.  Außer ihrem Vornamen Kira gibt die Geliebte nichts von sich preis, aber sie hilft Sonny, einen Lebenstraum zu verwirklichen. Dann aber gesteht sie ihm, dass sie eine Muse ist und wieder zurück nach Helikon muss, dem Ort, an dem sie zu Hause ist. Sonny will sich mit dem plötzlichen Verlust seiner Traumfrau nicht abfinden und sucht nach Möglichkeiten, sie wiederzusehen.

Unter der professionellen Leitung der Regisseurin und Choreographin Iris Limbarth entsteht an den Pfalzbau Bühnen wieder eine anspruchsvolle, energiegeladene und charmante Aufführung mit jungen Darstellerinnen und Darstellern aus Ludwigshafen. Nach der Peanuts-Geschichte Du bist in Ordnung, Charlie Brown und dem märchenhaften Honk! nach Hans Christian Andersen geht es auch diesmal um die Lebenswelt von jungen Menschen, um ihre Träume und Sehnsüchte.

ENDLICH! – DAS NEUE PROGRAMM
Nach Glück, Liebe und Wundern widmet sich der Doktor der Nation dem größten Thema unserer Zeit: der Zeit! Was macht die Zeit mit uns, was machen wir mit unserer Zeit. Warum tickt die berühmte biologische Uhr, und wie zieht man sie wieder auf? Alle wollen alt werden – aber keiner will alt sein. Von Botox bis Hirnjogging, von Anti-Aging-Cremes bis Ernährungswahn – Dr. Eckart von Hirschhausen bürstet die Erfolgsversprechen unserer Zeit humorvoll gegen den Strich. Leben Verheiratete länger oder kommt es ihnen nur so vor? Hirschhausen trennt wissenschaftlich fundiert den Unsinn von dem, was das Leben tatsächlich lebenswert macht. Die Lebenserwartung ist gestiegen, aber auch die Erwartung ans Leben, an die Medizin, an die ewige Jugend. Wussten Sie, dass die meisten Menschen mit 60 zufriedener sind, als mit 16? Im Neandertal fanden bei einer Lebenserwartung von 30 Jahren die Pubertät und Midlife-Krise gleichzeitig statt. Und heute? Nur wir haben das Problem zwischen Schülerausweis und Seniorenpass: Wofür bekomme ich jetzt bitte Ermäßigung?

„Endlich!“ bietet viele unerwartete Aha-Erlebnisse, erstaunliche Fakten, eine Prise Zauberei und Musik mit dem genialen Christoph Reuter am Klavier. Alles interaktiv, witzig und hintersinnig zugleich. Wenn das Leben endlich ist, wann fangen wir endlich an zu leben? Dr. Eckart von Hirschhausen feiert mit diesem siebten Solo-Programm auch 30 Jahre Erfahrung und Erfolg: „Jeder Abend ist einzigartig. Auf der Bühne bin ich in meinem Element, Live-Auftritte sind mein Lebenselixier. Das spüren und genießen die Zuschauer. Seien Sie dabei! So jung kommen wir nicht mehr zusammen! “

Eine Kreation für die Biennale de la Danse Lyon 2014

Choreographie Kader Attou
Musik Régis Baillet – Diaphane
Bühne Olivier Borne
Illustrationen Ludmila Volf
Licht Denis Chapellon
Kostüme Nadia Genez

Kader Attou und seine sechzehn exzellenten HipHop-Tänzer beschäftigen sich in Opus 14 mit dem Phänomen der Gruppendynamik. Körperkraft und die Poesie des HipHop verschmelzen dabei zu einer sinnlichen Einheit, die im Zusammenwirken mit dem Bühnenbild Olivier Bornes und der Musik von Régis Baillet lebendige, pulsierende Szenenbilder schafft. Die Simultaneität der Bewegungen, die vom unwiderstehlichen Energiestrom der Musik mitgerissen werden, ist bestechend und lässt ein umwerfendes Gefühl von Gemeinschaft hervortreten. Dennoch lässt Opus 14 auch Raum für die Individualität der einzelnen Tänzer, durch deren Verschiedenheit eine kreative Reibung entsteht.

Dass dem HipHop immer auch ein soziales und politisches Engagement zu Grunde liegt, ist auch Opus 14 anzumerken. Kader Atou widmet das Werk den Schwachen und will es als Ode an die Menschlichkeit verstanden wissen.

Sechzehn Tänzer entfalten eine umwerfende physische Energie und einen fantastischen Sog, als würden sie wie Fruchtfleisch einen Kern umklammern, oder als wären sie anderen Kräften unterworfen, mit anderen zusammengeprallt, angespannt, ausgedehnt auf dem Boden oder in der Atmosphäre. Wie im Fieber wollen sie sich ausdrücken, explodieren und ihre Energie in Bewegungen umlenken. Sie sind der Sand und die Brandung. Auf alle Fälle sind sie menschgewordene Seelen, die ihre Reise vollenden. 
Élian Monteiro

Bearbeitet von John von Düffel
Ab 6 Jahren

Düsseldorfer Schauspielhaus, Junges Schauspiel

Inszenierung Robert Gerloff
Musik Hajo Wiesemann
Bühne Gabriela Neubauer
Kostüme Johann Hlawica
Choreographie Barbora Briešková
Licht Christian Schmidt

„Ich wünsche jedem Kind, dass es ein paarmal am rechten Ort und zur rechten Stunde die rechte Geschichte erzählt bekommt.“
Otfried Preußler

Das neueste Abenteuer mit dem weltbekannten Großmaul ist ein Riesenspaß für alle ab 6 Jahren. Hotzenplotz ist aus dem Spritzenhaus entkommen, und wieder einmal hat er Rache geschworen! Kasperl schlägt vor, gemeinsam mit Freund Seppel den Räuber wieder einzufangen, so wie beim letzten Mal. Aber Seppel ruht sich gerade aus und würde den lästigen Hotzenplotz am liebsten „auf den Mond schießen“. Diese flapsige Bemerkung bringt Kasperl auf eine Idee. Das Abenteuer beginnt…

Die von Otfried Preußler als Kasperletheater geschriebene Geschichte ist im Nachlass des Autors von seiner Tochter wiederentdeckt worden und im Mai im Thienemann-Verlag als Buch erschienen. Der Schriftsteller und Dramaturg John von Düffel hat den Stoff für das Theater bearbeitet, hat Liedtexte geschrieben und Szenen hinzuerfunden, die in der Schwerelosigkeit des Mondes spielen. Als der berühmte Räuber hört, dass es auf dem Mond Silber gibt, kann Hotzenplotz natürlich nicht widerstehen. Bereitwillig lässt er sich von seinen Verfolgern Kasperl und Seppel ins vermeintliche All schießen. Zweifel an der Wahrscheinlichkeit der Mondlandung kommen dem einfachen Gemüt des Räubers trotz des kurzen Fluges nicht, und auch die große Maskerade, die Kasperl und Seppel als Mondmenschen spielen, nimmt er für bare Münze.

Dieter Nuhr ist der Meister der entspannten Comedy und der König der befreienden Pointe. In seinem Programm „Kein Scherz!“ beweist er wieder einmal: Das Leben ist kein Witz, kann aber trotzdem Spaß machen. Dieter Nuhr widersetzt sich dem Zeitgeist dauernder Erregung, seziert unser mediengestörtes Weltbild und hält dagegen mit seiner entwaffnenden Unaufgeregtheit. Ja, wir alle wissen, die Welt wird untergehen! Aber es wird voraussichtlich noch ein paar Millionen Jahre dauern.

Dieter Nuhr löst seelische Verkrampfungen durch wohlbegründete Fröhlichkeit. Wer einmal einen Auftritt von ihm erlebt hat, weiß: Was wirklich lustig ist, ist oft kein Scherz!

Dieter Nuhr kontert die ritualisierte Empörung in unserem Land mit abwägenden Gedanken und gelassener Heiterkeit. Er seziert mit seinen entlarvenden Pointen die Verkrampftheit der Ideologen und befreit sein Publikum vom Zwangsdenken der Besserwisser. Seine Abende gelten als heilsame Therapie für Angstgestörte.

Dieter Nuhr löst Verspannungen mit Argumenten und heilt die Weltangst der Zuschauer durch die überwältigende Kraft seiner extrem lustigen Gedanken! Millionen haben seine Auftritte gesehen, seine Sendungen verfolgt und seine Bücher gelesen. Ein Abend mit Dieter Nuhr ist nicht nur saukomisch! Er verdeutlicht auch: Man kann Massen begeistern, in dem man sich dem Mainstream verweigert. Ihm zuzuhören ist ein Genuss.

Nuhr beweist: Humor kann schlau sein, Optimismus ist möglich, Denken macht Spaß! Ein Abend mit Dieter Nuhr zeigt: Die Wirklichkeit ist oft lustiger als jeder Witz, und Lachen ist – das ist kein Scherz! – extrem befreiend!

Inszenierung Yllana: Joe O’Curneen, Fidel Fernández, David Ottone, Marcos Ottone, Juan F. Ramos
Sound Alberto Fernández Roda
Licht Felipe Ramos
Bühne Eduardo Moreno
Kostüme Anna Tusell

Eine Gruppe ruchloser GaGsters terrorisiert die Stadt. Lachsalven sind ihre gefürchtete Waffe, und hinter jeder Ecke kann sich der nächste Witz verbergen. Angst macht sich breit. Da tritt eine Mannschaft Polizisten auf den Plan. Sie sind nicht weniger ruchlos und mindestens genauso verrückt wie die von ihnen gejagte Spaßguerilla. Aus dieser hochexplosiven Begegnung entwickelt sich ein Feuerwerk des allerschrägsten Humors. Die neue Show der  spanischen Company Yllana ist inspiriert von den Mitteln des Film Noir; eine schwarze Komödie, die keinen Abgrund scheut.

Yllana wurde 1991 in Madrid gegründet und versteht sich als Kollektiv für außergewöhnliche theatrale Events. Das Ensemble beherrscht auf virtuose Weise die Techniken von physical comedy, Pantomime und Clownstheater. Mit originellen Slapsticks und einer sehr besonderen Soundregie wird das komische Potential von Alltagssituationen ausgelotet. In der Welt von Yllana kann alles passieren – Hauptsache, es ist komisch. Die Shows von Yllana wurden inzwischen in über 40 Ländern gezeigt und gastieren auf einschlägigen Festivals wie dem Edinburgh Fringe Festival, Festival d’Avignon, International Theatre Festival Istanbul und vielen anderen.

