Veranstaltungskalender Eberthalle und Pfalzbau

Ein episches Fresco von Körper und Emotion… Hofesh Shechter ist der König des dramatischen

Kontrasts. La Croix

Ein reifes und grandioses Werk … giftig, emotional und überraschend zärtlich. The Stage

Grand Finale, das jüngste, international bejubelte Werk Hofesh Shechters, ist ein verwegenes und anspruchsvolles Stück für zehn Tänzer und sechs Musiker. Komisch, rau und wunderschön zugleich, führt es eine Welt vor Augen, die im Widerspruch mit sich selbst steht, die voller anarchischer Energie und ungestümer Komik ist. Indem er diesen unbezähmbaren Charakter herausfiltert, zeigt Shechter die Vision einer Welt auf, die sich im freien Fall befindet.

Werke wie Cult, das berauschende Political Mother oder barbarians machen deutlich, dass es diesem Choreographen auf der Seele brennt, dass es ihn drängt, in seinen Kreationen Stellung zu beziehen, dass er das Bedürfnis hat, verstanden zu werden. Trotzdem legt Hofesh Shechter Wert darauf zu betonen, dass es letztlich weniger darauf ankommt, was er sich selbst bei einer Choreographie gedacht hat, sondern vielmehr darauf, dass mit den Zuschauern etwas passiert, wenn sie in der Aufführung sitzen. Ob bei ihnen dabei alles genauso ankommt, wie er es im Sinn hatte, ist für ihn eher zweitrangig. Die Zuschauer sollen sich nicht fühlen, als müssten sie eine Prüfung bestehen.

Was sich sicherlich sinnlich und intuitiv erfassen lässt, wenn man Grand Finale sieht, konkretisiert sich, wenn man die Vorüberlegungen Hofesh Shechters kennt. Es ist dieses Gefühl, das sich einstellt, wenn man die Nachrichten sieht: Dinge entgleiten der Kontrolle, Menschen geraten aus der Fassung und werden von Panik erfasst. Dennoch kann man sich des Eindrucks nicht erwehren, dass der Kollaps fast zelebriert wird. Inmitten dieses chaotischen Zustands, der apokalyptische Züge trägt, lässt sich trotzdem ein amüsanter Kern finden. Optimistisch betrachtet besteht der Zyklus des Lebens darin, dass Dinge kollabieren und man sie schließlich wieder aufbaut.

Ein episches Fresco von Körper und Emotion… Hofesh Shechter ist der König des dramatischen

Kontrasts. La Croix

Ein reifes und grandioses Werk … giftig, emotional und überraschend zärtlich.The Stage

Grand Finale, das jüngste, international bejubelte Werk Hofesh Shechters, ist ein verwegenes und anspruchsvolles Stück für zehn Tänzer und sechs Musiker. Komisch, rau und wunderschön zugleich, führt es eine Welt vor Augen, die im Widerspruch mit sich selbst steht, die voller anarchischer Energie und ungestümer Komik ist. Indem er diesen unbezähmbaren Charakter herausfiltert, zeigt Shechter die Vision einer Welt auf, die sich im freien Fall befindet.

Werke wie Cult, das berauschende Political Mother oder barbarians machen deutlich, dass es diesem Choreographen auf der Seele brennt, dass es ihn drängt, in seinen Kreationen Stellung zu beziehen, dass er das Bedürfnis hat, verstanden zu werden. Trotzdem legt Hofesh Shechter Wert darauf zu betonen, dass es letztlich weniger darauf ankommt, was er sich selbst bei einer Choreographie gedacht hat, sondern vielmehr darauf, dass mit den Zuschauern etwas passiert, wenn sie in der Aufführung sitzen. Ob bei ihnen dabei alles genauso ankommt, wie er es im Sinn hatte, ist für ihn eher zweitrangig. Die Zuschauer sollen sich nicht fühlen, als müssten sie eine Prüfung bestehen.

Was sich sicherlich sinnlich und intuitiv erfassen lässt, wenn man Grand Finale sieht, konkretisiert sich, wenn man die Vorüberlegungen Hofesh Shechters kennt. Es ist dieses Gefühl, das sich einstellt, wenn man die Nachrichten sieht: Dinge entgleiten der Kontrolle, Menschen geraten aus der Fassung und werden von Panik erfasst. Dennoch kann man sich des Eindrucks nicht erwehren, dass der Kollaps fast zelebriert wird. Inmitten dieses chaotischen Zustands, der apokalyptische Züge trägt, lässt sich trotzdem ein amüsanter Kern finden. Optimistisch betrachtet besteht der Zyklus des Lebens darin, dass Dinge kollabieren und man sie schließlich wieder aufbaut.

Der Abend präsentiert die jeweils drei besten Gruppen sämtlicher Kategorien des Wettbewerbs „It’s showtime 2018“. Das Programm vereint faszinierende Darbietungen aus den Bereichen Turnen, Tanzen, Akrobatik und Show.

Es herrschen goldene Zeiten in der Republik Venedig. Die Kapital- und Warenströme fließen, die Welt rückt zusammen, die Schuldenberge wachsen, und bis es zu dem fatalen Handel zwischen dem christlichen Kaufmann Antonio und dem verachteten jüdischen Geldverleiher Shylock kommt, scheinen alle darauf zu vertrauen, dass dies ewig so weitergehen wird.

Ein Pfund Fleisch von Antonios Körper fordert Shylock, falls der Kredit, den er ihm gewährte, nicht rechtzeitig zurückgezahlt werden kann. Der Zahltag bricht an, Antonios Untergang scheint unvermeidlich, denn Shylock dringt nun unbarmherzig auf die Begleichung der Schuld. Von Gnade will der verspottete und diskriminierte Jude nichts wissen. Sein Insistieren auf die Rechtsgültigkeit seines Anspruchs wird vor dem christlichen Gericht allerdings mit einem juristischen Kniff aus der Trickkiste des Kasperletheaters beantwortet; der entrechtete Shylock steht einmal mehr als armer Teufel und Verlierer da.

Shakespeare nannte sein Stück Der Kaufmann von Venedig eine Komödie, und Karin Beier, Intendantin des Schauspielhauses Hamburg, inszeniert das Werk, das mit seiner antisemitischen Tendenz beim heutigen Zuschauer oft Ratlosigkeit hinterlässt, in seiner ganzen Doppelbödigkeit. Zugleich schwerelose Leichtigkeit und tieftraurige Betroffenheit halten sich in dieser Aufführung souverän die Waage, in der es ein Wiedersehen mit Joachim Meyerhoff als Shylock gibt. Gnadenlos unversöhnlich ergreift dieser entschlossen die Chance, sich für jahrelange Demütigungen zu rächen und steht am Ende doch wieder als der Düpierte da. In der klug ins Heute transponierten Inszenierung sind sämtliche Rollen hervorragend besetzt: eigenständige, zuweilen skurrile Charaktere mit ausgeprägt individuellen Zügen.

In ihrer geistvoll verspielten und souverän theatralischen Inszenierung gelingt Karin Beier die Entideologisierung dieses schwierigen Werks als Commedia der Ausweglosigkeit: Was die Eltern verbocken, baden die Kinder aus, ganz egal, in welchen Gottes Namen. FAZ

Joachim Meyerhoff ist seit 2005 Ensemblemitglied des Wiener Burgtheaters. Im Rahmen der Werkschau bei den letzten Festspielen Ludwigshafen war er als Titelfigur in Arthur Schnitzlers Professor Bernhardi und in Yasmina Rezas Stück Bella Figura zu sehen. Mit seinem biographischen Roman Alle Toten fliegen hochtrat er als Erzähler auf die Bühne und wurde zum Theatertreffen 2009 eingeladen. Im Januar 2017 erhielt er die Carl-Zuckmayer-Medaille des Landes Rheinland-Pfalz. Im Mai desselben Jahres wurde Joachim Meyerhoff in der Sektion Darstellende Kunst in die Akademie der Künste aufgenommen und von der Fachzeitschrift Theater heute im September zum Schauspieler des Jahres 2017 gewählt.

Ein vielseitiges Showprogramm und eine aufwendige Saaldekoration bilden den stimmungsvollen Rahmen dieser Ballnacht. Für die musikalische Unterhaltung sorgen die Tanzband Manhattan Six und zwei Discoanlagen. Reichlich Gelegenheit zum Tanz bieten gleich zwei Tanzflächen.

Es herrschen goldene Zeiten in der Republik Venedig. Die Kapital- und Warenströme fließen, die Welt rückt zusammen, die Schuldenberge wachsen, und bis es zu dem fatalen Handel zwischen dem christlichen Kaufmann Antonio und dem verachteten jüdischen Geldverleiher Shylock kommt, scheinen alle darauf zu vertrauen, dass dies ewig so weitergehen wird.

Ein Pfund Fleisch von Antonios Körper fordert Shylock, falls der Kredit, den er ihm gewährte, nicht rechtzeitig zurückgezahlt werden kann. Der Zahltag bricht an, Antonios Untergang scheint unvermeidlich, denn Shylock dringt nun unbarmherzig auf die Begleichung der Schuld. Von Gnade will der verspottete und diskriminierte Jude nichts wissen. Sein Insistieren auf die Rechtsgültigkeit seines Anspruchs wird vor dem christlichen Gericht allerdings mit einem juristischen Kniff aus der Trickkiste des Kasperletheaters beantwortet; der entrechtete Shylock steht einmal mehr als armer Teufel und Verlierer da.

Shakespeare nannte sein Stück Der Kaufmann von Venedig eine Komödie, und Karin Beier, Intendantin des Schauspielhauses Hamburg, inszeniert das Werk, das mit seiner antisemitischen Tendenz beim heutigen Zuschauer oft Ratlosigkeit hinterlässt, in seiner ganzen Doppelbödigkeit. Zugleich schwerelose Leichtigkeit und tieftraurige Betroffenheit halten sich in dieser Aufführung souverän die Waage, in der es ein Wiedersehen mit Joachim Meyerhoff als Shylock gibt. Gnadenlos unversöhnlich ergreift dieser entschlossen die Chance, sich für jahrelange Demütigungen zu rächen und steht am Ende doch wieder als der Düpierte da. In der klug ins Heute transponierten Inszenierung sind sämtliche Rollen hervorragend besetzt: eigenständige, zuweilen skurrile Charaktere mit ausgeprägt individuellen Zügen.

In ihrer geistvoll verspielten und souverän theatralischen Inszenierung gelingt Karin Beier die Entideologisierung dieses schwierigen Werks als Commedia der Ausweglosigkeit: Was die Eltern verbocken, baden die Kinder aus, ganz egal, in welchen Gottes Namen. FAZ

Joachim Meyerhoff ist seit 2005 Ensemblemitglied des Wiener Burgtheaters. Im Rahmen der Werkschau bei den letzten Festspielen Ludwigshafen war er als Titelfigur in Arthur Schnitzlers Professor Bernhardi und in Yasmina Rezas Stück Bella Figura zu sehen. Mit seinem biographischen Roman Alle Toten fliegen hochtrat er als Erzähler auf die Bühne und wurde zum Theatertreffen 2009 eingeladen. Im Januar 2017 erhielt er die Carl-Zuckmayer-Medaille des Landes Rheinland-Pfalz. Im Mai desselben Jahres wurde Joachim Meyerhoff in der Sektion Darstellende Kunst in die Akademie der Künste aufgenommen und von der Fachzeitschrift Theater heute im September zum Schauspieler des Jahres 2017 gewählt.

Dass sich einem vermeintlich bekannten Klassiker noch ganz neue Nuancen abgewinnen lassen, zeigt Mateja Koležnik auf überraschende Weise mit ihrer streng stilisierten Inszenierung von Molières Tartuffe. Der perfide Schwindler Tartuffeschleicht sich als bescheidener Gutmensch in eine Familie ein und betört den reichen Hausherrn Orgon. Bald ist ihm jeder Besitz überschrieben und die Tochter als Braut versprochen. Orgon, ein selbstgefälliger Familiendespot, ist dem Betrüger in fanatischer Bewunderung ergebenund will die Wahrheit über ihn nicht hören; sogar Tartuffes Griff nach seiner Ehefrau Elmire entgeht ihm. Molières bittere Komödie macht plausibel, worin die Faszination jeder Art von Fundamentalismus liegt und warum auch scheinbar vernünftige Leute immer wieder auf falsche Gurus und Rattenfänger hereinfallen.

Die slowenische Regisseurin erzählt das Aufeinandertreffen von Heuchelei und Leichtgläubigkeit in einer achtzig Minuten kurzen, hochkonzentrierten Textfassung ohne jeglichen Substanzverlust. Sie verlegt die Geschichte in ein raffiniert konstruiertes Treppenhaus, in dem sich die Figuren treffen, einander belauern und bespitzeln und konspirative Pläne schmieden. Letztlich erweist sich die Scheinheiligkeit der dekadenten Familie als ebenso schändlich wie Tartuffes Hinterhältigkeit.

Koležnik nimmt Molières Komödie radikal ernst. Bar jeder Illusion führt sie das Stück mit inszenatorischer Präzision in die Gegenwart: Jede Handbewegung, jeder Schritt auf dem engen Raum ist bewusst gesetzt und hat eine Bedeutung. Ein ungemein konzentrierter Abend – fast ohne Requisiten, ganz pur, aber ein reines Vergnügen.

Mateja Koležnik arbeitete an allen großen Theatern des ehemaligen Jugoslawiens. Tartuffe ist ihre vierte von bislang fünf Inszenierungen am Münchner Residenztheater. Am Berliner Ensemble inszenierte sie im Herbst 2017 das Stück Nichts von mir von Arne Lygre.

Keltischen Zauber und schottische Lebensfreude – das können die Zuschauer erleben, wenn „The Scottish Music Parade“ mit neuem Programm am Dienstag, den 27. November um 20 Uhr nach Ludwigshafen in die Friedrich-Ebert-Halle kommt. Dudelsackspieler, Trommler, Musiker, Sänger und Tänzer, allesamt direkt aus dem schottischen Edinburgh, nehmen das Publikum einen Abend lang mit auf eine ebenso mitreißende wie abwechslungsreiche Reise durch Schottland.
Vor einer Schlosskulisse mit Türmen und Zinnen – die Nachahmung eines schottischen Castles – präsentieren die Künstler immer neue Facetten der schottischen Kultur. Brauste eben noch der eindrucksvolle Klang der Bagpipes und Drums durch die Halle und erfasste die Menschen auf den Tribünen, sorgen im nächsten Moment gefühlvolle Balladen voll Sehnsucht und Weite für berauschende Stille im Saal.
Die mitwirkenden Künstler gehören zum Besten, was Schottland zu bieten hat. Die meisten der Teilnehmer sind beim weltberühmten Edinburgh Tattoo regelmäßig mit von der Partie. Zu den Dudelsackspielern und Trommlern zählen viele Gewinner internationaler Wettbewerbe und Weltmeister auf ihren Instrumenten.

Dass sich einem vermeintlich bekannten Klassiker noch ganz neue Nuancen abgewinnen lassen, zeigt Mateja Koležnik auf überraschende Weise mit ihrer streng stilisierten Inszenierung von Molières Tartuffe. Der perfide Schwindler Tartuffeschleicht sich als bescheidener Gutmensch in eine Familie ein und betört den reichen Hausherrn Orgon. Bald ist ihm jeder Besitz überschrieben und die Tochter als Braut versprochen. Orgon, ein selbstgefälliger Familiendespot, ist dem Betrüger in fanatischer Bewunderung ergebenund will die Wahrheit über ihn nicht hören; sogar Tartuffes Griff nach seiner Ehefrau Elmire entgeht ihm. Molières bittere Komödie macht plausibel, worin die Faszination jeder Art von Fundamentalismus liegt und warum auch scheinbar vernünftige Leute immer wieder auf falsche Gurus und Rattenfänger hereinfallen.

Die slowenische Regisseurin erzählt das Aufeinandertreffen von Heuchelei und Leichtgläubigkeit in einer achtzig Minuten kurzen, hochkonzentrierten Textfassung ohne jeglichen Substanzverlust. Sie verlegt die Geschichte in ein raffiniert konstruiertes Treppenhaus, in dem sich die Figuren treffen, einander belauern und bespitzeln und konspirative Pläne schmieden. Letztlich erweist sich die Scheinheiligkeit der dekadenten Familie als ebenso schändlich wie Tartuffes Hinterhältigkeit.

Koležnik nimmt Molières Komödie radikal ernst. Bar jeder Illusion führt sie das Stück mit inszenatorischer Präzision in die Gegenwart: Jede Handbewegung, jeder Schritt auf dem engen Raum ist bewusst gesetzt und hat eine Bedeutung. Ein ungemein konzentrierter Abend – fast ohne Requisiten, ganz pur, aber ein reines Vergnügen.

Mateja Koležnik arbeitete an allen großen Theatern des ehemaligen Jugoslawiens. Tartuffe ist ihre vierte von bislang fünf Inszenierungen am Münchner Residenztheater. Am Berliner Ensemble inszenierte sie im Herbst 2017 das Stück Nichts von mir von Arne Lygre.

Bundesliga-Handball hautnah erleben: Vor der eindrucksvollen Kulisse von bis zu 2.000 Zuschauern bestreitet die Mannschaft der Eulen Ludwigshafen ihre Heimspiele in der Friedrich-Ebert-Halle. In den packenden Begegnungen können sich die Spitzensportler der Friesenheimer Eulen auf die lautstarke Unterstützung durch ihre Fans mit Trommeln und Sprechchören verlassen!

Im Vordergrund von Johan Ingers abendfüllendem Handlungsballett steht das altbekannte Drama von Liebe und Eifersucht. Doch das Carmen-Ballett des Schweden basiert nicht allein auf der Geschichte seiner weiblichen Protagonistin, sondern es konzentriert sich auch, ähnlich wie in Prosper Merimées literarischer Vorlage des Stoffes, auf Don José. Unfähig, den freiheitlichen Geist seiner Geliebten zu akzeptieren, führt ihn diese Liebe auf den Weg in eine emotionale Hölle: Eifersucht, Leidenschaft und Rache bestimmen sein Denken und sein Handeln. „Als ich diese Geschichte zum ersten Mal gelesen habe, fiel mir auf, dass sie vor allem von Gewalt handelt“, sagt Inger. Und so nimmt sein Ballett deutlich Stellung zu körperlicher Gewalt und ihren Konsequenzen. Zusätzlich lässt der Choreograph das Geschehen von einem kleinen Jungen beobachten und lädt damit das Publikum ein, die Hauptperson mit den Augen eines Kindes neu zu entdecken.

Inger choreographiert seine Carmen hauptsächlich zur Musik von Rodion Shchedrin. Der 1932 in Moskau geborene Komponist arrangierte Bizets Opernmusik neu zu einer abendfüllenden Ballettmusik für seine Frau Maya Plissezkaja, der langjährigen Primaballerina des Bolschoi-Theaters. Zusätzlich setzt Inger aber auch Musik von Marc Álvarez ein. Die technischen Resonanzklänge der eigens für dieses Stück geschriebenen und aufgenommenen Musiknummern des spanischen Komponisten Álvarez nutzt der Choreograph als Stimmungsträger für die introspektiven Sequenzen Don Josés. 2016 erhielt Johan Inger für seine Carmen den renommierten Benoisde-la-Danse-Preis.

Im Vordergrund von Johan Ingers abendfüllendem Handlungsballett steht das altbekannte Drama von Liebe und Eifersucht. Doch das Carmen-Ballett des Schweden basiert nicht allein auf der Geschichte seiner weiblichen Protagonistin, sondern es konzentriert sich auch, ähnlich wie in Prosper Merimées literarischer Vorlage des Stoffes, auf Don José. Unfähig, den freiheitlichen Geist seiner Geliebten zu akzeptieren, führt ihn diese Liebe auf den Weg in eine emotionale Hölle: Eifersucht, Leidenschaft und Rache bestimmen sein Denken und sein Handeln. „Als ich diese Geschichte zum ersten Mal gelesen habe, fiel mir auf, dass sie vor allem von Gewalt handelt“, sagt Inger. Und so nimmt sein Ballett deutlich Stellung zu körperlicher Gewalt und ihren Konsequenzen. Zusätzlich lässt der Choreograph das Geschehen von einem kleinen Jungen beobachten und lädt damit das Publikum ein, die Hauptperson mit den Augen eines Kindes neu zu entdecken.

Inger choreographiert seine Carmen hauptsächlich zur Musik von Rodion Shchedrin. Der 1932 in Moskau geborene Komponist arrangierte Bizets Opernmusik neu zu einer abendfüllenden Ballettmusik für seine Frau Maya Plissezkaja, der langjährigen Primaballerina des Bolschoi-Theaters. Zusätzlich setzt Inger aber auch Musik von Marc Álvarez ein. Die technischen Resonanzklänge der eigens für dieses Stück geschriebenen und aufgenommenen Musiknummern des spanischen Komponisten Álvarez nutzt der Choreograph als Stimmungsträger für die introspektiven Sequenzen Don Josés. 2016 erhielt Johan Inger für seine Carmen den renommierten Benoisde-la-Danse-Preis.

Zwei Menschen begegnen sich in derselben Welt. Sie nimmt diese Welt mit dem Körper auf, erkundet und spricht mit Füßen, Beinen, Po, Rücken, Armen, Kopf und Händen. Er lauscht und erkundet den Klang: Er klopft, klappert, dröhnt, klabautert, trommelt, pocht und paukt. Wie können sich die Zwei verstehen? Langsam entdecken sie, dass Bewegung Töne erzeugt und Trommeln Bewegung ist. Ohne Worte, doch voller Sprachen erzählen sie eine Geschichte vom Zauber des Entdeckens, des Erlebens und der Begegnung. Der Tanz und die Musik sind Weltsprachen, die keine Grenzen kennen. Bewegung und Töne werden unmittelbar erlebt und erfahren. Gerade deshalb eignen sie sich wunderbar für ein junges Publikum, dessen Spracherwerb noch in vollem Zuge ist. Der Perkussionist Peter Hinz und die Tänzerin Julie Pécard entwickelten mit Andrea Gronemeyer ein grenzüberschreitendes Theaterstück. Andrea Gronemeyer wurde für Tanz Trommel 2014 mit dem Deutschen Theaterpreis DER FAUST in der Kategorie „Regie Kinder- und Jugendtheater” ausgezeichnet.

Was ist Liebe? Dieser einfachen und zugleich großen Frage will Ich lieb dichnachgehen. Ein Junge und ein Mädchen befragen das Thema. Was macht Liebe aus? Einander ähnlich genug sein und zugleich verschieden genug. Einander Freiheit und Sicherheit zugleich geben. Nicht aufhören, über den anderen zu staunen und vom anderen zu lernen. Gemeinsame Ziele haben und Probleme angehen. Zusammen lachen können. Die beiden spielen die verschiedenen Möglichkeiten durch. Sie beobachten die Liebe von Menschen, die sie kennen. Denken sich aus, wie es wäre, jemand anderes zu sein. Wie lieben sich Geschwister? Wie lieben sich Freunde? Eltern und Kind, Kind und Haustier – und: Wie lieben sich Lebenspartner? Während die beiden von Spiel zu Spiel wechseln, nimmt ihre eigene Beziehung immer mehr Gestalt an. Kristo Šagor ist ein viel gespielter Autor und Regisseur vor allem für das junge Publikum. Seine Theaterstücke wurden vielfach nominiert und prämiert. Er wurde für Törleß am Jungen Schauspiel Hamburg mit dem Deutschen Theaterpreis DER FAUST 2007 in der Kategorie „Regie Kinder- und Jugendtheater” ausgezeichnet. Zuletzt inszenierte er u. a. am Deutschen Theater Berlin, Staatsschauspiel Dresden, Theater Bonn, JES – Junges Ensemble Stuttgart und am Jungen Nationaltheater Mannheim.

Beim Winterball feiern die Tanzschüler der Herbstkurse ihren Premierenball und damit zugleich den Höhepunkt zum Abschluss des Jahresprogramms der Tanzschule Nagel. Für aktuelle Musik sorgt die Live-Kapelle Rosegarden. Tanzeinlagen und Shows liefern ein abwechslungsreiches Rahmenprogramm.