Inszenierung Karelle Prugnaud
Bühne Thierry Grand
Kostüme Antonin Boyot-Gellibert
Video Tito Gonzalez, Karelle Prugnaud
Licht Emmanuel Pestre

Die beiden Schwestern Léonie und Noélie kommen aus dem Arbeitermilieu. Ihre Familie hat so wenig Geld, dass sich die beiden Mädchen ein Paar Schuhe teilen müssen. Es gibt auch nur eine Schultasche, und während die eine in der Schule ist, muss die andere  zu Hause bleiben. Bei dem Versuch, ein Wörterbuch zu stehlen, weil das Geld auch dafür nicht reicht, werden sie in flagranti erwischt. Was für ein Einfall, mit zehn Jahren ein Wörterbuch zu klauen. Süßigkeiten, vielleicht, Spielzeug, bestimmt, aber ein Wörterbuch? Man ahnt, dass Léonie und Noélie bereits der Kindheit entwachsen sind. Das unvermeidliche Gedankenspiel „wenn ich groß bin, dann…“ scheint fast wie ein Damokles-Schwert über ihnen zu schweben. Wird die Zeit ausreichen, um alle Wörter aus dem Wörterbuch zu lernen? Während Léonie sprachliche Intelligenz anstrebt, um die Freiheit der Gedanken zu erlangen, springt Noélie über Dächer, um sich körperlich frei zu fühlen. Wenn ihr der Sprung über die Leere unter ihr den Atem genommen hat, wird sie ruhiger.

Nathalie Papin erhielt für Léonie und Noélie den Grand prix dramatique für Jugendliteratur 2016. Sie setzt sich darin mit dem Gegenüber im anderen auseinander, das das eigene Ich spiegelt, aber auch mit dem Gefühl der Einsamkeit und dem Bedürfnis, seine eigene Identität zu finden.

Bundesliga-Handball hautnah erleben: Vor der eindrucksvollen Kulisse von bis zu 2.000 Zuschauern bestreitet die Mannschaft der Eulen Ludwigshafen ihre Heimspiele in der Friedrich-Ebert-Halle. In den packenden Begegnungen können sich die Spitzensportler der Friesenheimer Eulen auf die lautstarke Unterstützung durch ihre Fans mit Trommeln und Sprechchören verlassen!

Inszenierung Ania Michaelis
Mit Viola Streicher
Bühne Céline Leuchter
Kostüme Petra Kather

Die Königin will unbedingt ein Kind. Deshalb isst sie zwei Rosen, obwohl ihr eine alte Frau im Wald extra gesagt hat, sie soll nur eine nehmen. Die Königin dachte, sie würde vielleicht Zwillinge bekommen – einen Jungen und ein Mädchen. Aber was die Königin in Wahrheit bekommt, das ist ein kleiner Lindwurm. Sofort nach seiner Geburt schlüpft er unter das Bett seiner Mutter. Und dort hält er sich von nun auf.

Wie Mann werden? Wie Frau werden? Wie lieben? Nur die kluge Schäferstochter lässt sich nicht fressen. Liebe findet statt – dann mischt Ritter Rot die Karten neu und ein Briefwechsel führt zum Kampf um Leben und Tod.

König Lindwurm ist ein nordisches Märchen. Ein Entwicklungsmärchen, dessen Protagonisten lernen miteinander zu leben. Wie miteinander sprechen? Wie einander lieben? Wie beeinflusst die Geschichte der Eltern die eigene Entwicklung?

Die Grausamkeit des Märchens einerseits und die Verletzlichkeit und der kontrollierte Witz der Spielerin auf der anderen Seite bahnen den Weg der Erzählung. Das Bühnenbild zeigt eine kleine Arena: „Kampfplätze der Liebe“.
Hier findet das Spiel statt: die Suche nach Liebe, das Aushalten von Liebe, das Durcharbeiten der Wünsche, der Irr- und Abwege und im besten Fall: ein Ankommen. Sei es nur für einen Moment und die Dauer eines Feuerwerks.

Musikalische Leitung Uwe Sandner
Inszenierung René Zisterer
Bühne Agnes Hasun
Chor Gerhard Polifka

„La Traviata“ bedeutet wörtlich übersetzt „die vom Weg Abgekommene“ und meint die umschwärmte Kurtisane Violetta Valéry, die das Geheimnis ihrer unheilbaren Krankheit, der Schwindsucht, mit sich trägt. Auf einem ihrer rauschenden Feste lernt Violetta den jungen Alfredo Germont kennen. Zum ersten Mal überhaupt verspürt sie ein Gefühl aufrichtiger, echter Liebe. Sie setzt einen Schlussstrich unter ihr bisheriges Leben und zieht mit Alfredo aufs Land. Aber schon bald setzt Alfredos Vater Violetta unter Druck, Alfredo zu verlassen. Sie kehrt nach Paris in ihr früheres Leben zurück, doch lässt der Schmerz des Verzichts die Krankheit unaufhaltbar ausbrechen. Als Alfredo zu ihr zurückkommt, ist es zu spät: Es bleibt ihnen nur noch eine kurze Illusion von einer gemeinsamen Zukunft, bevor Violetta stirbt.

Giuseppe Verdis Oper La Traviata geht auf den Roman Die Kameliendame von Alexandre Dumas aus dem Jahr 1848 zurück. Der Realismus des in der Gegenwart angesiedelten Stoffes war für das Publikum der Uraufführung 1853 im Teatro La Fenice in Venedig ungewohnt und verstörend. Erst nach und nach wurde Verdis Oper als ein äußerst empfindsam gezeichnetes Seelendrama begriffen und als Meisterwerk erkannt. Die Kunst des italienischen Maestros, einprägsame und berührende Melodien zu erfinden, fand mit La Traviata einen ersten Höhepunkt in seinem Schaffen.

Moderation Tilman Gersch
Zu Gast Michael Heinz, Mitglied des Vorstands und Arbeitsdirektor der BASF SE und Standortleiter für das Werk Ludwigshafen
Weingut Rings, Freinsheim

Unsere Reihe mit Regionalbezug gibt sich in dieser Saison grenzüberschreitend. Warum? Weil der Rhein, ohne den unsere Stadt und auch der gute Pfälzer Wein nicht denkbar wären, auf seinem langen Weg von der Quelle zur Mündung immerhin vier Länder durchquert und zwei streift. Im Februar 2020 wird der stolze Fluss, den man auch Vater heißt und nach dem einst sogar eine Kartoffel benannt wurde, zum Mittelpunkt unserer Überlegungen. Und schon jetzt dürfen wir Ihnen verraten, dass Michael Heinz, Vorstandsmitglied der BASF SE und Standortleiter des Werks Ludwigshafen, an diesem Abend zu Gast sein wird. Auch beim ersten Wort und Wein im Oktober geht es auf die Reise: Mit Georg Forster, der, wenn er nicht gerade in Mainz Revolution betrieb, zusammen mit James Cook die Welt entdeckte. Davon liest und spricht Frank Vorpahl, aspekte-Redakteur und besessener Forster-Forscher. Das Weihnachts-Spezial im Dezember bietet Verlässliches, und wenn der blaue Flieder wieder blüht und der Spargel fast schon aus der Erde schaut und die Erdbeeren nur noch ein wenig auf sich warten lassen, dann versammeln sich Händler und Händlerinnen des Friesenheimer Wochenmarktes und geben Einblick in das Leben von Frühaufstehern. All das präsentiert und moderiert ein stets gut gelaunter Intendant Tilman Gersch.

Musikalische Leitung Uwe Sandner
Inszenierung René Zisterer
Bühne Agnes Hasun
Chor Gerhard Polifka

„La Traviata“ bedeutet wörtlich übersetzt „die vom Weg Abgekommene“ und meint die umschwärmte Kurtisane Violetta Valéry, die das Geheimnis ihrer unheilbaren Krankheit, der Schwindsucht, mit sich trägt. Auf einem ihrer rauschenden Feste lernt Violetta den jungen Alfredo Germont kennen. Zum ersten Mal überhaupt verspürt sie ein Gefühl aufrichtiger, echter Liebe. Sie setzt einen Schlussstrich unter ihr bisheriges Leben und zieht mit Alfredo aufs Land. Aber schon bald setzt Alfredos Vater Violetta unter Druck, Alfredo zu verlassen. Sie kehrt nach Paris in ihr früheres Leben zurück, doch lässt der Schmerz des Verzichts die Krankheit unaufhaltbar ausbrechen. Als Alfredo zu ihr zurückkommt, ist es zu spät: Es bleibt ihnen nur noch eine kurze Illusion von einer gemeinsamen Zukunft, bevor Violetta stirbt.

Giuseppe Verdis Oper La Traviata geht auf den Roman Die Kameliendame von Alexandre Dumas aus dem Jahr 1848 zurück. Der Realismus des in der Gegenwart angesiedelten Stoffes war für das Publikum der Uraufführung 1853 im Teatro La Fenice in Venedig ungewohnt und verstörend. Erst nach und nach wurde Verdis Oper als ein äußerst empfindsam gezeichnetes Seelendrama begriffen und als Meisterwerk erkannt. Die Kunst des italienischen Maestros, einprägsame und berührende Melodien zu erfinden, fand mit La Traviata einen ersten Höhepunkt in seinem Schaffen.

Choreographie Lisbeth Gruwez
Musik Maarten Van Cauwenberghe, Elko Blijweert & Bjorn Eriksson
Licht Harry Cole
Bühne Marie Szersnovicz

The Sea Within (Das Meer im Inneren) ist eine magnetisierende Tanz-Performance, in der Lisbeth Gruwez nicht länger versucht, das Chaos zu ordnen, sondern das Chaos zu einer eigenen Ordnung finden lässt. Ebenso scharfkantig wie intensiv, stellt sie in ihrem Stück nicht mehr Individuen in den Mittelpunkt wie bei früheren Stücken, sondern sie lässt die Zuschauer daran teilhaben, wie zehn Tänzer allmählich in einer großen, atemberaubenden Landschaft aufgehen. Zum ersten Mal während ihrer Karriere tanzt Gruwez nicht selbst in ihrer Choreographie, sondern sie stellt zehn energetische, kraftvolle Tänzerinnen auf die Bühne, die einen engen Zusammenhalt verkörpern. Gemeinsam exerzieren sie ein neues, zeitgemäßes Ritual, in dem das Wir das Ich umarmt. Maarten Van Cauwenberghe schrieb die elektronische Musik für diese Aufführung. Minimalistische Synthesizer-Klänge und ein prickelndes Spiel mit Frequenzen reizen die Sinneseindrücke bis ins Extreme aus.