Stell Dir diesen Ort vor, über den jeder spricht. Den Ort, in den wir all dies verwandeln. Diese Welt, die das Ergebnis all unserer Anstrengungen der letzten Jahre ist. Diesen Ort nennen wir Fortschritt. Wir könnten diesen Ort, diesen Planeten Pasionaria nennen. Dort leben Wesen, die uns ähneln, die auf perfekte Weise so gestaltet wurden, dass sie uns imitieren. Was wir Leben nennen, wurde in eine künstliche Landschaft verwandelt, und aus ihren Einwohnern wurden technische Geräte, die jede Form der Leidenschaft verloren haben. Die Gegenwart, in der wir leben, gibt uns eine Vorstellung von der Zukunft, in der wir einfach aufgehört haben zu fühlen. Eine Zukunft, in der wir nicht einmal mehr darauf hoffen, uns von anderen zu unterscheiden und ein eigenes Leben zu leben. Der Dichter Leopoldo María Panero schrieb: “Ich zerstöre mich selbst, um zu spüren, dass ich ich bin und nicht alle anderen.” Wir erkennen, dass Schmerz und Leidenschaft uns von Robotern und Statuen unterscheiden, und wir benutzen diese inaktiven Körper in diesem Stück, um uns selbst zu betrachten, Unterschiede festzustellen und herauszufinden, ob wir noch am Leben sind. Pasionaria stellt die emotionale Distanziertheit in Frage, auf die wir uns zubewegen. Marcos Morau und seine Tänzer regen zur Reflexion an über die Idee des Fortschritts, die uns aufgebürdet wird. Er entwirft darin die Vision einer künstlichen Welt, in die wir hinein gestoßen und gewaltsam geworfen werden, in der Individualismus und moralische Feigheit aus der gegenwärtigen Welt einen Ort schutzloser Erwachsener macht. So visualisiert er eine Zukunft, die offensichtlich zu weit weg ist.

Warum entfernt sich eine Person immer gerade dann, wenn ein menschliches Wesen zeigt, dass es Bedürfnisse und Sehnsüchte hat? Simone Weil

Wenn du die Kinder kontrollierst, kontrollierst du die Zukunft. Michel Houellebecq, Unterwerfung

Marcos Morau studierte Choreographie in Barcelona, Valencia und New York und gründete 2005 das Kollektiv La Veronal – zusammen mit Künstlern aus den Bereichen Tanz, Film, Photographie und Literatur. Seitdem wurde er mit zahlreichen Preisen ausgezeichnet und choreographiert an wichtigen Ensembles wie dem spanischen Nationalballett und dem Royal Danish Theatre in Kopenhagen.

Unter dem Pseudonym Peter Schlemihl schrieb der bayrische Autor und Journalist Ludwig Thoma viele Jahre für die Münchner Satirezeitschrift Simplicissimus. Mit beißendem Spott überzog er Anfang des 20. Jahrhunderts den bayrischen Provinzialismus genauso wie den preußischen Pickelhauben-Militarismus. Auch seine Romane sind herrliche Sittengemälde aus einer bigotten, kleinbürgerlichen Zeit. Seinen 1905 erschienenen Lausbubengeschichten hat er den Untertitel „Aus meiner Jugendzeit“ gegeben, und man ahnt, mit welcher nahezu kriminellen Energie schon der kleine Ludwig – zum Leidwesen seiner Umgebung – ausgestattet gewesen sein muss. Weil er aber seine Streiche mit wunderbarem Humor erzählt, kann ihm am Ende niemand böse sein.

Der Schauspieler Holger Stockhaus hat ein großes Talent für anspruchsvolle, hintergründige Comedy. Regelmäßig kann man das in der vielfach ausgezeichneten ZDF-Serie Sketch History bewundern, aber auch Anke Engelke hatte ihn lange Zeit in ihrem Ladykracher-Team. Ein Blick in seine Biographie zeigt, dass Stockhaus zudem ausgesprochen vielseitig ist. Im Kino wie im Fernsehen ist er häufig präsent, steht aber genauso oft auf wichtigen deutschen Schauspielbühnen wie dem Schauspiel Stuttgart, dem Deutschen Theater, der Volksbühne und dem Maxim-Gorki-Theater in Berlin.

Als Kind sehnte sich Huang Yi nach einem Roboter-Gefährten. Als Erwachsener konstruierte er dann einen Roboter, mit dem er tanzen konnte. Der gefeierte taiwanesische Tänzer und Choreograph Huang Yi und sein Roboter-Freund KUKA bringen messerscharfe Präzision und überwältigende Artistik zu den Festspielen Ludwigshafen. Indem Huang Yi & KUKA harmonisch den Tanz und die Wissenschaft mechanischer Ingenieurskunst miteinander verwebt, entsteht ein poetisches Werk, das makellos den modernen Tanz mit der Bildenden Kunst und der Welt der Roboter verbindet. Im Zusammenwirken zwischen realen Tänzern und KUKA, einem von Huang programmierten Roboter, erzeugt das Stück eine tiefe Humanität. Zu zarter und melancholischer Klaviermusik agieren der mit einem grellen Laserstrahl ausgestattete Roboter KUKA und die Tänzer auf geradezu betörend schöne Weise. Kann es menschliche Nähe zwischen einem künstlichen Wesen und dem Menschen geben?

Ich wollte uns alle an unsere grundlegendste Hoffnung von Beginn an erinnern, dass wir nur Kinder sind, aber eben erwachsene Kinder. – Huang Yi

Bundesliga-Handball hautnah erleben: Vor der eindrucksvollen Kulisse von bis zu 2.000 Zuschauern bestreitet die Mannschaft der Eulen Ludwigshafen ihre Heimspiele in der Friedrich-Ebert-Halle. In den packenden Begegnungen können sich die Spitzensportler der Friesenheimer Eulen auf die lautstarke Unterstützung durch ihre Fans mit Trommeln und Sprechchören verlassen!

Als Kind sehnte sich Huang Yi nach einem Roboter-Gefährten. Als Erwachsener konstruierte er dann einen Roboter, mit dem er tanzen konnte. Der gefeierte taiwanesische Tänzer und Choreograph Huang Yi und sein Roboter-Freund KUKA bringen messerscharfe Präzision und überwältigende Artistik zu den Festspielen Ludwigshafen. Indem Huang Yi & KUKA harmonisch den Tanz und die Wissenschaft mechanischer Ingenieurskunst miteinander verwebt, entsteht ein poetisches Werk, das makellos den modernen Tanz mit der Bildenden Kunst und der Welt der Roboter verbindet. Im Zusammenwirken zwischen realen Tänzern und KUKA, einem von Huang programmierten Roboter, erzeugt das Stück eine tiefe Humanität. Zu zarter und melancholischer Klaviermusik agieren der mit einem grellen Laserstrahl ausgestattete Roboter KUKA und die Tänzer auf geradezu betörend schöne Weise. Kann es menschliche Nähe zwischen einem künstlichen Wesen und dem Menschen geben?

Ich wollte uns alle an unsere grundlegendste Hoffnung von Beginn an erinnern, dass wir nur Kinder sind, aber eben erwachsene Kinder. – Huang Yi

Achtung: Besuch erst ab 14 Jahren

Wer war zuerst untreu – Mann oder Frau? Um diese Frage zu beantworten, spielt der französische Dichter Marivaux den Sündenfall durch einen makaberen Menschenversuch nach. Dafür werden in seinem Stück Der Streit zwei Mädchen und zwei Jungen von der Mitwelt isoliert, aufgezogen ausschließlich von ihren beiden Erziehern. Als junge Erwachsene begegnen sie sich zum ersten Mal – streng beobachtet von einem Prinzen und seiner Gattin. Sie gehen Beziehungen, Allianzen und Liebeleien ein und spiegeln dabei die Themen unserer Zeit: Beziehungsmodelle, sexuelle Selbstbestimmung und die Machtverhältnisse unter den Geschlechtern.

Der österreichische Shootingstar Nikolaus Habjan inszeniert das seltsame Experiment über den Ursprung der Untreue mit Schauspielern und lebensgroßen Puppen, die von den Akteuren auf der Bühne geführt werden. Während der Prinz und seine Fürstengattin durch groteske Klappmaulpuppen verkörpert werden, erscheinen die jungen Liebenden als überdimensionierte Gliederpuppen. Auf hinreißende Weise beleben die Schauspieler ihre Figuren in einer klinisch weißen Menschenversuchsanstalt. Die Puppen werden zu ausdrucksstarken Persönlichkeiten – erschreckend menschlich und doch abstrakt. Mit minimalen Bewegungen der Gliedmaßen stellen die Akteure intensive Gefühlsregungen dar und führen ihre unterleibslosen Puppen durch das Experiment der sexuellen Liebe, indem sie ihnen bei Bedarf ihre sich spreizenden und zuckenden Beine leihen. In dieser ebenso witzigen wie verstörenden Anordnung wird die Frage nach dem Ursprung der Untreue zu einer Farce und der freie Wille des Individuums zur Illusion. Denn allesamt werden letztlich von fremder Hand zur Untreue geführt.

Der dreißigjährige Österreicher Nikolaus Habjan – Puppenspieler und –bauer, Musiktheaterregisseur, Kabarettist, Schauspieler, Stimmenimitator und Kunstpfeifer – wird in seiner Heimat als „Master of Puppets“ gefeiert. Mit seiner Vorliebe für den Einsatz lebensgroßer Klappmaulpuppen im Regietheater mischte das quirlige Multitalent bereits das Wiener Volkstheater auf und verfolgt dabei zuweilen auch eine gesellschaftspolitische Mission. Nikolaus Habjan erhielt den Nestroy-Theaterpreis und wurde zu zahlreichen Festivals eingeladen.

Für Habjan hat Theater in erster Linie mit Lust zu tun – und nicht mit Mühe. Und diese Lust sieht man auf der Bühne seinen Darstellern, seinen Puppen und auch ihm selbst an. Die deutsche Bühne

Achtung: Besuch erst ab 14 Jahren

Wer war zuerst untreu – Mann oder Frau? Um diese Frage zu beantworten, spielt der französische Dichter Marivaux den Sündenfall durch einen makaberen Menschenversuch nach. Dafür werden in seinem Stück Der Streit zwei Mädchen und zwei Jungen von der Mitwelt isoliert, aufgezogen ausschließlich von ihren beiden Erziehern. Als junge Erwachsene begegnen sie sich zum ersten Mal – streng beobachtet von einem Prinzen und seiner Gattin. Sie gehen Beziehungen, Allianzen und Liebeleien ein und spiegeln dabei die Themen unserer Zeit: Beziehungsmodelle, sexuelle Selbstbestimmung und die Machtverhältnisse unter den Geschlechtern.

Der österreichische Shootingstar Nikolaus Habjan inszeniert das seltsame Experiment über den Ursprung der Untreue mit Schauspielern und lebensgroßen Puppen, die von den Akteuren auf der Bühne geführt werden. Während der Prinz und seine Fürstengattin durch groteske Klappmaulpuppen verkörpert werden, erscheinen die jungen Liebenden als überdimensionierte Gliederpuppen. Auf hinreißende Weise beleben die Schauspieler ihre Figuren in einer klinisch weißen Menschenversuchsanstalt. Die Puppen werden zu ausdrucksstarken Persönlichkeiten – erschreckend menschlich und doch abstrakt. Mit minimalen Bewegungen der Gliedmaßen stellen die Akteure intensive Gefühlsregungen dar und führen ihre unterleibslosen Puppen durch das Experiment der sexuellen Liebe, indem sie ihnen bei Bedarf ihre sich spreizenden und zuckenden Beine leihen. In dieser ebenso witzigen wie verstörenden Anordnung wird die Frage nach dem Ursprung der Untreue zu einer Farce und der freie Wille des Individuums zur Illusion. Denn allesamt werden letztlich von fremder Hand zur Untreue geführt.

Der dreißigjährige Österreicher Nikolaus Habjan – Puppenspieler und –bauer, Musiktheaterregisseur, Kabarettist, Schauspieler, Stimmenimitator und Kunstpfeifer – wird in seiner Heimat als „Master of Puppets“ gefeiert. Mit seiner Vorliebe für den Einsatz lebensgroßer Klappmaulpuppen im Regietheater mischte das quirlige Multitalent bereits das Wiener Volkstheater auf und verfolgt dabei zuweilen auch eine gesellschaftspolitische Mission. Nikolaus Habjan erhielt den Nestroy-Theaterpreis und wurde zu zahlreichen Festivals eingeladen.