Die belgische zeitgenössische Tanz- und Performance-Gruppe Voetvolk wurde 2007 durch die Tänzerin und Choreographin Lisbeth Gruwez und den Musiker und Komponisten Maarten Van Cauwenberghe gegründet, die sich im künstlerischen Umfeld von Jan Fabre kennenlernten.

Zusammen mit Fabre choreographierten sie verschiedene Tanzstücke, u.a. das berühmte Solo Quando l’uomo principale è una donna, bekannt für seine mit Olivenöl getränkte Bühne. Das Werk von Voetvolk stellt seither eine fortlaufende Konversation zwischen körperlicher und  auditiver Bewegung  dar: Gruwez und Van Cauwenberghe beeinflussen sich gegenseitig mit dem Ziel, eine Symbiose zwischen dem Gehörten und dem körperlich Sichtbaren zu erreichen. Ihre Produktionen waren u.a. beim Festival d‘Avignon, beim Guggenheim Museum in Bilbao und auf der Biennale von Venedig zu sehen.

Inszenierung und Bühne Tilman Gersch
Kostüme Miriam Grimm
Musik Alex Gunia
Dramaturgie und Textfassung Barbara Wendland
Mit Jörg Malchow, Luis Quintana, Stefan Schießleder, Meinolf Steiner, Yusuf Beder, Anton Geburek, Mohammed Nick Nayeri

Ein Mann wird seiner gesellschaftlichen Funktion enthoben, seine Werte werden für nichtig erklärt, und auch seine Art der Konfliktlösung gilt plötzlich als überholt. Der Ritter Gottfried von Berlichingen versteht die Welt nicht mehr. Bis jetzt war er nur Gott, seinem Kaiser und seinem Gewissen verpflichtet. Das Wohl der kleinen Leute lag ihm am Herzen, dafür hat er gekämpft, wenn auch mit unkonventionellen Mitteln. Jetzt soll er sich einer allgemeinen Rechtssprechung unterwerfen und einer Moral folgen, mit der er sich nicht identifizieren kann. Kein Wunder, dass er in die Krise gerät.

In einer kompakten Fassung für sieben Spieler untersucht Tilman Gersch den Mythos des Querkopfs mit der eisernen Faust und dem goldenen Herzen. Vier Schauspieler und drei junge Männer aus Ludwigshafen erzählen Goethes frühes Sturm und Drang-Stück auf ihre Weise. Sie zeigen die Ambivalenz des Ausnahmecharakters Götz; seine Unbelehrbarkeit und Selbstüberschätzung genauso wie seine optimistische Kraft und entwaffnende Anarchie. Wenn Gottfried am Ende sagt, er habe sich überlebt, ist das eine kluge Erkenntnis. Ob es eine gute Nachricht ist, muss jeder selbst entscheiden.

Inszenierung und Bühne Julia Kunert
Musikalische Leitung Thomas Möckel
Kostüme Cornelia Kolditz

Das Cabaret der 1920er und 1930er Jahre war bunt und schrill, zart und unberechenbar. Die Schauspielerinnen Jana Kühn und Isa Weiß stellen in Cabaret Größenwahn einige Highlights dieser historischen Bühnenkunst vor. Dabei erzeugen sie in der Tradition der Brettl-Bühnen und Varietés mit ihren frechen, sarkastischen und zeitkritischen Songs komplexe und begeisternde Liedgeschichten. Bei aller Popularität verlieren die Texte jedoch nicht an melancholischem Zynismus und Scharfsinn. In der Regie von Julia Kunert und den stilechten Kostümen von Cornelia Kolditz tauchen die beiden Darstellerinnen ein in die Welt der Conférenciers, Albernheiten und tiefsinnigen Doppeldeutigkeiten.

Es ist den drei Künstlern sehr gut gelungen, authentisches Zeitkolorit zu malen. Die beiden Sängerinnen singen, spielen und reden genau angemessen – nämlich einerseits unterhaltsam, andererseits aber auch hintersinnig, ja abgründig.
Die Rheinpfalz

Choreographie Michael Clark
mit Musik von Joni Mitchell
Mit dem Lichtdesign von Charles Atlas
Mit den Kostümen von Stevie Stewart

Seitdem sich Michael Clark in den 1980er Jahren als Naturtalent an der Londoner Royal Ballet School erwies, wurde er zur treibenden Kraft des innovativen Tanzes. Von Anfang an zeichneten sich Clanks Aufführungen durch eine Mischung aus technischer Präzision und umwerfenden, fein abgestimmten Choreographien aus, die mit Punk-, Dada-, Pop-, und Rock-Elementen durchzogen sind. Seine Produktionen beschreiten oftmals neue Wege und elektrifizieren und begeistern das Publikum. Im Jahr 1984 gründete Michael Clark  seine eigene Company, die seitdem weltweit an führenden Häusern in Europa, Nord- und Südamerika, Asien und Australien sowie auf der Bühne des Barbican in London auftritt, wo sie seit 2005 ihren festen Sitz hat. Die Michael Clarks Company hat den Tanz an neue Zielgruppen herangeführt, indem sie an ungewöhnlichen Veranstaltungsorten wie das Glastonbury Festival, den legendären Barrowland Ballroom in Glasgow sowie in zeitgenössische Kunstmuseen wie z.B. die Tate Modern in London und das Whitney Museum in New York eingeladen wurde. Ergänzend dazu gab es Kooperationen mit führenden Künstlern, Modedesign, Musikern und Filmproduzenten.

Inszenierung und musikalische Leitung Sven Daniel Bühler

Die beiden Schauspieler Sven Daniel Bühler und Meik van Severen, Bühnenstars aus  der Karlsruher Hair-Aufführung, mixen die besten Lovesongs der 70er, 80er, 90er mit einer tödlichen Liebesgeschichte aus Don Quijote. Bühler, manchem Zuschauer vielleicht noch als Sir Lancelot aus dem Artus-Musical Spamalot in Erinnerung, bringt mit seinem Kollegen in einer lockeren Zusammenstellung bekannter Liebeslieder alle Facetten und Gefühle der Liebe auf äußerst unterhaltsame Weise auf die Bühne. Die Klassiker With or without you, I’m on fire und Jealous Guy heizen dieses Wicked Game noch an.

Die beiden Darsteller starten als erzählende Renaissance-Jünglinge im Bilderrahmen, wechseln ihre Halskrausen und Heerpauken bald immer wieder gegen Kleider und Morgenmäntel ein, denn sie übernehmen die Damen-Rollen im Stück gleich mit, oder sie kombinieren E-Gitarre und Mikrofon, wenn wieder ein Song ansteht. Insgesamt entsteht eine unterhaltsame Melange aus nachlässiger werdender Garderobe, durcheinander wirbelnden Geschlechterrollen und einem Mix der Stile und Epochen…
Badische Neue Nachrichten

Inszenierung Michael Thalheimer
Bühne Olaf Altmann
Kostüme Nele Balkhausen
Musik Bert Wrede
Licht Ulrich Eh
Dramaturgie Sybille Baschung
Mit Cordelia Wege u.a.

Michael Thalheimer beherrscht die Kunst, in seinen Inszenierungen mit chirurgischer Präzision zum Kern eines Stückes vorzudringen und die zugrunde liegenden menschlichen Konflikte freizulegen. Das ist ihm auch mit Endstation Sehnsucht, Tennessee Williams’ Drama um den unaufhaltsamen Niedergang der alternden Südstaatenschönheit Blanche Du Bois, wieder hervorragend gelungen.

Es ist die Geschichte einer einsamen Frau, die der Härte ihres sozialen Abstiegs verzweifelt ihre persönlichen Lebenslügen entgegensetzt und erleben muss, wie sie unabwendbar an der hässlichen Wirklichkeit zerbrechen. Blanche hat  ihren Job als Lehrerin sowie allen Besitz verloren und reist in die Stadt, um in der ärmlichen Bleibe ihrer Schwester Stella und deren gewalttätigem Ehemann Stanley Unterschlupf zu suchen. Der aufreibende Geschlechterkampf kulminiert in einer Vergewaltigung durch Stanley und bringt Blanche letztlich in die Psychiatrie.

Olaf Altmann, Thalheimers langjähriger Bühnenbildner, verpackt die Tragödie in einen dreieckigen, rostigen Guckkasten mit maximalem Gefälle. Auf dieser schrägen Bahn tastet sich Blanche in ihrem weißen Kleid abwärts, immer ganz dicht am Rand des Bühnenabgrunds, ihrem inneren Abgrund. Cordelia Weges Blanche lässt eine zutiefst widersprüchliche Figur spürbar werden, die nicht nur Opfer ist, sondern selbst rücksichtslose, sexuell getriebene Täterin und damit eine Bedrohung für die Männerwelt. Andreas Döhler gibt seinen Stanley Kowalski facettenreich als bedrohlich-aggressiven und zugleich hilflosen Grobian, dessen Gewaltausbrüche ihn selbst zum Weinen bringen, nachdem er seine schwangere Frau verprügelt hat.

Bundesliga-Handball hautnah erleben: Vor der eindrucksvollen Kulisse von bis zu 2.000 Zuschauern bestreitet die Mannschaft der Eulen Ludwigshafen ihre Heimspiele in der Friedrich-Ebert-Halle. In den packenden Begegnungen können sich die Spitzensportler der Friesenheimer Eulen auf die lautstarke Unterstützung durch ihre Fans mit Trommeln und Sprechchören verlassen!

Inszenierung Peter Steiner
Schauspiel, Textbearbeitung, Ausstattung Nathalie Cellier

Plötzlicher Schneefall hat den ausgedörrten Boden am Rande der Wüste Algeriens bedeckt. Die wenigen Schüler von Daru, dem in Algerien geborenen französischen Lehrer, kommen seit drei Tagen nicht mehr. Die Zeit scheint stehen geblieben – bis Balducci, ein mit Daru bekannter älterer Polizist, einen Araber zu ihm bringt.