Für Habjan hat Theater in erster Linie mit Lust zu tun – und nicht mit Mühe. Und diese Lust sieht man auf der Bühne seinen Darstellern, seinen Puppen und auch ihm selbst an. Die deutsche Bühne

Felix Mendelssohn Bartholdy – Der 42. Psalm „Wie der Hirsch schreit“
Josef Rheinberger – „Der Stern von Bethlehem“

Mitwirkende:

Hannah Gries, Sopran
Richard Logiewa, Bariton
Beethovenchor Ludwigshafen
Kurpfälzisches Kammerorchester
Musikalische Leitung: Tristan Meister

Psalmtexte inspirierten Mendelssohn während seines gesamten Schaffens. Er hinterließ neben A-cappella-Sätzen fünf große Orchesterpsalmen. Eines der schönsten Werke ist zweifellos die Psalmkantate Wie der Hirsch schreit für Soli, gemischten Chor und Orchester aus den Jahren 1837 und 1838. Die Psalmkantate wurde zu Lebzeiten des Komponisten häufig aufgeführt und auch vom selbstkritischen Mendelssohn als eine seiner besten Kirchenkompositionen eingeschätzt. Robert Schumann bewertete 1837 den 42. Psalm als „die höchste Stufe, die er [Mendelssohn] als Kirchenkomponist, ja die neuere Kirchenmusik überhaupt, erreicht hat“. Bei dem Text handelt es sich um den ersten Psalm des zweiten Psalmenbuches in der Übersetzung Martin Luthers, den Mendelssohn fast vollständig vertont. Der zentrale Gedanke der Zuversicht und des Vertrauens auf Gott findet seine musikalische Entsprechung in dem einprägsamen Motiv auf den Text „Preis sei dem Herrn“, das in einer groß angelegten, prachtvollen und gewaltigen Fuge ausgeführt wird. Sie erinnert in ihrer melodischen und architektonischen Macht an ähnliche Sätze des großen Händel: ein musikalischer Ausdruck unerschütterlicher Gotteszuversicht. Rheinbergers Stern von Bethlehem ist ein stimmungsvolles und lyrisches Werk, das sich aufgrund der ähnlichen Besetzung gut mit Mendelssohns Psalmkantate aufführen lässt. In neun Szenen wird das Weihnachtsgeschehen lyrisch untermalt. Liedhafte und pastorale Chöre, eine innige Sopranpartie und nicht zuletzt der exotisch anmutende Zug der Weisen durch die Wüste sichern dem 1890 entstandenen Werk große Beliebtheit.

Der alte geizige Geschäftsmann Scrooge will nichts von Weihnachten wissen. Jedes Jahr sieht er dem Fest der Freude und der Liebe murrend entgegen. Dies ändert sich, als ihm in der Weihnachtsnacht der Geist seines verstorbenen Arbeitskollegen erscheint, der zu Lebzeiten habgierig war und nun in Ketten liegt. Er warnt Scrooge vor den Folgen, den sein Geiz und seine Abneigung gegenüber Mitmenschen nach sich ziehen werde. Außerdem prophezeit er ihm die Begegnung mit den drei Geistern der vergangenen, gegenwärtigen und zukünftigen Weihnacht, die ihm einen ebenso erschreckenden wie wirkungsvollen Einblick in seine verschiedenen Lebenswelten gewähren.

Die Inszenierung von Richard Clodtfelder nimmt den Zuschauer mit auf eine lustige, lebhafte, aber auch nachdenkliche Reise durch die Vergangenheit, Gegenwart und Zukunft des alten Griesgrams und lässt sie teilhaben an dessen wachsender Erkenntnis, wie wichtig Familie und Freunde im Gegensatz zu schnödem Mammon doch sind.

Es war einmal ein kleiner Onkel. Der kleine Onkel war sehr einsam. Niemand kümmerte sich um ihn, obwohl er sehr nett war. Alle fanden ihn zu klein. Und dann fanden sie auch noch, dass er albern aussah mit seinem komischen Hut. Deswegen war niemand nett zu dem kleinen Onkel. Nachts weinte er manchmal, weil er so traurig war. Eines Tages aber hatte er eine Idee. Auf einen Zettel schrieb er „Kleiner Onkel sucht einen Freund“ und heftete ihn an einen Baum. Zufrieden ging er nach Hause und wartete. Zehn Tage und zehn Nächte lang wartete der kleine Onkel. Als er am elften Morgen erwachte, saß ein Hund neben seinem Bett… Die Geschichte vom kleinen Onkel erzählt mit wenigen Worten, poetischen Bildern, dem Stummfilm verwandten Stilmitteln und viel Musik von der Sehnsucht, einen Freund zu haben, und von der Erkenntnis, dass Teilen nicht Verlieren bedeutet.

Auch 2018 geht’s auf Grund der Riesennachfrage und mit zahlreichen Zusatzshows noch ein letztes Jahr auf große „ICH FIND‘ S LUSTIG“-Hallentour durch Deutschland & Österreich. Und nach Pompolompusien (vielleicht). Aber ganz bestimmt in Deine Nähe! Alle Puppen sind wieder mit an Bord auf Grammels Gute Laune-Kahn! Für Rätselfreunde: angeblich sind ein Aquarium, Luftballons, Konfetti und ein großes Stück Käse ins Grammel-Spaßbüro geliefert worden. Es sieht also wiedermal ganz nach einer typisch rundum grammeligen Puppet-Comedy-Show mit verrückter Comedy aus – mit leisen, auch bewegenden Momenten, jeder Menge herrlicher Albernheiten und irrer Überraschungen! Mehr wird aber noch nicht verraten!

Mitwirkende

Kerem Hasan Dirigent

Maia Cabeza Violine

Programm

Leopold Mozart Musikalische Schlittenfahrt
Alexander Glasunow Konzert für Violine und Orchester a-Moll, op. 82
Ludwig van Beethoven Sinfonie Nr. 3 Es-Dur, op. 55 „Eroica“

Beschreibung
Kurz vor den Fest- und Feiertagen lädt das Weihnachtskonzert der Bürgerstiftung in besonderer Weise dazu ein, sich an fantastische Orte zu träumen: Dabei regt vor allem die „musikalische Schlittenfahrt“ die Fantasie an. Eine leidenschaftliche, schier unerschöpfliche Gedankenquelle ist auch Beethovens „Eroica“ – als sinfonischer Meilenstein wurde sie zum Schlüsselwerk des 19. Jahrhunderts. Weniger bekannt, aber in seinem spätromantischen Stil ganz dem Klangidiom Brahms verpflichtet, brilliert die virtuose Violinistin Maia Cabeza mit Alexander Glasunows Violinkonzert.

Weihnachten ist der schönste Tag im Jahr, darüber sind sich alle einig. Nur der geizige Ebenezer Scrooge kann mit gemütlichem Beisammensein um den Tannenbaum, mit Kerzenlicht und vor allem mit Geschenken überhaupt nichts anfangen. Selbst an Heiligabend hat er kein offenes Ohr für die Nöte und Sorgen seiner Mitmenschen, sondern zählt lieber sein Geld. In der Weihnachtsnacht allerdings kommt es zu einer eigentümlichen und weitreichenden Begegnung: Ebenezer Scrooge erscheint im Traum sein verstorbener Geschäftspartner Marley und warnt ihn vor der ewigen Verdammnis, wenn er sich nicht ändert. Kurz darauf bekommt Scrooge Besuch von den Geistern der vergangenen, der gegenwärtigen und der zukünftigen Weihnacht. Die drei bereiten ihm eine ganz besondere Bescherung… Bereits 1843 schrieb Charles Dickens seine Weihnachtsgeschichte, die auch heute noch Kinder und Erwachsene fasziniert. Ebenezer Scrooge wird am Heiligen Abend von Geistern besucht, und der Zuschauer darf miterleben, wie der herzlose alte Mann zu einem liebenswerten Unterstützer der Armen wird.

Moderation Tilman Gersch

Weingut Bergdolt, Neustadt an der Weinstraße

In Kooperation mit der Städtischen Musikschule Ludwigshafen

O Fortuna! Die Anrufung der mächtigen Schicksalsgöttin, deren Rad sich unerbittlich dreht, eröffnet und beschließt die dreiteilige Sammlung weltlicher Gesänge Carmina Burana von Carl Orff. Skizziert werden die Höhen und Tiefen des menschlichen Lebens – von der Freiheit der Liebe bis hin zur Furcht vor dem unentrinnbaren Schicksal. Die Faszination für Carl Orffs Vertonung ist seit ihrer Uraufführung 1937 ungebrochen und schlägt ihre Zuhörer mit klangtrunkener Fülle, pulsierender Rhythmik und perkussionsgeladener Orchestration in den Bann. Am Badischen Staatstheater Karlsruhe wurden die Carmina Burana als spartenübergreifendes Großereignis realisiert. Das Stück ist eine Hommage an eine bedeutende Persönlichkeit des Hauses: den 2016 verstorbenen ehemaligen Ballettdirektor Germinal Casado, der diese Choreographie einst kreierte. Casado verwandelte Orffs weltberühmte Komposition in ein opulentes sinnliches Tanzfest voller archaischer Wucht und poetischer Schönheit. Nach Casados Tod machte sein Lebenspartner Giulio Ragnoli Ballettdirektorin Birgit Keil und ihrem Karlsruher Ensemble dieses Werk zum Geschenk. Die Neueinstudierung unter der musikalischen Leitung von Generalmusikdirektor Justin Brown ist eine Verneigung des Hauses vor seinem Ehrenmitglied, das den Tanz zeit seines Lebens als eine universelle grenzenlose Kunst gefeiert hat.

Seit 2003 ist Birgit Keil Ballettdirektorin am Badischen Staatstheater Karlsruhe. Davor war sie, insbesondere als Primaballerina am Stuttgarter Ballett unter der Leitung von John Cranko, eine Tänzerin von Weltrang mit Sologastauftritten u. a. an der Opéra de Paris, La Scala Mailand, beim American Ballet Theatre New York, Royal Ballet London und an der Wiener Staatsoper. Das Badische Staatsballett Karlsruhe konnte unter ihrer Leitung seinen Ruf weit über die Region hinaus festigen und findet durch das vielfältige Repertoire klassischer und moderner Ballette zunehmend auch internationale Beachtung. Als Professorin lehrt Birgit Keil an der Akademie des Tanzes der Staatlichen Hochschule für Musik und Darstellende Kunst in Mannheim, deren Leitung ihr im Juli 1997 übertragen wurde. Mit der Spielzeit 2018/19 verlässt sie das Badische Staatstheater Karlsruhe.

Bundesliga-Handball hautnah erleben: Vor der eindrucksvollen Kulisse von bis zu 2.000 Zuschauern bestreitet die Mannschaft der Eulen Ludwigshafen ihre Heimspiele in der Friedrich-Ebert-Halle. In den packenden Begegnungen können sich die Spitzensportler der Friesenheimer Eulen auf die lautstarke Unterstützung durch ihre Fans mit Trommeln und Sprechchören verlassen!

Musical Comedy in zwei Akten

Musik von George Stiles
Buch und Gesangstexte von Anthony Drewe
Deutsch von Stephan Kopf, Zelma und Michael Millard

Seit einigen Jahren hat sich an den Pfalzbau Bühnen ein junges Musical-Ensemble etabliert. Unter der professionellen Leitung der Regisseurin und Choreographin Iris Limbarth entstehen anspruchsvolle, energiegeladene und charmante Aufführungen mit jungen Darstellerinnen und Darstellern aus Ludwigshafen. Die neue Produktion Honk! ist ein großartiges Stück für die ganze Familie, das von der Integration eines Außenseiters handelt. „Draußen wird dich jemand lieben, wie du bist“ – unter diesem Motto spielt das bezaubernde Musical nach Hans Christian Andersens berühmtem Märchen vom hässlichen Entlein, das sich in einen stolzen Schwan verwandelt. Der Protagonist Gnomy wird von seinen Geschwistern und anderen Tieren wegen seines Aussehens geärgert und ausgegrenzt. Verzweifelt verlässt er sein Zuhause und glaubt in seiner jugendlichen Naivität in einem Kater einen Freund gefunden zu haben. Doch auch hier lässt die Enttäuschung nicht lange auf sich warten: Der Kater sieht in Gnomy nur seine nächste Mahlzeit. Währenddessen sucht Gnomys Mutter Ida ihren verschwundenen Sohn. Bereits zum vierten Mal bringt Iris Limbarth mit Jugendlichen aus Ludwigshafen und Umgebung ein Musical auf die Bühne des Theaters im Pfalzbau. Nach den großen Erfolgen der vorherigen Produktionen verspricht auch diese Aufführung mit Tanz, Gesang, viel Witz und liebevoller Gestaltung wieder ein unterhaltsames Erlebnis für Groß und Klein zu werden.

Musical Comedy in zwei Akten

Musik von George Stiles
Buch und Gesangstexte von Anthony Drewe
Deutsch von Stephan Kopf, Zelma und Michael Millard

Seit einigen Jahren hat sich an den Pfalzbau Bühnen ein junges Musical-Ensemble etabliert. Unter der professionellen Leitung der Regisseurin und Choreographin Iris Limbarth entstehen anspruchsvolle, energiegeladene und charmante Aufführungen mit jungen Darstellerinnen und Darstellern aus Ludwigshafen. Die neue Produktion Honk! ist ein großartiges Stück für die ganze Familie, das von der Integration eines Außenseiters handelt. „Draußen wird dich jemand lieben, wie du bist“ – unter diesem Motto spielt das bezaubernde Musical nach Hans Christian Andersens berühmtem Märchen vom hässlichen Entlein, das sich in einen stolzen Schwan verwandelt. Der Protagonist Gnomy wird von seinen Geschwistern und anderen Tieren wegen seines Aussehens geärgert und ausgegrenzt. Verzweifelt verlässt er sein Zuhause und glaubt in seiner jugendlichen Naivität in einem Kater einen Freund gefunden zu haben. Doch auch hier lässt die Enttäuschung nicht lange auf sich warten: Der Kater sieht in Gnomy nur seine nächste Mahlzeit. Währenddessen sucht Gnomys Mutter Ida ihren verschwundenen Sohn. Bereits zum vierten Mal bringt Iris Limbarth mit Jugendlichen aus Ludwigshafen und Umgebung ein Musical auf die Bühne des Theaters im Pfalzbau. Nach den großen Erfolgen der vorherigen Produktionen verspricht auch diese Aufführung mit Tanz, Gesang, viel Witz und liebevoller Gestaltung wieder ein unterhaltsames Erlebnis für Groß und Klein zu werden.

Berlin / Los Angeles – Mit Fanfaren ins Filmmusik-Konzert: die großartigen symphonischen Klangwelten von Hans Zimmer sind erstmals am ….in…zu erleben. Kaum ein Komponist hat mit seinen überwältigenden Kompositionen die Welt des Films so sehr geprägt wie der Oscar-, Globe- und Emmy-Gewinner. Die Besucher erwartet ein spektakulärer musikalischer Abend in großer Aufführung mit Orchester, Chor, Solisten und einer Licht- und Laserinszenierung. Hans Zimmer wird mit einer Interview-Videoeinspielung zu sehen und zu hören sein.

Der deutschstämmige Hans Zimmer wurde mit „Rain Main“ berühmt und hat seitdem zahlreiche Mega-Hits aus Hollywood zu Erfolg und dramatisch-emotionaler Wirkung verholfen, so u.a. „Mission Impossible“, „Gladiator“, „Fluch der Karibik“ sowie zuletzt „Interstellar“ und „Batman vs. Superman“. Für den Filmscore zu Christopher Nolans „Dunkirk“ erhielt Hans Zimmer 2018 seine elfte Oscar-Nominierung. „The Music of Hans Zimmer & More – A Celebration of Filmmusic“ wird von dem Hollywood Philharmonic Orchestera sowie einem Chor und internationalen Solisten präsentiert, mit einer beeindruckenden Licht- und Lasershow, Projektionen sowie ausgewählten Filmeinspielungen. „The Music of Hans Zimmer & More – A Celebration of Filmmusic“ ist ein unvergessliches audiovisuelles Konzertereignis.

Mit Billy Boyd – Pippin – Darsteller aus den Filmen / J. R. R. Tolkiens Meisterwerk als Live-Konzert mit Orchester, Chor und dem Tolkien-Ensemble sowie den Welterfolgen von Oscar-Preisträger Howard Shore, Annie Lennox, Enya und Ed Sheeran / mit einem Beitrag von „Saruman“- Darsteller Sir Christopher Lee.

AUENLAND – Die fantastische Welt der Hobbits und Elben aus J.R.R. Tolkiens „Herr der Ringe“ kommt als Konzert mit symphonischen Orchester und Chor nach …..STADT. In einer zweistündigen Abendaufführung wird die sagenhafte Trilogie in einem einmaligen musikalischen Ereignis zum Leben erweckt. Von bedrohlichen Klängen Mordors und dem schrillen Angriff der schwarzen Reiter bis hin zu den wunderschönen lyrischen Melodien der Elben – fast 100 Mitwirkende werden den Pfalzbau in einen musikalischen Schauplatz Mittelerdes verwandeln.

Als Erzahler und Sanger ist PIPPIN-Darsteller Billy Boyddabei. Neben der Schauspielerei arbeitet Billy Boyd auch als Sänger, Musiker und Komponist. Er spielt einige Musikinstrumente, wie Gitarre, Bass und Schlagzeug und singt sowohl Bariton als auch Tenor. In Der Herr der Ringe: Die Rückkehr des Königs sang er das Lied The Edge of Night (in dem Stück The Steward of Gondor), eine eigene Komposition zu Tolkiens Text. Des Weiteren sang er The Last Goodbye, für den Abschluss der Hobbit-Trilogie Der Hobbit: Die Schlacht der Fünf Heere.

Howard Shore, der die Musik für die Filmtrilogie „Herr der Ringe“ und „Der kleine Hobbit“ komponiert hat, wurde für diese mit einem Oscar ausgezeichnet. Seine Leitmotive lassen wie bereits bei Richard Wagners Ring 2
das Publikum leibhaftig spüren, wenn der Ring seine Macht entfaltet und den Träger aller Macht korrumpiert. Eine Parabel, die bestens auch ins heutige „Trump-Zeitalter“ passt.

Ein besonderes Highlight ist der Auftritt von Ben Becker, der nach der BIBEL dem nächsten Monumentalwerk seinen Stempel aufdrückt und das Publikum mit seiner unnachahmlichen Stimme beeindruckt. Ben Becker wird durch die Geschichte führen und den Fans nach dem Auftritt zur Verfügung stehen.

Mit der Musik und Songs aus u.a. die Eiskönigin, Der König der Löwen, Toy Story, Das Dschungelbuch, Alice im Wunderland, Schneewittchen und die 7 Zwerge, Pocahontas, 101 Dalmatiner, Fluch der Karibik & Krieg der Sterne! / Mit Solisten aus König der Löwen!

ENTENHAUSEN – Was wären Disneys fliegende Elefanten mit ihren gigantischen Segelohren, die sprechenden Mäuse und tollpatschige Enteriche ohne die Filmmusik! Zauberhafte Solisten und das Hollywood Philharmonic Orchestra werden den Besuchern das schönste Weihnachtsgeschenk des Jahres bescheren: „The Walt Disney Musical Gala“.

Ein nicht allzu böser Wolf wird durch das Programm führen, allerdings nicht ganz ungestört von drei frechen Schweinchen, die mit den Kindern im Publikum allerlei Schabernack und Gesangsproben vorhaben. Die Besucher können in die musikalischen Disney Welten eintauchen:

es erwartet sie eine fantastische musikalische Reise durch die ganze Welt, ein Parforceritt durch abenteuerliche Dschungel und exotische Strände, über Sonnenwiesen und tiefe Wälder, bis in weit entfernte Galaxien. Attraktive Projektionen und das Hollywood Philharmonic Orchestra bieten ein einzigartiges Live-Erlebnis, bei dem die schönsten Filmmelodien aus Disney-Filmen, erstklassige Solisten u.a. aus dem König der Löwen und ein herausragendes Programm für ein einmaliges Konzerterlebnis sorgen.

La Fresque zeigt eine Gruppe wunderschöner junger Frauen, die ihre Haare offen tragen und deren geheimnisvolle Melancholie einen ungeheuren Sog ausübt. Unmerklich scheinen sie sich einem Tanz hinzugeben, der in eine faszinierende Traumwelt führt. Die beiden erschöpften Reisenden, die in einem Tempel Unterschlupf gefunden haben, stehen gebannt vor diesem Schauspiel träumerischer Poesie, und ehe er sich‘s versieht, ist einer der jungen Männer in diesen Kosmos der Schönheit übergetreten und taucht in eine andere Dimension ein, in der ganz eigene Gesetze gelten. Zeit und Raum fließen hier ineinander, die Realität verlangsamt sich eigentümlich, verborgene Begierden drängen an die Oberfläche, mysteriöse Geschichten aus der Welt des Traumes scheinen plötzlich real. Sehnsucht und Hingabe nehmen den Besucher gefangen, und in den rhythmischen Klängen, die ihn unerbittlich in seinen Bann schlagen, nimmt er erst allmählich die tiefen Stimmen war, die ihn sachte zur Ordnung und in die Realität zurückrufen.

Angelin Preljocajs neue Choreographie widmet sich einem alten Menschheitstraum: der Durchdringung der getrennten Sphären von Kunst und Realität. Inspirieren ließ sich der Choreograph, der sich in seinen Werken gerne märchenhaften Erzählungen widmet – unvergesslich z.B. seine Schneewittcheninterpretation Blanche Neige – von einer bekannten chinesischen Sage. Sie erzählt von einer Reise in jene Dimension, in der ein Bild den Zugang zur Transzendenz eröffnet und das reale menschliche Wesen in Einklang mit dem Gemälde tritt. Im Tanz schafft Preljocaj eine sinnliche Verbindung zwischen statischer Abbildung und Bewegtheit, zwischen Leben und Leblosigkeit. Metaphorisch dafür stehen die Haare der Frauen, seit jeher Sinnbild für Lebenskraft und Erotik, die als riesige poetische Projektionen die Szenerie beherrschen und den traumhaften Charakter des Stückes malerisch unterstreichen. Auch wir, die Zuschauer, können uns dem Zauber dieses Tanzmärchens kaum entziehen.

La Fresque zeigt eine Gruppe wunderschöner junger Frauen, die ihre Haare offen tragen und deren geheimnisvolle Melancholie einen ungeheuren Sog ausübt. Unmerklich scheinen sie sich einem Tanz hinzugeben, der in eine faszinierende Traumwelt führt. Die beiden erschöpften Reisenden, die in einem Tempel Unterschlupf gefunden haben, stehen gebannt vor diesem Schauspiel träumerischer Poesie, und ehe er sich‘s versieht, ist einer der jungen Männer in diesen Kosmos der Schönheit übergetreten und taucht in eine andere Dimension ein, in der ganz eigene Gesetze gelten. Zeit und Raum fließen hier ineinander, die Realität verlangsamt sich eigentümlich, verborgene Begierden drängen an die Oberfläche, mysteriöse Geschichten aus der Welt des Traumes scheinen plötzlich real. Sehnsucht und Hingabe nehmen den Besucher gefangen, und in den rhythmischen Klängen, die ihn unerbittlich in seinen Bann schlagen, nimmt er erst allmählich die tiefen Stimmen war, die ihn sachte zur Ordnung und in die Realität zurückrufen.

Angelin Preljocajs neue Choreographie widmet sich einem alten Menschheitstraum: der Durchdringung der getrennten Sphären von Kunst und Realität. Inspirieren ließ sich der Choreograph, der sich in seinen Werken gerne märchenhaften Erzählungen widmet – unvergesslich z.B. seine Schneewittcheninterpretation Blanche Neige – von einer bekannten chinesischen Sage. Sie erzählt von einer Reise in jene Dimension, in der ein Bild den Zugang zur Transzendenz eröffnet und das reale menschliche Wesen in Einklang mit dem Gemälde tritt. Im Tanz schafft Preljocaj eine sinnliche Verbindung zwischen statischer Abbildung und Bewegtheit, zwischen Leben und Leblosigkeit. Metaphorisch dafür stehen die Haare der Frauen, seit jeher Sinnbild für Lebenskraft und Erotik, die als riesige poetische Projektionen die Szenerie beherrschen und den traumhaften Charakter des Stückes malerisch unterstreichen. Auch wir, die Zuschauer, können uns dem Zauber dieses Tanzmärchens kaum entziehen.