Der Araber – Camus nennt ihn so – hat sich des Mordes an seinem Cousin schuldig gemacht. Im Dorf des Arabers hat seine Festnahme für Unruhe gesorgt, es droht dort ein Aufruhr, eingebettet in die drohende Revolte gegen die französische Kolonialmacht. Um eine Eskalation zu vermeiden, soll der Araber in eine andere Stadt überführt und den Behörden übergeben werden. Diese Aufgabe soll Daru am nächsten Morgen übernehmen. So lauten die Befehle, wie Balducci sie entgegen genommen hat. Daru jedoch will nicht einsehen, dass diese Befehle auch für ihn gelten: er ist trotz seines Solidaritätsgefühls mit der armen algerischen Bevölkerung bereit, sich gegen die Rebellion zu wehren, auch mit der Waffe in der Hand. Es wäre mit seinem Begriff von Ehre nicht zu vereinbaren, den Mann auszuliefern, wie es von ihm verlangt wird.

Inszenierung und Bühne Tilman Gersch
Kostüme Miriam Grimm
Musik Alex Gunia
Dramaturgie und Textfassung Barbara Wendland
Mit Jörg Malchow, Luis Quintana, Stefan Schießleder, Meinolf Steiner, Yusuf Beder, Anton Geburek, Mohammed Nick Nayeri

Ein Mann wird seiner gesellschaftlichen Funktion enthoben, seine Werte werden für nichtig erklärt, und auch seine Art der Konfliktlösung gilt plötzlich als überholt. Der Ritter Gottfried von Berlichingen versteht die Welt nicht mehr. Bis jetzt war er nur Gott, seinem Kaiser und seinem Gewissen verpflichtet. Das Wohl der kleinen Leute lag ihm am Herzen, dafür hat er gekämpft, wenn auch mit unkonventionellen Mitteln. Jetzt soll er sich einer allgemeinen Rechtssprechung unterwerfen und einer Moral folgen, mit der er sich nicht identifizieren kann. Kein Wunder, dass er in die Krise gerät.

In einer kompakten Fassung für sieben Spieler untersucht Tilman Gersch den Mythos des Querkopfs mit der eisernen Faust und dem goldenen Herzen. Vier Schauspieler und drei junge Männer aus Ludwigshafen erzählen Goethes frühes Sturm und Drang-Stück auf ihre Weise. Sie zeigen die Ambivalenz des Ausnahmecharakters Götz; seine Unbelehrbarkeit und Selbstüberschätzung genauso wie seine optimistische Kraft und entwaffnende Anarchie. Wenn Gottfried am Ende sagt, er habe sich überlebt, ist das eine kluge Erkenntnis. Ob es eine gute Nachricht ist, muss jeder selbst entscheiden.

Im gut zweistündigen Programm (inkl. Pause) liefern sich die Darsteller Stefan Linker (Heinz Erhardt-Imitator), Ralf Steltner und Karin Westfal einen regelrechten Schlagabtausch und rezitieren ein Heinz Erhardt-Gedicht nach dem anderen. Begleitet werden sie vom Pianisten Ralf Steltner. Mitreißende Melodien zu humorvollen Texten, verbunden mit der Lebensgeschichte des größten deutschen Komikers, versprechen eine gute Mischung aus gesprochenen und gesungenen Texten. Diese werden teils einzeln, teils im Duett oder zu dritt vorgetragen. Die schönsten Gedichte und Balladen des Kalauer-Genies, von denen viele zum ersten Mal vertont wurden, werden gekonnt zusammengefügt und in einem Guss in Szene gesetzt. Ob Ritter Fips oder König Erl, ob Made oder Kuh, selbst die sauren Zitronen und der G-Sketch werden zum Besten gegeben.

Den Zuschauern wird ein Feuerwerk des Wortwitzes geboten, ein Musical voller komischer Erinnerungen an den drolligen Ausnahme-Humoristen. Lassen Sie sich in die Welt des Heinz Erhardt entführen, Sie werden aus dem Lachen nicht herauskommen. Versprochen!

Inszenierung und Bühne Tilman Gersch
Kostüme Miriam Grimm
Musik Alex Gunia
Dramaturgie und Textfassung Barbara Wendland
Mit Jörg Malchow, Luis Quintana, Stefan Schießleder, Meinolf Steiner, Yusuf Beder, Anton Geburek, Mohammed Nick Nayeri

Ein Mann wird seiner gesellschaftlichen Funktion enthoben, seine Werte werden für nichtig erklärt, und auch seine Art der Konfliktlösung gilt plötzlich als überholt. Der Ritter Gottfried von Berlichingen versteht die Welt nicht mehr. Bis jetzt war er nur Gott, seinem Kaiser und seinem Gewissen verpflichtet. Das Wohl der kleinen Leute lag ihm am Herzen, dafür hat er gekämpft, wenn auch mit unkonventionellen Mitteln. Jetzt soll er sich einer allgemeinen Rechtssprechung unterwerfen und einer Moral folgen, mit der er sich nicht identifizieren kann. Kein Wunder, dass er in die Krise gerät.

In einer kompakten Fassung für sieben Spieler untersucht Tilman Gersch den Mythos des Querkopfs mit der eisernen Faust und dem goldenen Herzen. Vier Schauspieler und drei junge Männer aus Ludwigshafen erzählen Goethes frühes Sturm und Drang-Stück auf ihre Weise. Sie zeigen die Ambivalenz des Ausnahmecharakters Götz; seine Unbelehrbarkeit und Selbstüberschätzung genauso wie seine optimistische Kraft und entwaffnende Anarchie. Wenn Gottfried am Ende sagt, er habe sich überlebt, ist das eine kluge Erkenntnis. Ob es eine gute Nachricht ist, muss jeder selbst entscheiden.

Choreographie Noé Soulier
Musik Noé Soulier, Tom De Cock und Gerrit Nulens
Orchester Ensemble Ictus: Tom De Cock und Gerrit Nulens, Percussions
Licht Victor Burel

Was beinhaltet eine Geste? Wie entfaltet sich die Bedeutung einer Bewegung? Der französische Choreograph Noé Soulier widmet sich in seinen Werken einzelnen Elementen von Bewegungen und reduziert diese auf ihre Essenz. Dabei fließen Philosophie und Kunst ineinander, und im Zentrum seiner Arbeit steht die Beziehung zwischen Bewegung und Gedanke. In seiner neuen Produktion The Waves geht Soulier davon aus, dass wir komplexe Erfahrungen mit körperlichen Bewegungen und Haltungen assoziieren, und erarbeitet ein Vokabular von Gesten, das das Körpergedächtnis aktiviert.

Bei aller gedanklichen Tiefe feiert die neue Choreographie aber in erster Linie den Tanz um seiner selbst und seiner Schönheit willen. Zu sehen sind ausgreifende Flugsprünge hoch in der Luft, in Rückwärtsbewegung getupfte Arabesken, Tänzer gehen temperamentvoll zu Boden und Verliebte winden ihre Füße ineinander. Der hier gezeigte Tanz ist tief im Alltag verwurzelt und voller Lebensfreude. So changiert die Choreographie zwischen spielerischer Leichtigkeit, großer Ernsthaftigkeit und Virtuosität. Zwischen ihren zeitlos schönen Bewegungen zitieren die Tänzer aus Virginia Woolfs Roman Wellen. Begleitet wird die Choreographie von ansprechender Schlagzeugmusik, für die neben Tom De Cock und Gerrit Nulens auch Soulier verantwortlich zeichnet.

Inszenierung Harald Demmer
Musikalische Leitung Horst Maria Merz
Bühne Manfred Schneider
Kostüme Marion Hauer

Wo ist ein Mann noch ein Mann? Im Fußballstadion! Hier geht es um die letzten Dinge des Lebens: Liebe und Hass, Sieg oder Niederlage, wir oder die. Nach dem Spiel begegnen wir auf der Tribüne einer Handvoll Dagebliebener, denen die Worte des Kaisers Franz noch im Ohr klingen: „Gute Freunde kann niemand trennen / Gute Freunde sind nie allein / Weil sie eines im Leben können / Füreinander da zu sein“. Und so kumpelt, tröstet und singt man(n) zusammen gegen den Rest der Welt draußen an – und vergisst für kurze Zeit, dass zu Hause die ganz private Heimniederlage wartet …

Franz Wittenbrinks spezielle Form des „Liederabends“ geht weit über den traditionellen Charakter der Gattung hinaus. Er hat in den letzten Jahren quasi ein neues Genre erfunden: den Liederabend mit Handlung. Ein genau definierter Schauplatz gibt die möglichen Beziehungen und Handlungen der Beteiligten vor. Durch zwei, drei Lieder erhält eine Figur eine Biographie, wird zu einem Menschentypus, der sich auf eben diesem definierten Schauplatz bewegt. Wittenbrinks erster Liederabend Sekretärinnen wurde 1995 uraufgeführt und bescherte dem Hamburger Schauspielhaus einen seiner größten Publikumserfolge.  Wittenbrinks Theaterabende haben mittlerweile Kult-Charakter.

Choreographie Doris Uhlich
Kostüme Zarah Brandl
Licht Gerald Pappenberger
Mit Marie-Luise Bohrer, Annina Kriechbaum, Miriam Kutrowatz, Lena Obenaus, Anna
Steiner, Luna Weiss

Eine Gruppe sechs junger Frauen um die 20, die schon lange gemeinsam in der Tanzwerkstatt Wien mit Doris Uhlich tanzen und trainieren, sind die Protagonistinnen von Unkraut.

Sie stellen sich die Frage: Warum sind wir uns so ähnlich? Ist es Zufall oder mehr als Zufall?

Die Fünf entsprechen äußerlich dem klassischen Schönheitsbild, sie ähneln sich, scheinen auch ein ähnliches Weltbild zu haben. Sie hinterfragen das Frauenbild, das sie verkörpern – ein Bild, das sie oftmals gerne verschieben würden, doch es gibt Kräfte, die sie daran hindern. Gegen diese Kräfte  wollen sie antanzen. Gemeinsam mit Doris Uhlich kamen sie auf die Idee, mit dem Bild von „Unkraut“, das sich nicht unterkriegen lässt, ein kräftiges Stück zu erarbeiten. Individualität und das Bedürfnis sich behaupten zu können, auch anders oder mehr sein zu können als man ist, schlummert in den jungen Frauen. Dieses Bedürfnis wird jedoch oft unterdrückt – von ihnen selbst, von Kräften von außen, von gesellschaftlichen Codes.