Keine andere Band in der Geschichte der Popmusik hat der Welt ein derartig fantastisches musikalisches Gesamtwerk geschenkt wie die vier Schweden Agnetha Fältskog, Anni-Frid Lyngstad, Björn Ulvaeus und Benny Andersson. Keiner anderen Band ist es gelungen, sage und schreibe vier Generationen an Fans und Musikliebhabern so zu fesseln und zu begeistern wie die Band ABBA es erreicht hat.
Mit “Waterloo” eroberte ABBA die weltweiten Charts und die Herzen der Menschen im Sturm! Der Sieg beim Grand Prix in Brighton 1974 machte die sympathischen Schweden über Nacht zur bekanntesten Pop-Band dieser Zeit. Es folgte Hit auf Hit: “Mamma Mia”, “SOS“, “Super Trouper”, “Knowing Me Knowing You”, “Chiquitita”, “Money Money Money” und viele mehr!
ABBA – The Tribute Concert fängt die Faszination dieser großartigen Band und der dazugehörigen Ära perfekt ein. ABBAMUSIC, bestehend aus acht italienischen Vollblutmusikern, lässt die großen Hits detailgetreu erklingen, LIVE und dennoch in musikalischer Studioqualität. Eine professionelle Lichtshow unterstreicht mit den knalligen Farben der Siebziger den unverwechselbaren Retro-Look.

Der alte Faust ist seines Lebens und seiner Forschungen überdrüssig. Eigentlich will er sich das Leben nehmen, doch der teuflische Mephisto verspricht ihm neue Jugend – für den Preis seiner Seele. Faust schreckt zurück, doch da lässt Mephisto das Bild Margaretes aufscheinen. Von dieser Vision verzaubert, geht Faust den höllischen Pakt ein, dessen Opfer die unschuldige Margarete wird. Verführt und geschwängert von Faust, dann von ihm sitzen gelassen, endet sie von allen verstoßen und von ihrem Bruder Valentin verflucht als Kindsmörderin im Kerker. Fausts Reue kommt zu spät … Charles Gounod beschäftigte sich erstmals in Italien mit Goethes Faust-Dichtung. Jahre später kam er darauf zurück, als er 1856 den Auftrag für eine Oper am Pariser Théâtre Lyrique bekam. Gemeinsam mit den versierten Librettisten Jules Barbier und Michel Carré konzipierte Gounod, der als Kirchenmusiker bis dahin kaum Affinität zur Bühne hatte, seinen Faust als Nummernoper mit gesprochenen Dialogen und Melodramen. In dem gewaltigen Kosmos von Goethes Dichtung konzentrierten sich die drei Autoren vor allem auf die Gretchen-Tragödie, weshalb die Oper in Deutschland lange unter dem Titel Margarete lief. Die Uraufführung 1859 am Théâtre Lyrique wurde mit einiger Zurückhaltung aufgenommen – das Werk wurde als „zu deutsch“ empfunden. Zu einem Welterfolg wurde die Oper erst in der für die Pariser Opéra 1869 durchkomponierten Fassung, bei der die Dialoge durch knappe verbindende Rezitative ersetzt wurden.

Die besten Vereinsmannschaften Ludwigshafens spielen zum 38. Mal um den Titel des Stadtmeisters im Hallenfußball. In vier Vorrundengruppen qualifizieren sich die 16 besten Teams der Stadt für das Finale im Wettbewerb um den Titelgewinn.

Weggehen, ausbrechen, frei sein: „Wie froh bin ich, dass ich weg bin!“. Wut und Unruhe stecken in dem jungen Mann, der als Goethes Werther zu einer Kultfigur seiner und aller folgenden Epochen wurde. Getrieben von einer unbändigen Sehnsucht nach Freiheit und nach dem Leben im Hier und Jetzt, macht er sich auf den Weg, Grenzen zu überschreiten und Neuland zu betreten. Jeder Baum und jeder Strauch erscheint im Lichte seiner Freiheit wie ein kleines Wunder. Und als er dann auch noch Lotte begegnet, ist es um ihn geschehen. Obwohl er bald erfährt, dass Lotte schon vergeben ist, begehrt er sie weiter mit kindlichem Trotz, einem fast hilflosen: ICH WILL, ICH WILL, ICH WILL! Werther ist vollkommen erfüllt von einem Gefühl des jugendlichen Totaloptimismus, das ihm ständig suggeriert: Alles ist möglich! Dieses Grundgefühl hat er gemeinsam mit Generationen junger Menschen, die aus der Geborgenheit ihrer Jugend aufbrechen und hin- und hergerissen sind zwischen dem Wunsch, Kind zu bleiben und der Notwendigkeit, erwachsen zu werden. Dieses Gefühl existiert überall auf der Welt – natürlich auch im Kosovo, dem jüngsten Staat Europas. In einer Koproduktion mit dem Theater Ferizaj, Qendra Multimedia in Prishtina und dem Goethe Institut zeigen die Pfalzbau Bühnen die universelle Liebesgeschichte des jungen Werther in albanischer Sprache mit deutschen Übertiteln.

Der alte Faust ist seines Lebens und seiner Forschungen überdrüssig. Eigentlich will er sich das Leben nehmen, doch der teuflische Mephisto verspricht ihm neue Jugend – für den Preis seiner Seele. Faust schreckt zurück, doch da lässt Mephisto das Bild Margaretes aufscheinen. Von dieser Vision verzaubert, geht Faust den höllischen Pakt ein, dessen Opfer die unschuldige Margarete wird. Verführt und geschwängert von Faust, dann von ihm sitzen gelassen, endet sie von allen verstoßen und von ihrem Bruder Valentin verflucht als Kindsmörderin im Kerker. Fausts Reue kommt zu spät … Charles Gounod beschäftigte sich erstmals in Italien mit Goethes Faust-Dichtung. Jahre später kam er darauf zurück, als er 1856 den Auftrag für eine Oper am Pariser Théâtre Lyrique bekam. Gemeinsam mit den versierten Librettisten Jules Barbier und Michel Carré konzipierte Gounod, der als Kirchenmusiker bis dahin kaum Affinität zur Bühne hatte, seinen Faust als Nummernoper mit gesprochenen Dialogen und Melodramen. In dem gewaltigen Kosmos von Goethes Dichtung konzentrierten sich die drei Autoren vor allem auf die Gretchen-Tragödie, weshalb die Oper in Deutschland lange unter dem Titel Margarete lief. Die Uraufführung 1859 am Théâtre Lyrique wurde mit einiger Zurückhaltung aufgenommen – das Werk wurde als „zu deutsch“ empfunden. Zu einem Welterfolg wurde die Oper erst in der für die Pariser Opéra 1869 durchkomponierten Fassung, bei der die Dialoge durch knappe verbindende Rezitative ersetzt wurden.

Was bedeutet es, seine eigene Lebensgeschichte zu schreiben? Seit 25 Jahren setzt sich der englische Choreograph Wayne McGregor in seinen Choreographien mit der Verbindung von Kunst und Wissenschaft, mit der Auswirkung von technologischem Fortschritt auf den Tanz auseinander. Er sucht die Verbindung zu einer Vielzahl von künstlerischen und wissenschaftlichen Bereichen, um das Wesen der verkörperten Wahrnehmung zu untersuchen, und experimentiert immer wieder mit der Frage, wie sich das Leben durch die Erfahrung des Körpers ausdrückt, der sich intelligent in Raum und Zeit bewegt. Der dünne, geschmeidige und charismatische Mann mit der Glatze wurde nicht nur mit zahlreichen Bühnenpreisen ausgezeichnet, sondern besitzt auch einen akademischen Abschluss in Semiotik und ist Forschungsmitglied an der kognitionswissenschaftlichen Fakultät der Universität Cambridge. Er wird in einem Atemzug genannt mit den anderen großen Intellektuellen des Tanzes, mit Merce Cunningham und William Forsythe.

In seinem neuen Stück richtet McGregor seine Aufmerksamkeit auf den Körper in seiner Funktion als Archiv. Er beginnt mit einem Zyklus von choreographischen Portraits, beleuchtet durch die Sequenzierung, also Entschlüsselung seines eigenen Genoms. Die erste dieser Studien, Autobiography, eine abstrakte Meditation über Aspekte des Selbst, des Lebens und des Schreibens, beschäftigt sich mit den Bruchstücken sowohl vergangener Erinnerungen als auch einer möglichen Zukunft. Indem sich McGregors choreographischer Abdruck über seinen persönlichen Memoiren und seinem genetischen Code in einem kontinuierlichen Prozess fortschreibt, entfaltet sich Autobiography in jeder einzelnen Aufführung von neuem und immer wieder anders: Leben, das sich selbst ein neues Leben schreibt.

Die Sitzung präsentiert Stars der Fernseh-Fastnacht live auf der Eulen-Bühne im Ludwigshafener Pfalzbau.

Die junge Hündin Kaschtanka verliert auf einem Spaziergang ihren Herrn, den Tischler Luka, und findet nicht mehr nach Hause zurück. Monsieur George, ein Zirkusclown und Dompteur, entdeckt die frierende Kaschtanka auf der Straße und nimmt sie bei sich auf. Kaschtanka lernt die fremde Welt des Zirkus kennen und wird Mitglied einer ungewöhnlichen Zirkustruppe. Zusammen mit Gänserich Iwan, Kater Fjodor und dem Schwein Chawronja bereitet sie sich auf das Leben einer Artistin vor. Als Iwan stirbt, muss Kaschtanka ihn bereits am kommenden Abend ersetzen. Doch da entdeckt sie ihr früheres Herrchen im Publikum… Vorhang auf für ein Stück Weltliteratur für Kinder mit Live-Musik, echten Darstellern und unglaublichen Kunststücken – kommen Sie, schauen Sie, tauchen Sie ein in die Welt des Zirkus!

Tschechows Tierfabel handelt vom Weggehen und Ankommen, von Mut in der Fremde und neuen Freunden. Die Mummpitz-Version ist eine fröhlich-musikalische Übersetzung dafür. (…) So kann Theater ausgezeichnet funktionieren. Nürnberger Nachrichten

Der Haarwasserfabrikant Gottlieb Biedermann ist entrüstet über die Vorfälle in seiner Stadt, die seiner herzkranken Gattin Babette den Schlaf und ihm die Gemütsruhe am Stammtisch rauben. Die Zeitungen berichten von Hausierern, die sich im Dachboden wohlmeinender Bürger einnisten und sich später als Brandstifter entpuppen. Eines Abends steht ein Unbekannter in der Tür. Gottlieb Biedermann ist alarmiert: Brandstifter, nichts als Brandstifter! Aber statt dem Fremden entschieden die Tür zu weisen, besinnt er sich auf seinen guten Ton als bestens informierter und aufgeklärter Bürger – und bietet dem Unbekannten eine Bleibe an. Bald wird der Dachboden offensichtlich als Lager für Benzinfässer genutzt, und als plötzlich ein zweiter Gast auftaucht, wird die Situation brenzlig. Biedermann sucht Rettung in der Freundschaft mit den Brandstiftern, die – so hofft er – einem braven Bürger sicher nicht das Eigenheim anzünden. Bis die ganze Stadt in Flammen steht.

Das Stück entlarvt präzise eine Geisteshaltung, die der Technik des Totalitären zum Erfolg verhilft. Biedermann und die Brandstifter ist eine politische Parabel, die ihre kritische Kraft nicht aus der Entlarvung der Lüge bezieht, sondern aus der Inszenierung der biedermännischen Wehrlosigkeit gegenüber Verbrechern, die von Anfang an kein Geheimnis aus ihren wahren Zielen machen. Das „Lehrstück ohne Lehre“ gehört seit Jahren nicht nur zum Theaterrepertoire, sondern auch zum Lektürekanon im Deutschunterricht und ist angesichts der aktuellen politischen und gesellschaftlichen Entwicklungen vielleicht brisanter als je zuvor.

Moderation Tilman Gersch

Weingut Knipser, Laumersheim

In Kooperation mit der Städtischen Musikschule Ludwigshafen

Der Haarwasserfabrikant Gottlieb Biedermann ist entrüstet über die Vorfälle in seiner Stadt, die seiner herzkranken Gattin Babette den Schlaf und ihm die Gemütsruhe am Stammtisch rauben. Die Zeitungen berichten von Hausierern, die sich im Dachboden wohlmeinender Bürger einnisten und sich später als Brandstifter entpuppen. Eines Abends steht ein Unbekannter in der Tür. Gottlieb Biedermann ist alarmiert: Brandstifter, nichts als Brandstifter! Aber statt dem Fremden entschieden die Tür zu weisen, besinnt er sich auf seinen guten Ton als bestens informierter und aufgeklärter Bürger – und bietet dem Unbekannten eine Bleibe an. Bald wird der Dachboden offensichtlich als Lager für Benzinfässer genutzt, und als plötzlich ein zweiter Gast auftaucht, wird die Situation brenzlig. Biedermann sucht Rettung in der Freundschaft mit den Brandstiftern, die – so hofft er – einem braven Bürger sicher nicht das Eigenheim anzünden. Bis die ganze Stadt in Flammen steht.

Das Stück entlarvt präzise eine Geisteshaltung, die der Technik des Totalitären zum Erfolg verhilft. Biedermann und die Brandstifter ist eine politische Parabel, die ihre kritische Kraft nicht aus der Entlarvung der Lüge bezieht, sondern aus der Inszenierung der biedermännischen Wehrlosigkeit gegenüber Verbrechern, die von Anfang an kein Geheimnis aus ihren wahren Zielen machen. Das „Lehrstück ohne Lehre“ gehört seit Jahren nicht nur zum Theaterrepertoire, sondern auch zum Lektürekanon im Deutschunterricht und ist angesichts der aktuellen politischen und gesellschaftlichen Entwicklungen vielleicht brisanter als je zuvor.

Der israelische Choreograph Itzik Galili steht für psychologisch scharf durchleuchtete Situationen – und im Companydirektor Eric Gauthier finden sich viele Talente. Als Solist im klassischen Ballett, als Gitarrist einer Pop-Band, als Direktor einer zeitgenössischen Tanzcompagnie, als Tanzvermittler par excellence und als charmanter Entertainer schwimmt er auf der Bühne wie ein Fisch im Wasser. Nun hat Itzik Galili, der „Regisseur unter den Choreographen“, ein abendfüllendes Tanzstück für Eric Gauthier kreiert. The Gift handelt von einem Mann, der auf der Suche nach sich selbst ist. Aus Angst vor der Begegnung mit der inneren Welt hält er seine Erinnerungen fest verschlossen in Gläsern und Behältnissen. Wie eine Sammlung bilden diese Erinnerungen Türen in sein Leben. Um hinter die eigene Fassade zu blicken und mit Hilfe eines Lügendetektors die Wahrheit über sich herauszufinden, begibt er sich in ein Verhör. Die Zuschauer werden Zeuge einer Selbstbefragung, durch die der verwundbare Mensch hinter den Kulissen sichtbar wird. Choreographien, Lieder, Popsongs und Szenen formen den Abend zu einem vielfältigen Kaleidoskop. The Gift ist ein Geschenk an das Publikum, eine Danksagung an die Kunst, an das Leben und die Liebe.

Nuhr hier, nur heute

In „Nuhr hier, nur heute“ gibt Dieter Nuhr alle der Lächerlichkeit preis, die die Welt mit primitiven Ideen beglücken wollen: Ideologen, Populisten und sonstige Heilsprediger. Nuhr entzieht ihnen durch die Kraft des Humors die gedankliche Geschäftsgrundlage. Bei ihm geht es immer ums Ganze, um Glauben, Verschwörung und Verdauung, um Liebe, Tod und die Sprengkraft des Schnarchens. Im klassischen Kabarett ist die Welt schlecht und voller Skandale. Für Nuhr ist sie besser als ihr Ruf. Seine Botschaft ist: Es gibt ein Leben vor dem Tod. Wir müssen nur damit anfangen. Ein Abend mit Dieter Nuhr ist ein perfekter Start.

Rache ist süß. Seit Anbeginn der Zeit treibt die Lust an der Vergeltung ansonsten ehrwürdige Menschen zu Mord und Totschlag. In Aischylos’ Orestie ist sie das zentrale Handlungsmotiv und führt zu einer grausamen Verkettung von Gewalttaten. Gibt es ein Entkommen aus der schicksalhaften Rachespirale, die sich durch einen Fluch in jeder Generation fortsetzt? Diese Frage stellt die junge Regisseurin Johanna Wehner in ihrer preisgekrönten Inszenierung an die Orestie. Auf großartige Weise macht sie die Aktualität des antiken Stoffes deutlich, ohne ihn banal auf die heutige Zeit zu übertragen. Am Ende fragt die Göttin Athene, ob die Menschen Gerechtigkeit oder Rache suchen. Ob sie ihr Handeln durch Vernunft und Verantwortung leiten lassen oder durch einen alten Fluch rechtfertigen wollen, der das ständige Morden vorherbestimmt. Wehner siedelt die Geschichte um Orest und seinen Rachemord an der Mutter und ihrem Liebhaber in der morbiden Atmosphäre einer baufälligen Villa an, die durch Licht und Musik noch betont wird. Die neun Darsteller treten mal als antiker Chor und mal in individuellen Rollen auf. Mal ist ihr Sprechen stark rhythmisiert, mal ergänzen sie gegenseitig ihre Sätze. Eine fulminante Ensembleleistung, geführt durch eine präzise Choreographie. In der Stimmenvielfalt zeigt sich das Nachdenken über die zentrale Frage: Verantwortung übernehmen und die Rachespirale unterbrechen oder sich in der Masse wegducken?

Für ihre Inszenierung von Roland Schimmelpfennigs Der goldene Drache am Staatstheater Stuttgart wurde Johanna Wehner vom Magazin Theater heute mehrfach als beste Nachwuchsregisseurin nominiert. Sie hat u.a. in München, Heidelberg, Jena, Freiburg, Frankfurt und Stuttgart gearbeitet, leitete in der Spielzeit 2013/14 zusammen mit Alexander Eisenach und Ersan Mondtag das Regiestudio des Schauspiels Frankfurt und war zuletzt Oberspielleiterin am Theater Konstanz. Ihre Orestie wurde 2017 in der Kategorie „Regie Schauspiel“ mit dem Deutschen Theaterpreis DER FAUST ausgezeichnet.

Das auf dem gleichnamigen Spielfilm basierende Musical Catch me if you can erzählt die Geschichte des Trickbetrügers Frank, dessen kriminelle Karriere zunächst mit recht primitiven Versuchen der Scheckfälschung beginnt, ihm aber schließlich viel Geld einbringt. Euphorisch von seinen Erfolgen, gibt er sich nun, aus Bewunderung für diesen Beruf, erfolgreich als Pilot aus und bewirbt sich schließlich aus Liebe zu einer Krankenschwester auf die Stelle eines Oberarztpostens, obwohl er kein Blut sehen kann. Auch ist ihm das FBI auf den Fersen und zwingt ihn zu einem Leben auf der Flucht. Frank schafft es über Jahre hinweg, sich Geld zu ergaunern, Frauenherzen zu erobern und seinen ärgsten Verfolgern immer wieder ein Schnippchen zu schlagen, bis er sich ernsthaft verliebt… Mit viel Tanz, Gesang, Witz, wilden Verfolgungsjagden, Ohrwürmern und Liveband verzaubern die 16 Darsteller knapp zwei Stunden lang das Publikum. Die mitreißende, auf wahren Begebenheiten beruhende Geschichte über Gerechtigkeit, Gaunerei und Liebe bietet Liebhabern des Films, Musicalgängern und Familien beste Unterhaltung. In den Hauptrollen begeistern Walther Plathe und Ilja Richter.

Die Hochzeit des Figaro (Le nozze di Figaro) war die erste Zusammenarbeit zwischen Mozart und dem Wiener Hofdichter Lorenzo Da Ponte, der Don Giovanni und Così fan tutte folgen sollten. Der Komponist selbst soll den Stoff nachBeaumarchais‘ vorrevolutionärer Komödie La folle journée, ou Le mariage de Figaro aus dem Jahr 1781 vorgeschlagen haben – ein Wagnis, denn eine Aufführung der Komödie war wegen der politischen Tendenzen in Wien verboten. Der gedruckte Lesetext war von diesem Verbot jedoch nicht betroffen. Erzählt wird, wie Figaro und Susanna, Kammerdiener und Zofe von Graf und Gräfin Almaviva, nur gegenWiderstände und allerlei Intrigen die Erlaubnis zu ihrer Heirat erringen können. Auch wenn er das feudale Recht der ersten Nacht aufgehoben hat, stellt der Graf Susanna nach, während die Gräfin über die erloschene Liebe ihres Mannes trauert.Zudem macht Marcellina ein altes Heiratsversprechen Figaros geltend und der junge Cherubino, der zugleich in alle Frauen des Schlosses verliebt ist, trägt das Seine zu einem turbulenten erotischen Verwirrspiel bei, das Shakespeares Sommernachtstraum nahe kommt. Nicht zuletzt die Tiefe von Mozarts Musik lässt indie Seele der Figuren blicken, die Grenzen von Opera buffa und Opera seria werden aufgehoben, Graf und Gräfin wie Diener und Dienerin werden auf derselben Ebene als Menschen gezeigt.

Die Hochzeit des Figaro (Le nozze di Figaro) war die erste Zusammenarbeit zwischen Mozart und dem Wiener Hofdichter Lorenzo Da Ponte, der Don Giovanni und Così fan tutte folgen sollten. Der Komponist selbst soll den Stoff nachBeaumarchais‘ vorrevolutionärer Komödie La folle journée, ou Le mariage de Figaro aus dem Jahr 1781 vorgeschlagen haben – ein Wagnis, denn eine Aufführung der Komödie war wegen der politischen Tendenzen in Wien verboten. Der gedruckte Lesetext war von diesem Verbot jedoch nicht betroffen. Erzählt wird, wie Figaro und Susanna, Kammerdiener und Zofe von Graf und Gräfin Almaviva, nur gegenWiderstände und allerlei Intrigen die Erlaubnis zu ihrer Heirat erringen können. Auch wenn er das feudale Recht der ersten Nacht aufgehoben hat, stellt der Graf Susanna nach, während die Gräfin über die erloschene Liebe ihres Mannes trauert.Zudem macht Marcellina ein altes Heiratsversprechen Figaros geltend und der junge Cherubino, der zugleich in alle Frauen des Schlosses verliebt ist, trägt das Seine zu einem turbulenten erotischen Verwirrspiel bei, das Shakespeares Sommernachtstraum nahe kommt. Nicht zuletzt die Tiefe von Mozarts Musik lässt indie Seele der Figuren blicken, die Grenzen von Opera buffa und Opera seria werden aufgehoben, Graf und Gräfin wie Diener und Dienerin werden auf derselben Ebene als Menschen gezeigt.

Guoda Gedvilaite ist eine litauische Pianistin die intensiv zwischen Vilnius und Frankfurt lebt. Sie ist eine der berühmtesten und innovativsten Musikpersönlichkeiten ihres Landes mit regelmäßigen Solo, kammermusikalischen Engagements und Orchesterauftritten, die im nationalen Fernsehen und Radio gesendet werden. Das Kammerorchester Klaipėda zählt zu den jüngsten und dynamischsten professionellen Kammerorchestern in Litauen. Einen festen Platz für seine kreative Arbeit sowie administrative Unterstützung fand das 1992 gegründete Streicher-Ensemble in der Konzerthalle der baltischen Hafenstadt Klaipėda, dem ganzjährig aktiven Zentrum des dortigen Musiklebens. Aktuell zählt das Kammerorchester 21 Mitglieder. Es hat keinen festen Dirigenten und unterscheidet sich dadurch von anderen Kammerorchestern, in erster Linie aber durch seinen ausgeprägten Ensemble-Charakter. Die professionelle Reife und die Klangqualität lagen von Anfang an in den Händen talentierter Streicher.

Das Konzertprogramm wird von G. Gedvilaitė und vom Kammerorchester Klaipėda zusammengestellt. Es baut eine musikalische Brücke zwischen Litauen und Deutschland, wobei es zwei wichtige Ereignisse in den Mittelpunkt stellt – die 100-jährige Unabhängigkeit Litauens und den 200. Geburtstag der deutschen Pianistin und Komponistin Clara Schumann. Begegnung von Romantik und Gegenwart.