Die Tänzerinnen und Doris Uhlich starteten eine Bewegungsrecherche zu den Themen  „Unterdrückung“ und „Aufbegehren“. Mit dem Bild von „Unkraut“ haben sie eine Übersetzung gefunden: eine „florale“ Herangehensweise, um sich mit dem Gefühl des Formens und Geformtwerdens auseinanderzusetzen, bis zur Empörung darüber, daran gehindert zu werden, wild zu wachsen.

Bundesliga-Handball hautnah erleben: Vor der eindrucksvollen Kulisse von bis zu 2.000 Zuschauern bestreitet die Mannschaft der Eulen Ludwigshafen ihre Heimspiele in der Friedrich-Ebert-Halle. In den packenden Begegnungen können sich die Spitzensportler der Friesenheimer Eulen auf die lautstarke Unterstützung durch ihre Fans mit Trommeln und Sprechchören verlassen!

Inszenierung Simon Stone
Bühne Bob Cousins
Kostüme An D’Huys, Fauve Ryckebusch
Musik Stefan Gregory
Licht Friedrich Rom
Mit Caroline Peters, Steven Scharf u.a.

Medea – Königstochter, Ehefrau, Betrogene, Fremde. Medea – Kindsmörderin, Hexe. Kaum eine Frauenfigur der Antike hat mehr Adaptionen inspiriert als sie. Jede Epoche warf dabei ihren eigenen Blick auf den Mythos um die Frau, die aus Liebe zu Jason ihre Heimat für immer verlässt und ihm nach Griechenland folgt. Sie gebiert ihm zwei Kinder, muss nach ein paar Jahren jedoch einer anderen, jüngeren Königstochter Platz machen. Medea tut das Unvorstellbare: Sie ermordet nicht nur Jasons neue Braut, sondern auch ihre eigenen Kinder.

Der australische Regisseur und Stückeüberschreiber Simon Stone versetzt Medea in die Gegenwart und mischt die antike Tragödie mit einer realen Geschichte: In den 1990ern setzte die amerikanische Ärztin Debora Green nach ihrer Scheidung das Familienhaus in Brand und tötete dabei ihre drei Kinder. Aus Medea wird bei Stone die Pharmazeutin Anna, die gerade einen Aufenthalt in der Psychiatrie hinter sich hat. Nun will sie die Beziehung zu ihrem Mann Lucas wiederbeleben, der jedoch ein Auge auf die Tochter seines Chefs geworfen hat. Kurz davor, alles zu verlieren, sieht Anna nur noch einen einzigen Ausweg.

In der Titelrolle brilliert Caroline Peters, die beim Gastspiel des Burgtheaters Wien in Yasmina Rezas Komödie Bella Figura begeisterte.

Inszenierung Tilman Gersch
Mit Timo Tank

Im Christentum steht der Name Judas für Untreue und Verrat. Als Jünger folgte Judas Iskariot seinem Propheten, um ihn dann für 30 Silberlinge an die Feinde auszuliefern. Ein  Kuss war das verabredete Zeichen, durch das die Häscher ihr Opfer erkennen sollten. Die Motive für diese Tat liegen bis heute im Dunkeln, aber je länger das Christentum existierte, desto mehr wurde Judas zum Inbegriff des Bösen und befeuerte die wachsenden antisemitischen Tendenzen. Bis heute ist es in Deutschland nicht möglich, ein Kind Judas zu nennen, das Standesamt verweigert diese Namensgebung.

Die niederländische Autorin Lot Vekemans distanziert sich mit ihrem Monolog von der jahrhundertealten Negativsicht auf die biblische Figur. Judas bekommt eine Stimme und versucht, sich zu erklären. Das Symbol verwandelt sich in einen Menschen, der spricht und fühlt. Sein Anteil am Kreuzigungstod von Jesus Christus lässt ihm keine Ruhe. Und so berichtet er von der bewegten Zeit mit seinem Meister, der ihm zum Freund wurde. Seine Sicht der Dinge ist eine hochsubjektive und erhebt keinen Anspruch. Ein Verurteilter ringt  um seine menschliche Existenz, die weit mehr ist als der Moment von Schuld, auf die sie reduziert wird.

2017 inszenierte Tilman Gersch das Stück am Staatstheater Karlsruhe, gezeigt wurde es dort und auch hier in Ludwigshafen in verschiedenen Kirchen.

BEE GEES MUSICAL lässt sein Publikum in einer mitreißenden musikalisch – biografischen Show mit vielen der Original-Musikern der Bee Gees Live-Konzerte an den wichtigsten Stationen dieser Ausnahme-Band teilhaben.Von den Anfängen der ersten Single-Veröffentlichung vor 50 Jahren über „To Love Somebody“ und „Massachusetts“ , die heiße Saturday Night Fever-Zeit bis zu ihrem letzten großen Album „You Win Again“ Ende der 80er Jahre.

Ab 3 Jahren

Le Clan des Songes

Konzeption, Regie und Marionetten Marina Montefusco
Bühne Jean Louis Sagot
Kostüme Valérie Gosselin
Musik Laurent Rochelle
Licht und Technik Erwan Costadau
Tourneeregie Hervé Billerit

Ein kleines Männlein, zart und einsam, unternimmt eine Reise mit unbekanntem Ziel. Sein einziger Reisegefährte ist eine vollgepackte Tasche, in der sich eine magische Welt zu befinden scheint. Seine Route führt ihn über eine launische Wegstrecke, die mal geradlinig verläuft, aber auch manchmal unterbrochen ist, die sich zu scheinbar unüberwindlichen Bergen aufbäumt oder in Abgründe führt. Zuweilen kreuzen verrückte Gestalten seinen Weg, die sich offenbar verirrt haben, obwohl sich manch einer mit äußerst selbstsicherem Auftreten in den Weg stellt. Was auch passiert, das Männlein marschiert unbeirrt weiter, auch wenn die Reisetasche plötzlich so schwer wird, als hätte sie Steine geladen. Das Publikum begleitet die Reise mit großer Anteilnahme, hoffend und bangend, dass sie am Ende gut ausgehen wird…

Im Laufe von 20 Jahren hat Marina Montefusco zusammen mit ihrer Compagnie Le Clan des Songes eine Theaterform entwickelt, die auf starke Bilder setzt, denen etwas Träumerisches anhaftet. Am liebsten arbeitet sie mit Marionetten oder animierten Figuren. Das ausdrucksstarke Universum des Clan des Songes ist offen für ein Publikum jeden Alters, wenn auch die jungen Zuschauer ihre  bevorzugten Adressaten sind.

Text von Carl Haffner und Richard Genée
nach dem Lustspiel Le Réveillon von Henri Meilhac und Ludovic Halévy

Musikalische Leitung Olivier Pols
Inszenierung Wolfgang Dosch
Bühne und Kostüme Susanne Thomasberger
Chor Gerhard Polifka

Als „Rache der Fledermaus“ inszeniert Dr. Falke eine Revanche für einen Streich, bei dem ihn sein Freund Eisenstein nach einem Faschingsball dem Gelächter der ganzen Stadt aussetzte. Auf dem Fest des Prinzen Orlofsky fädelt er eine Verkleidungs- und Verstellungskomödie ein, bei der Eisenstein in der Rolle eines Marquis Renard nicht nur seine Kammerzofe Adele im Gewand ihrer Herrin trifft, sondern auch heftigst mit einer ungarischen Gräfin anbändelt, hinter deren Maske sich seine eigene Frau Rosalinde verbirgt. Zudem trinkt er Brüderschaft mit einem Chevalier Chagrin, der niemand anders ist als Gefängnisdirektor Frank, der Eisenstein längst inhaftiert haben sollte. Am nächsten Morgen trifft man sich im Gefängnis wieder, die Masken fallen. Im Katzenjammer bleibt die Erkenntnis: „Nur der Champagner war an allem schuld!“

Die Fledermaus wird zu Recht als „Königin der Operette“ und Gipfelpunkt der ganzen Gattung gefeiert. Das Textbuch nach dem Lustspiel Le Reveillon der Offenbach-Librettisten Henri Meilhac und Ludovic Halévy verbindet Pariser Esprit mit Wiener Atmosphäre und wirft ein witzig-ironisches Augenzwinkern auf die bürgerliche Moral. In der Fledermaus bringt der Walzerkönig Johann Strauss Musik, Tanz und Theater in vollkommenen Einklang, seine Partitur sprüht ohne jede falsche Sentimentalität vor Lebenslust.

Moderation Tilman Gersch
Weinbau der Lebenshilfe Bad Dürkheim

Unsere Reihe mit Regionalbezug gibt sich in dieser Saison grenzüberschreitend. Warum? Weil der Rhein, ohne den unsere Stadt und auch der gute Pfälzer Wein nicht denkbar wären, auf seinem langen Weg von der Quelle zur Mündung immerhin vier Länder durchquert und zwei streift. Im Februar 2020 wird der stolze Fluss, den man auch Vater heißt und nach dem einst sogar eine Kartoffel benannt wurde, zum Mittelpunkt unserer Überlegungen. Und schon jetzt dürfen wir Ihnen verraten, dass Michael Heinz, Vorstandsmitglied der BASF SE und Standortleiter des Werks Ludwigshafen, an diesem Abend zu Gast sein wird. Auch beim ersten Wort und Wein im Oktober geht es auf die Reise: Mit Georg Forster, der, wenn er nicht gerade in Mainz Revolution betrieb, zusammen mit James Cook die Welt entdeckte. Davon liest und spricht Frank Vorpahl, aspekte-Redakteur und besessener Forster-Forscher. Das Weihnachts-Spezial im Dezember bietet Verlässliches, und wenn der blaue Flieder wieder blüht und der Spargel fast schon aus der Erde schaut und die Erdbeeren nur noch ein wenig auf sich warten lassen, dann versammeln sich Händler und Händlerinnen des Friesenheimer Wochenmarktes und geben Einblick in das Leben von Frühaufstehern. All das präsentiert und moderiert ein stets gut gelaunter Intendant Tilman Gersch.

Text von Carl Haffner und Richard Genée
nach dem Lustspiel Le Réveillon von Henri Meilhac und Ludovic Halévy

Musikalische Leitung Olivier Pols
Inszenierung Wolfgang Dosch
Bühne und Kostüme Susanne Thomasberger
Chor Gerhard Polifka

Als „Rache der Fledermaus“ inszeniert Dr. Falke eine Revanche für einen Streich, bei dem ihn sein Freund Eisenstein nach einem Faschingsball dem Gelächter der ganzen Stadt aussetzte. Auf dem Fest des Prinzen Orlofsky fädelt er eine Verkleidungs- und Verstellungskomödie ein, bei der Eisenstein in der Rolle eines Marquis Renard nicht nur seine Kammerzofe Adele im Gewand ihrer Herrin trifft, sondern auch heftigst mit einer ungarischen Gräfin anbändelt, hinter deren Maske sich seine eigene Frau Rosalinde verbirgt. Zudem trinkt er Brüderschaft mit einem Chevalier Chagrin, der niemand anders ist als Gefängnisdirektor Frank, der Eisenstein längst inhaftiert haben sollte. Am nächsten Morgen trifft man sich im Gefängnis wieder, die Masken fallen. Im Katzenjammer bleibt die Erkenntnis: „Nur der Champagner war an allem schuld!“

Die Fledermaus wird zu Recht als „Königin der Operette“ und Gipfelpunkt der ganzen Gattung gefeiert. Das Textbuch nach dem Lustspiel Le Reveillon der Offenbach-Librettisten Henri Meilhac und Ludovic Halévy verbindet Pariser Esprit mit Wiener Atmosphäre und wirft ein witzig-ironisches Augenzwinkern auf die bürgerliche Moral. In der Fledermaus bringt der Walzerkönig Johann Strauss Musik, Tanz und Theater in vollkommenen Einklang, seine Partitur sprüht ohne jede falsche Sentimentalität vor Lebenslust.

Bühnenfassung von Catharina Fillers
Ab 15 Jahren

Inszenierung Nurkan Erpulat
Ausstattung Gitti Scherer
Musik Christian Bluthardt

Nini und Jameelah glühen vor Lebenslust. Gemeinsam machen sie sich daran, die Welt zu erobern, das Leben auszukosten, zu lachen, zu weinen, zu lieben, endlich Sex zu haben. Sie sind unzertrennlich, fühlen sich unverwundbar und leben, als gäbe es kein Morgen und erst Recht kein nächstes Jahr. Und das wird es vielleicht auch nicht geben, zumindest nicht gemeinsam. Denn obwohl in Deutschland aufgewachsen, ist Jameelah plötzlich von Abschiebung bedroht. Umso intensiver leben die Mädchen diesen Sommer, der ihr letzter sein könnte, gestärkt von ihrer „Tigermilch“, einem selbst gemixten Milchmischgetränk – mit Maracujasaft und Mariacron.
Doch dann ist plötzlich alles anders: Mitten in einem nächtlichen Liebeszauber auf dem Spielplatz werden sie Zeuginnen, wie der Konflikt in der Familie ihres Freundes Amir derart eskaliert, dass Amirs Schwester stirbt. Nini und Jameelah müssen entscheiden, ob sie sich einmischen oder raushalten. Die Entscheidung wird zu einer riesigen Belastungsprobe für ihre Freundschaft.

Mit einem ganz eigenen Sound, schnell und schonungslos, wuchtig und zart erzählt die Berliner Autorin Stefanie de Velasco von den beiden Mädchen, die lernen müssen, das eigene Dasein auszuhalten.

Am JES wurde ihr Roman umgesetzt von Nurkan Erpulat, Hausregisseur am Maxim Gorki Theater in Berlin. Für Furore sorgte er u.a. mit Verrücktes Blut. Das Stück wurde zum Berliner Theatertreffen und zu den Mülheimer Theatertagen eingeladen.

Inszenierung und Choreographie Iris Limbarth
Musikalische Leitung Frank Bangert
Bühne Britta Lammers
Kostüme Heike Korn

Als sich d’Artagnan auf den Weg nach Paris macht, in Begleitung des alten Pferdes Pomme de Terres und mit seinem ersten eigenen Degen, tut er dies, um sich seinen Lebenstraum zu erfüllen: den Traum, Musketier zu werden. In der französischen Hauptstadt angekommen, freundet er sich schnell mit Athos, Porthos und Aramis an, drei Musketieren des Königs, und ebenso schnell ist er Teil gefährlicher Ereignisse. Nun muss d’Artagnan nach England reisen, um eine Verschwörung gegen die Königin zu vereiteln, wohlwissend, dass in Paris die schöne Constanze auf ihn wartet.

Unzählige Male schon wurde Dumas‘ berühmter Roman in den unterschiedlichsten Medien adaptiert, nun zeigen die Pfalzbau Bühnen die Musicalinszenierung von Iris Limbarth mit dem Ensemble des Jungen Staatsmusicals aus Wiesbaden.
Mit eindrucksvollen Fechtszenen, ergreifenden Balladen, historisch anmutenden Kostümen und beeindruckenden Choreographien bietet die Inszenierung spannende Unterhaltung für alle Altersgruppen.

Erleben Sie das unvergleichliche Tanz-Musical „Havana Nights“ und einen Abend mit authentischer Karibik-Atmosphäre. Erliegen Sie dem Charme und dem Schwung eines wahrhaft charaktervollen Landes. Havanna sehen, hören und fühlen! Die besten Tänzer Havannas, eine Starbesetzung des „Circo Nacional de Cuba“ und eine Live „Girl-Band” präsentieren eine spektakuläre Inszenierung des neuen Tanz-Musicals „Havana Nights“ und entführen das Publikum auf die heißblütige Insel Kuba. Erleben Sie eine feurige Mischung aus Salsa, Merengue, Hip-Hop, Breakdance und kubanischer Zirkustradition. 34 hochkarätige Künstler, höchstes tänzerisches Niveau und unglaubliche akrobatische und musikalische Darbietungen werden geboten. Die Leidenschaft, das Temperament und die Dynamik der Karibik lassen das Erlebnis vollkommen werden.
Lebensfreude pur – Karibik-Flair für alle Sinne!

STERNSTUNDEN DER FILMMUSIK präsentiert die bekanntesten und erfolgreichsten Soundtracks aus den letzten fünf Jahrzehnten und zaubert das perfekte Hollywood-Flair auf die Bühne.
Die herausragenden Musiker der Russischen Kammerphilharmonie St. Petersburg unter der Leitung von Juri Gilbo entführen in die aufregende Welt der Filmmusiken.
STERNSTUNDEN DER FILMMUSIK – Emotional! Mitreißend! Unvergessen!

Die Werke Philippe Decouflés gleichen einem fantastischen Daumenkino, in denen sich die brillanten Ideen und paradoxen Stimmungslagen ihres hochtalentierten Schöpfers entladen. Die Aufführungen zu Rock- und Popmusik sind spielerisch, erotisch, exzentrisch, burlesk, fabelhaft und komisch zugleich und Philippe Decouflé kombiniert darin wie ein Zauberer extravagante Elemente, die den Tanz zum Leuchten bringen als würde ein Feuerwerk entfacht.

Der zurückhaltende Decouflé, der seine Compagnie DCA 1983 gründete, trat zum ersten Mal ins Rampenlicht, als er 1992 die Eröffnungszeremonie der Olympischen Winterspiele in Albertville in Szene setzte. Während er die Grenzen seiner eigenen Fantasie beständig überschreitet, bleibt er sich selbst immer treu. Mit unbändigem Schwung, der all seine Sehnsüchte mit sich trägt, scheint er nach dem Mond zu greifen und ist erfolgreich dabei, denn seine Höhenflüge basieren auf handwerklichem Können und Präzision, ergänzt durch ausgefeilte Kostüme sowie vielfältige visuelle und Video-Effekte.

Das 1986 entstandene Codex spiegelt die bevorzugte Arbeitsweise Decouflés auf charakteristische Weise wider: es entfaltet eine außergewöhnliche visuelle Ausdruckskraft und spielerischen Humor, stellt die Welt auf den Kopf, die in umwerfende Farben getaucht ist, während sich die Körper in einem unablässigen Taumel zu befinden scheinen. Dieser kontinuierliche Drive und diese Wucht bestimmen Decouflés Tanzsprache, die fließende Bewegungen liebt. Noch größer ist allerdings seine Liebe zu Schrägem und Bizarrem wie in Shazam (1998), Sombrero (2006) oder Octopus (2010).

Wie überbordend die Fantasie und wie virtuos das kompositorische Können ihres künstlerischen Leiters ist, zeigt seine Compagnie DCA in Nouvelles Pièces Courtes. Die Tänzer verblüffen darin auch mit ihren Talenten als Schauspieler, Sänger und Musiker. Doch immer ist der Körper in seiner Schönheit, Erotik und Verletzlichkeit das Zentrum eines umwerfenden Spektakels.

KOMÖDIE FÜR KINDER, JUGENDLICHE UND FAMILIEN

nach William Shakespeare und Jens Groß
ab 8 Jahren

Inszenierung Corinna von Rad
Bühne Ralf Käselau
Kostüme Sabine Blickenstorfer
Licht Markus Haupt
Dramaturgie Nadja Groß

Helena liebt Demetrius. Hermia liebt Lysander und Lysander liebt Hermia. Doch Hermias Vater will, dass seine Tochter nicht Lysander, sondern Demetrius zum Mann nimmt. So flüchten die Verliebten nachts in den Wald. Dort herrschen andere Gesetze als in der Stadt: Oberon, der Elfenkönig, und seine Frau Titania befinden sich in heftigem Eifersuchtsstreit. Mit dem Saft einer Wunderblume verzaubert Oberon seine Titania, so dass sie einem Esel verfällt. Auch seine Untertanen erfreuen sich an der Macht des Zaubersaftes: Elfen und Trolle herrschen nun über die Wünsche und Träume der Menschen. Erst als sich Oberon und Titania versöhnen, finden auch die Herzen der Menschen ihren Frieden.

Für die Fassung des Sommernachtstraum für Kinder in der Bearbeitung von Jens Groß wurde so weit wie möglich die bekannte Bearbeitung von August Schlegel verwendet – nicht zuletzt wegen ihrer Romantik und der besonders poetischen Sprachkraft. Der bekannte Plot und die bezaubernden Figuren Shakespeares bleiben weitgehend erhalten, aber die Geschichte wird aus einer kindgerechten Perspektive erzählt.

Im Zentrum der Erzählung stehen die ansonsten stummen Elfen der Titania. Sie versuchen verzweifelt, ihre Königin glücklich zu machen und gute Laune zu verbreiten, werden aber schnell zum Spielball von Oberons dunklem Ränkespiel und zappeln am Ende sogar selbst im unsichtbaren Spinnennetz der Liebe. Puck und die Elfen sind in dieser Version des Sommernachtstraum selbst wie neugierige Kinder. Sie durchleben aus ihrer Perspektive die Welt der Erwachsenen und der Zauberer, den Streit und die Leidenschaften zwischen Titania und Oberon, das merkwürdige Er-Liebt-Mich,-Er-Liebt-Mich-Nicht-Spiel zwischen Hermia, Demetrius, Lysander und Helena. Der Perspektivwechsel macht dieses Stück Weltliteratur für jüngere Zuschauer am Ende genauso vergnüglich und erlebbar wie für die Erwachsenen.

Bundesliga-Handball hautnah erleben: Vor der eindrucksvollen Kulisse von bis zu 2.000 Zuschauern bestreitet die Mannschaft der Eulen Ludwigshafen ihre Heimspiele in der Friedrich-Ebert-Halle. In den packenden Begegnungen können sich die Spitzensportler der Friesenheimer Eulen auf die lautstarke Unterstützung durch ihre Fans mit Trommeln und Sprechchören verlassen!

Buch von Joe Masteroff
Nach dem Stück Ich bin eine Kamera von John van Druten
und nach den Erzählungen von Christopher Isherwood
Deutsch von Robert Gilbert

Musikalische Leitung Jochen Kilian / Olivier Pols
Inszenierung Frank Matthus
Choreographie Kerstin Ried
Bühne und Kostüme Anne Weiler
Chor Gerhard Polifka

Der amerikanische Schriftsteller Clifford Bradshaw kommt Anfang der 30er Jahre für Romanrecherchen in das vor Leben strotzende Berlin. Er findet Unterschlupf in Fräulein Schneiders Pension und lernt im Kit-Kat-Club die Cabaretsängerin Sally Bowles kennen und lieben, die sich kurzerhand bei ihm einquartiert und mit ihrer äußerst unkonventionellen Art sein Leben ziemlich durcheinander bringt. Angesichts dieser Turbulenzen realisiert Clifford erst nach und nach, wie der aufkommende Nationalsozialismus zunehmend Oberhand gewinnt und Gewalt auch den Alltag in Berlin bestimmt. Cliff drängt Sally dazu, mit ihm nach Amerika zu gehen, doch sie träumt naiv von einer Karriere als Sängerin und kann sich nicht vom Kit-Kat-Club lösen. Das Leben ist ein Cabaret …

Das 1966 am Broadway uraufgeführte Musical des Autorenteams John Kander und Fred Ebb ist längst ein Klassiker des Genres geworden. Es vereint auf geradezu ideale Weise raffinierte Songs im Stil der 20er Jahre, von denen nicht wenige Welthits geworden sind, eine packende Geschichte und ein politisches Plädoyer für eine freie, liberale Gesellschaft. Zusätzliche Popularität gewann das Musical durch Bob Fosses Verfilmung aus dem Jahr 1972 mit Joel Grey als Conferencier und Liza Minelli als Sally Bowles.

Inszenierung Armin Petras
Bühne Olaf Altmann
Kostüme Annette Riedel
Musik Woods of Birnam
Musikalische Leitung Christian Friedel
Mit Christian Friedel, Robert Kuchenbuch, Lea Ruckpau u.a.

Der Schauspieler Christian Friedel, aus der Verfilmung über das Leben des Hitler-Attentäters Elser und jüngst der hochgelobten Fernsehserie Babylon Berlin einem breiten Publikum bekannt, ist auch als Musiker erfolgreich. Eindrucksvoll unter Beweis gestellt hat er dies 2015 bei einem Gastspiel von Shakespeares Hamlet mit dem Staatsschauspiel Dresden in Ludwigshafen, bei dem er auch die Titelrolle verkörperte. In Armin Petras‘ Bühnenadaption von George Orwells berühmtem Roman 1984, einer Koproduktion von Düsseldorfer Schauspielhaus und Schauspiel Stuttgart, spielt Friedel nicht nur den „Großen Bruder“, der seine Mitbürger gnadenlos überwacht, sondern steuert mit seiner Band „Woods of Birnam“ auch die Musik der Aufführung bei.

Im Orwell-Staat Ozeanien traut keiner dem anderen über den Weg. Der totalitäre Überwachungsstaat des „Großen Bruders“ operiert mit omnipräsentem Teleschirm, sozialer Kontrolle und Gedankenpolizei, um die Bevölkerung zu beherrschen. Mittels „Neusprech“ wird den Menschen das Denken abgewöhnt, politische Gegner werden „vaporisiert“, die Erinnerung an frühere Zeiten wird ausgelöscht. Wahr ist, was man wahr nennt. Winston Smith, Mitglied der äußeren Partei, hasst dieses System. Als er damit beginnt, als Dokument der Geschichte und Botschaft an die Ungeborenen Tagebuch zu schreiben, weiß er, dass dies sein Todesurteil sein wird. Auch mit seiner Liebe zu seiner Kollegin Julia verstößt er gegen die Staatsdoktrin. Die kleine Widerstandszelle wird bald ausgehoben und Winston landet zur Umerziehung im Gefängnis. Zuletzt wird auch er entgegen aller Tatsachen wissen: „Zwei plus zwei ist fünf“.

Orwells Roman, der 1948 als literarische Antwort auf Nationalsozialismus und Stalinismus entstand und seinen Titel der Drehung dieser Jahreszahl verdankt, gewinnt immer dann an Bedeutung, wenn die offene Gesellschaft auf dem Spiel steht. Armin Petras zeigt in seiner dichten und packenden Bühnenfassung, die streckenweise wie ein Rockkonzert anmutet, die erschreckende Aktualität von Orwells düsterem Zukunftsroman. In Olaf Altmanns schwarzer Bühne, in der eine mächtige Zylinderröhre bedrohlich über den Menschen schwebt, suchen Winston und Julia nach Auswegen, und im Gegensatz zum Original scheint diese Suche nicht gänzlich hoffnungslos zu sein.

Produktion Jess Curtis/Gravity, Claire Cunningham und Tramway Glasgow

Von und mit Jess Curtis, Claire Cunningham
Komposition Matthias Herrmann
Video Yoann Trellu
Ausstattung Michiel Keuper
Licht Chris Copland

Wie betrachten wir einander? Welchen Blick auf uns erlauben wir dem Gegenüber? Wie beeinflussen unsere Körper die Art, in der wir die Welt wahrnehmen? Können wir unseren Blick auf die anderen verändern?

The Way You Look (at me) Tonight ist eine Skulptur der Gesellschaft – eine Reise der Sinne für zwei Performer und ein Publikum. In Zusammenarbeit mit dem renommierten Autor und Wahrnehmungs-Philosophen Dr. Alva Noë entwickelt, erlebt man bei dieser einfühlsamen und klugen Aufführung zwei  federführende Tänzer auf der Bühne, die behinderte britische Künstlerin Claire Cunningham und den international tätigen Choreographen und Performer Jess Curtis. Die beiden tanzen, singen, erzählen Geschichten und stellen Fragen und ringen dabei mit den Mitteln von Performance, Musik und Video auf geradezu literarische Weise mit wichtigen Fragen über unsere Lebensgewohnheiten und die Art unserer Wahrnehmung anderer Menschen und der Welt.

Sie zeigen ein abendfüllendes Duett, das ihre jeweilige Sichtwiese auf den anderen behutsam und offen freilegt – als Mann und Frau unterschiedlichen Alters, Körperstatur und mit unterschiedlichem sozialem Hintergrund. 2005 war es Jess Curtis, der Claire Cunningham als erster in tänzerischen Bewegungsformen unterrichtete und damit ihre Karriere als eigenständige Choreographin anregte. Ein Jahrzehnt später kehren sie zu ihren Anfängen zurück, indem sie gemeinsam das philosophische Tanzstück The Way You Look (at me) Tonight kreieren.

Claire Cunningham ist auf Krücken angewiesen und tritt in ihren Arbeiten damit auf die Bühne. Im Austausch mit Jess Curtis entwickelt sie ihre Bewegungssprache immer weiter, stellt herkömmliche Sichtweisen hintergründig in Frage und zeigt anschaulich, dass Virtuosität viele Gesichter hat. The Way You Look (at me) Tonight stand auf der Shortlist für den Isadora Duncan Dance Award in der Kategorie „Herausragende Verdienste im Bereich Musik/Klang/Text“ in der Saison 2016/17.

Inszenierung Tilman Gersch
Dramaturgie und Textfassung Barbara Wendland
Mit Menschen aus Ludwigshafen und der Metropolregion Rhein-Neckar

Haben Sie Interesse, an unserem Bürgerprojekt mitzuwirken? Ein Einstieg ist jederzeit möglich, willkommen sind Menschen jeden Alters und jeder Herkunft. Weitere Informationen erhalten Sie über barbara.wendland@ludwigshafen.de.

Ein Berliner Mietshaus ist Grabstätte für allerhand Lebensträume. Ganz oben, unterm Dach, hat ein beurlaubter Theaterintendant sein provisorisches Reich errichtet. Wenigstens hier darf er noch tönen und zweifelhafte Talentförderung betreiben. Weiter unten geht die Witwe Knobbe ihren Geschäften nach. Auch sie hat bessere Tage gesehen, aber jetzt lässt sich mit den kümmerlichen Resten alten Glamours nur auf der Straße noch ein wenig Geld verdienen. Für den Alkohol reicht es grad eben, für die Kinder nicht. Im Erdgeschoss schließlich lebt Henriette John, die vor Jahren ihr Söhnchen Adelbert verlor. Ihr sehnlichster Wunsch ist seither ein weiteres Kind, aber er bleibt unerfüllt. Da kommt das schwangere Dienstmädchen Pauline Piperkarcka gerade recht. Dessen verzweifelte Lage ist Mutter Johns große Chance, und wie durch Zauberei hat sie plötzlich ein neues Adelbertchen in der Wiege liegen. Vater John ist monatelang auf Montage und schöpft keinen Verdacht. Für einen Moment scheint alles gut zu werden, aber das Schicksal lässt sich am Ende doch nicht betrügen. Alle müssen ihr Kreuz tragen. Manche gehen daran zugrunde, andere nicht.

Bürgerinnen und Bürger aus unserer Region beziehen Gerhart Hauptmanns Haus. Ihre Biographien sind höchst unterschiedlich, aber eine Erfahrung ist allen gemein: dass das Leben Enttäuschungen mit sich bringt, dass es aber auch immer weiter geht. Davon erzählen sie, mit erlebten und erfundenen Geschichten von hier und heute und mit den Figuren aus der Vergangenheit. Hauptmanns Stücktitel erscheint in einem neuen Licht: Ratten sind kluge Tiere mit starken Überlebensstrategien. Von ihnen kann der Mensch manches lernen.

Haben Sie Interesse, an unserem Bürgerprojekt mitzuwirken? Ein Einstieg ist jederzeit möglich, willkommen sind Menschen jeden Alters und jeder Herkunft. Weitere Informationen erhalten Sie über barbara.wendland@ludwigshafen.de.

Ein Berliner Mietshaus ist Grabstätte für allerhand Lebensträume. Ganz oben, unterm Dach, hat ein beurlaubter Theaterintendant sein provisorisches Reich errichtet. Wenigstens hier darf er noch tönen und zweifelhafte Talentförderung betreiben. Weiter unten geht die Witwe Knobbe ihren Geschäften nach. Auch sie hat bessere Tage gesehen, aber jetzt lässt sich mit den kümmerlichen Resten alten Glamours nur auf der Straße noch ein wenig Geld verdienen. Für den Alkohol reicht es grad eben, für die Kinder nicht. Im Erdgeschoss schließlich lebt Henriette John, die vor Jahren ihr Söhnchen Adelbert verlor. Ihr sehnlichster Wunsch ist seither ein weiteres Kind, aber er bleibt unerfüllt. Da kommt das schwangere Dienstmädchen Pauline Piperkarcka gerade recht. Dessen verzweifelte Lage ist Mutter Johns große Chance, und wie durch Zauberei hat sie plötzlich ein neues Adelbertchen in der Wiege liegen. Vater John ist monatelang auf Montage und schöpft keinen Verdacht. Für einen Moment scheint alles gut zu werden, aber das Schicksal lässt sich am Ende doch nicht betrügen. Alle müssen ihr Kreuz tragen. Manche gehen daran zugrunde, andere nicht.

Bürgerinnen und Bürger aus unserer Region beziehen Gerhart Hauptmanns Haus. Ihre Biographien sind höchst unterschiedlich, aber eine Erfahrung ist allen gemein: dass das Leben Enttäuschungen mit sich bringt, dass es aber auch immer weiter geht. Davon erzählen sie, mit erlebten und erfundenen Geschichten von hier und heute und mit den Figuren aus der Vergangenheit. Hauptmanns Stücktitel erscheint in einem neuen Licht: Ratten sind kluge Tiere mit starken Überlebensstrategien. Von ihnen kann der Mensch manches lernen.

Deutschlandpremiere
Skid
Choreographie Damien Jalet
Musik Christian Fennesz
Zusätzliche Musik Marihiko Hara
Bühne Jim Hodges, Carlos Marques da Cruz
Kostüme Jean – Paul Lespagnard
Licht Joakim Brink

Autodance
Choreographie Sharon Eyal
Ko–Choreograph Gai Behar
Musik Ori Lichtik
Kostüme und Choreographie–Assistenz Rebecca Hytting
Licht Alon Cohen

Als eine der führenden zeitgenössischen Tanzcompagnien Europas und die Größte des Nordens ist die GöteborgsOperans Danskompani wirklich ein Ensemble der heutigen Zeit. Die Gruppe konzentriert sich auf originale und exklusive Stücke, arbeitet sowohl mit bekannten Choreographen als auch mit Nachwuchskünstlern zusammen und steuert neue Ausdrucks- und innovative Kunstformen bei. Die Compagnie besteht aus 38 Tänzerinnen und Tänzern aus aller Welt und wird von der Isländerin Katrín Hall geleitet.

Skid
Die GöteborgsOperans Danskompani geht keiner Herausforderung aus dem Weg. In Skid neigt sich die Bühne in einem Winkel von 34°. Das Gefälle löst atemberaubende Kettenreaktionen und seltsam ergreifende Handlungen unter den Tänzern aus, die durch die Schwerkraft in Bewegung geraten. Die Compagnie ist geeint im Kampf gegen die Kraft, die sie hinabzieht – aber auch im Mut, die Dinge einfach geschehen zu lassen. Das Spiel von Licht und Schatten, das von den Tänzern auf dem schrägen Boden hervorgerufen wird, taucht die Szenerie in einen filmischen Glanz entrückter Schönheit. Bei seiner Premiere ein Riesenerfolg, soll Skid nun quer durch Europa an verschiedenen Theatern gezeigt werden. Der französisch-belgische Choreograph Damien Jalet erhielt 2017 zwei bedeutende Preise der Tanzwelt – den deutschen Theaterpreis Der Faust und die Auszeichnung als bester Choreograph des Jahres im Magazin Tanz.

Aufgeführt von den besten Tänzern der Welt. Dagens Nyheter

Autodance
Autodance ist die zweite Kreation, die die preisgekrönte israelische Choreographin Sharon Eyal für die GöteborgsOperans Danskompani schuf. Sie sagt, sie habe das Stück aus der Lust  an der puren Bewegung heraus choreographiert. Die Tänzer scheinen keinem Geschlecht anzugehören, ihre betonten Beine lassen sie wie kraftvolle Zentauren wirken. Autodance schließt nahtlos Tanz, Techno und Technik; manchmal explosiv, manchmal erhaben. Ein visuelles, emotionales, wohlstrukturiertes und hochästhetisches Ganzes. Sharon Eyal kreierte zusammen mit Gai Behar in den letzten zehn Jahren eine Reihe von hochgelobten Werken für bekannte Compagnien.

Hinreißend, aufwühlend und gefühlvoll. Svenska Dagbladet

Alle mal kurz das Besteck weglegen: Sascha Grammel’s neues live-Programmel ist „FAST FERTIG! „Nee, Moment, es heißt “ FAST FERTIG!“ .
Und das neue Programm ist selbstverständlich zum großen live-Tourstart im Mai 2019 „rechtzeitig fertig“, wobei Spandaus ganzer Stolz und fast-von-Natur-aus-blondgesträhnter Bauchredner-König dafür bekannt ist, noch bis zur allerletzten Minute hier und da an seiner Show zu feilen. Und das lohnt sich: Denn auch „FAST FERTIG!“ ist wieder genau das, was man zurecht von Sascha und seinem liebevoll-verrückten Puppenzoo erwarten kann: Immer lustig, manchmal albern und oft ans Herz gehend. Bauchredner-Ehrenwort!
Zu Bewundern ist die neue, unvergleichlich unbeschwerte und bunte Dauergeburtstagsparty auf ausgedehnter „FAST FERTIG!“ – Tour durch Deutschland, Österreich, der Schweiz, der Österreichischen Schweiz und dem Schweizer Deutschland. Soll heißen: bestimmt auch irgendwo in Deiner Nähe! Und pssst, streng geheim: Sascha wäre nicht Sascha, sondern sagen wir seine Oma, wenn er nicht auch bei “ FAST FERTIG!“ mindestens einen oder zwei neue Puppencharaktere „aus dem Bauch“ zaubern würde. Angeblich diesmal mit dabei: seine bisher größte und bisher kleinste Puppe. Die eine hat zwei Ohren und die andere ist der Schrecken der Meere. Oha.
Sascha Grammel „FAST FERTIG!“ – live! Kleiner Tipp: Unbedingt hingehen!!!

Von der „Generation Instagram“ lernen, heißt siegen lernen! Deswegen zeigt BÜLENT seinem Publikum nicht die kalte Schulter, sondern die rasierte Brust. Bülent macht sich zum LUSCHTOBJEKT! Optik statt Inhalt, Nippel statt Nietzsche! Kabarettpreise müssen warten. Bülent bedient als LUSCHTOBJEKT alle nur denkbaren Geschlechter und Vorlieben: osmanophile Kurpfalz-Lover, Langhaar-Fetischisten oder Liebhaber großer Nasen und kleiner Bärte… bei BÜLENT packt jeden die Wolluscht! Und wer Intelligenz sexy findet, wird natürlich auch befriedigt nach Hause gehen.
Aber BÜLENT macht sich in seinem 11. Live-Programm nicht nur selbst zum LUSCHTOBJEKT, er macht sich auch über Luschtobjekte lustig. Über seine eigenen (Frauenfüße und Gummifrösche) und über die anderer Leute. Denn heute kann offenbar alles ein LUSCHTOBJEKT sein: Autos, Schuhe, Smartphones… es gibt sogar Menschen, die Atomkraftwerke lieben. Selbst Götter sind objektophil! Und weil der Donnergott THOR bekanntlich gebürtiger Mannheimer ist, verrät er bei BÜLENT weltexklusiv und zum ersten Mal, wo, wann und wie bei ihm der Hammer hängt. Das wird luschtig, versprochen!

Seit mehr als 20 Jahren beweisen Freddy Malinowski und Martin Hein, dass die Begriffe Fantasy und Schlagererfolg untrennbar zusammengehören. Nur wenige Künstler verstehen es wie FANTASY, ihre Fans auf eine Reise in eine Phantasiewelt mit ausgelassener Partystimmung, stillen Momenten und Gedanken an Leidenschaft und Liebe mitzunehmen. Großartige Unterhaltung ist bei jedem FANTASY-Konzert garantiert! Das erfolgreiche Schlagerduo sorgt bei seinen einzigartigen Live-Konzerten für ausverkaufte Arenen und ist auch aus den großen TV-Shows nicht mehr wegzudenken. FANTASY hat sich damit definitiv in die erste Reihe der deutschsprachigen Schlagerszene eingereiht. Die Liste der Auszeichnungen, die das Duo mit den spektakulär schönen Bühnenshows verliehen bekam, ist lange. Sie umfasst neben zahlreichen Gold- und Platinauszeichnungen ihrer Alben im gesamten deutschsprachigen Raum auch sechs Echo-Nominierungen und drei, von Florian Silbereisen überreichten, „EINS der Besten“-Auszeichnungen in Folge (2017, 2018 und 2019). Ein Ende ihrer außergewöhnlichen Karriere ist noch lange nicht in Sicht und die eingeschworene Fangemeinde von FANTASY darf sich jetzt schon auf DIE GROSSE CASANOVA ARENA TOUR 2020/2021 mit vielen Überraschungsmomenten freuen.