Clara Schumann – Klavierkonzert a – Moll
Raminta Serksnyte – De Profundis für Streichorchester
Woiciech Kilar – Orawa
Nijole Sinkeviciute – Crossroad Rites
Robert Schumann – Klavierkonzert a – Moll

Deutsch – Litauisches Programm
FOKUS: Frauen – Komponistinnen präsentieren hochvirtuose Werke für Orchester und Klavier
Zwei Klavierkonzerte an einem Abend

Solisten: Guoda Gedvilaite – Klavier
Mindaugas Backus – Violoncello und künstlerische Leitung.

Das Kammerorchester spielt ohne Dirigenten. Leitung übernimmt die Solistin und der Konzertmeister.

Golden Days präsentiert zwei zurückliegende Choreographien Johan Ingers, Rain Dogs und BLISS, die durch ein neues kurzes Solo, Birdland, miteinander verbunden sind. Rain Dogs und BLISS sind zwei markante Werke, die Jahre zuvor entstanden und konzeptionell und choreographisch weit voneinander entfernt sind: sie laden den Betrachter in zwei unterschiedliche Welten ein, obwohl sie wiederkehrende Themen in Johan Ingers Werk illustrieren: Verlust, Wechsel und die sich daraus ergebenden Konsequenzen. Das Solo Birdland zieht die Verbindung zwischen diesen beiden unterschiedlichen Lebensphasen, in einem rauen und rebellischen Schlag gegen alle Veränderungen im Leben. Das Konzept und was den Abend zusammenhält ist natürlich die Auswahl der Musik: Tom Waits, Patti Smith und Keith Jarrett. Durch ihre Musik und ihre Kunst haben diese Musiker eine ganze Generation beeinflusst und ihr geholfen, einen großen Wandel herbeizuführen. Wir fühlen eine Art Nostalgie und betrachten diese Zeit – besonders von heute aus gesehen – als einen Ort, an dem alles einfach und frei erschien.

Wenn wir älter werden, denken wir oft über unsere Lebensreise nach, und ich schaue ein für alle Mal mit einem zufriedenen Lächeln auf meinen Weg zurück, als die Dinge noch freundlich und sorgenfrei waren. Das waren goldene Tage! Johan Inger

Da sind sie wieder, unsere lieben alten Freunde. Nein, nicht die beiden Helden des Kultfilms The Blues Brothers, sondern ihre kleinen Brüder, deren Auftritt auf der Hinterbühne unseres Theaters inzwischen Tradition hat. Wie ihre Vorbilder schwärmen The Little Blues Brothers für den Kuschelrock der sechziger und siebziger Jahre (des letzten Jahrhunderts…) und bringen so ziemlich alles mit, was er an Romantischem zu bieten hat: Die größten Hits der Beatles und der Stones, dazu die schönsten Balladen von Simon & Garfunkel, Neil Young, Pink Floyd und wie sie alle heißen. Zwischen den Songs halten die beiden ihre Gäste mit ihrer ganz eigenen Art von Entertainment bei Laune. Ihre Songs nehmen sie ernst, sich selbst nicht. Es ist angerichtet: Get together by the Stehblues!

Essen kann sich mitunter ganz schön dahinschleppen. Oder es artet regelrecht in eine Plage aus, es wird herumgekleckert und es herrscht ein Heidenlärm. Bis die Kinder zu hören bekommen: Iss deinen Teller auf, spiel nicht mit dem Essen herum, sonst verschwinde gefälligst von hier. Aber was dann? Irgendwo abwarten, bis sich die Gemüter beruhigt haben? Plötzlich sind die Kinder verschwunden und verstecken sich irgendwo im Haus. Das macht Spaß und ist aufregend für die Kinder, für die Eltern aber kann es der reinste Alptraum sein. Während sie versuchen, die Kinder aufzuspüren, wächst ihre Verzweiflung. Die niederländische Tanzcompagnie DeStilte hat für ihre neueste Kreation erstmals mit zwei international bekannten Komponisten zusammengearbeitet und wirft die Frage auf: Wer benimmt sich hier eigentlich daneben?

 Ain’t misbehaving beschäftigt sich mit den kurzen Momenten, in denen Kinder unbeobachtet sind und der Aufmerksamkeit ihrer Eltern entwischen. Dann können sie die Gelegenheit nutzen, das ganze Haus zu erkunden und daraus mit ihrer Phantasie ein großes Abenteuer zu machen. Kinder genießen diese Entdeckerfreude und Erwachsene, die sich an ihre Kindheit erinnern, wissen das auch zu schätzen. Omroep Brabant

Ein stadtneurotisches Kindergartenkind strandet auf einem Therapiebauernhof. Doch die Tiere sind längst online und chatten über die Frage: gibt es ein Leben vor Lidl? Die Mama des Kindes scheitert an ihrer heillosen Selbstoptimierung, während das städtische Krankenhaus zum frischen Start-up aufrüstet und Geschäftsmodelle wie Selfie-Geburt und Do-it-yourself-Sterben entdeckt. In einer einzigartigen Mischung aus Kabarett, Theater und Musik beleuchtet Katalyn Bohn Entfremdung und Überforderung in Zeiten der Totaldigitalisierung. Sie besingt Sitzheizungen und Atomkraftwerke, entlarvt den Online-Zauber und bringt federleicht Aufstieg und Fall der Menschheit auf den Punkt. „Ausgefallen, frech, gigantisch“ – findet die Presse. 2017 gewann Katalyn Bohn den Recklinghäuser Nachwuchs-Kabarett Preis „Kleiner Hurz“. Im selben Jahr wurde sie für verschiedene Preise nominiert: den Reinheimer Satire Löwe, den Melsunger Kabarettpreis „Scharfe Barte“ und als Vereinsmeisterin der Lach- und Schießgesellschaft München, außerdem 2018 für den Klagenfurter Kabarettpreis „Herkules“.

Katalyn Bohn studierte Schauspiel und Pantomime an der Folkwang Hochschule in Essen. Für ihr Abschluss-Soloprogramm erhielt sie 2004 den Folkwang- Preis. Anschließend war sie langjähriges Mitglied am Hessischen Staatstheater Wiesbaden, gastierte an weiteren Theatern und spielte in diversen Film- und Fernsehproduktionen mit. Seit 2016 ist sie fortlaufend in der Sitcom Leider lustig auf KIKA zu sehen. 2014 entwickelte sie ihr erstes Solo-Kabarettprogramm Miss Geschicke, mit dem sie bundesweit auf Tournee ging.

Die Ludwigshafener Altweiberfasnacht in der Friedrich-Ebert-Halle genießt bei Besuchern aus der gesamten Metropolregion seit vielen Jahren Kultstatus. Für ausgelassene Stimmung sorgt Jens Huthoff & Band. Bis in die frühen Morgenstunden wird zu Live-Musik und DJ-Sounds getanzt und der Start in die heiße Phase der Fasnacht ausgiebig gefeiert.

Er ist ein ewiger Mieter im Hotel Mama: Marc, der vor ein paar Monaten mit Ach und Krach sein Abi geschafft hat, kennt keine anderen Pläne als schlafen, fernsehen, kiffen, den Kühlschrank leerfressen und Party machen – und das natürlich inklusive Wäschewasch-Service in elterlicher „Vollpension“. Das treibt besonders Vater Gerd zur Weißglut, der als leitender Bauingenieur eines internationalen Konzerns lösungsorientiertes Handeln gewöhnt ist. Genauso könnte man einen Pudding nach dem Sinn des Lebens fragen, klagt er. Auch Mutter Bettine weiß keinen Rat. Was haben diese Eltern nur falsch gemacht? Aber dann lernt Marc Selma kennen, die in puncto Zielstrebigkeit sein genaues Gegenteil ist: Sie holt an der Abendschule ihr Abi nach, hat zwei Jobs und kümmert sich noch dazu um ihre psychisch labile Mutter Heidrun, die als Köchin in einer Werkskantine arbeitet. Aus den beiden ungleichen Neunzehnjährigen wird ein Liebespaar. Endlich scheint es aufwärts zu gehen mit Marcs Antriebskraft, und da ist Selma auch schon schwanger. Sofort startet Bettines und Gerds Fürsorge-Wahn. Sie machen sich an die Zukunftsplanung für Sohn und Enkelkind in spe. Dafür sind Eltern ja schließlich da! Nur Selma und Marc hat noch niemand gefragt …

Turbulente Dschungel-Action über Freundschaften, die Grenzen überwinden: Im energiegeladenen Musical „Dschungelbuch“ erwacht der Urwald zum Leben. Mogli und seine tierischen Freunde nehmen Klein und Groß mit auf eine abenteuerliche Reise.
Mit großem Herz und viel Humor kommt der zeitlose Bestseller von Rudyard Kipling über das mutige Findelkind und Dschungelbuch-Liebling Balu als rasantes Live-Erlebnis mit eigens komponierten Musical-Hits auf die Bühne. Das für seine fantasievollen Familienshows bekannte Theater Liberi inszeniert eine moderne und kreative Fassung für Kinder und Kindgebliebene.
Musical-Macher schaffen unvergessliche Show mit furiosem Happy-End
Bestens ausgebildete Musical-Darsteller bringen dank mitreißender Songs, temporeicher Choreographien und witziger Dialoge Leben in den Urwald. Mit einem farbenfrohen Bühnenbild und eindrucksvollen Kostümen entsteht die prachtvolle Dschungelwelt. Die bunte Reise durch den geheimnisvollen Urwald wird mit Licht- und Nebeleffekten stimmungsvoll in Szene gesetzt.
Freunde und Feinde machen Moglis Dschungelleben zum großen Abenteuer
Mithilfe seines treuen Freundes und Lehrers Balu und dem weisen Panther Baghira erlernt Mogli die Gesetze des Dschungels, um in das Wolfsrudel aufgenommen zu werden. Dabei erlebt er den Urwald mit all seinen Schönheiten. Aber auch den Gefahren: Der dreisten Affenbande, der hypnotisierenden Schlange Kaa und vor allem dem gefährlichen Tiger Shir Khan! Und als ihm dann noch das Mädchen aus dem Dorf begegnet, steht Moglis Welt endgültig auf dem Kopf…

Cabaret der 1920er und 1930er Jahre: Es war bunt, es war schrill, es war zart und unberechenbar. Die Schauspielerinnen Jana Kühn und Isa Weiß präsentieren zusammen mit Pianist Thomas Möckel an diesem Abend größtenteils vergessene Perlen dieser untergegangenen Bühnenkunst. Sie wurden durch die Künstlergruppe im Günther-Neumann-Archiv, Mainzer Kabarett Archiv und Schweizer Kabarett Archiv wiederentdeckt, entstaubt, abgehört und aufgeschrieben. Unter der Regie von Julia Kunert und in den grandiosen Kostümen von Cornelia Kolditz tauchen sie ein in die Welt der Conférenciers, Albernheiten und tiefsinnigen Doppeldeutigkeiten.

Der Abend wurde gefördert von der Günter-Neumann-Stiftung, Berlin.

Souverän, mit viel Lust auch an der Persiflage, präsentieren die beiden Diven Lieder von Friedrich

Hollaender bis Kurt Tucholsky. Ob als Halbweltdamen oder kampflustige Feministinnen, einfache Hausmädchen oder einsame Frauenherzen – viele Sorgen, Zumutungen und Abgründe der frühen Jahre des 20. Jahrhunderts scheinen zu Beginn des 21. Jahrhunderts fortzuleben.

Schweriner Volkszeitung

Lisa, eine junge Wiener Adelige, verliebt sich in den chinesischen Prinzen Sou-Chong, der als Gesandter seines Heimatlandes in Wien Dienst tut. Als dieser überraschend nach China zurückberufen wird, entschließt sie sich, ihn zu heiraten und mit ihm zu gehen. In China jedoch muss Lisa feststellen, dass ihr Sou-Chongs Liebe allein nicht über die Fremdheit der Kultur hinweghilft. Als Sou-Chong auf Drängen seines Onkels Tschang nach Landessitte vier Mandschumädchen heiraten soll, realisiert Lisa, dass sie sich niemals in China zu Hause fühlen wird. Sie folgt ihrem Heimweh und kehrt nach Wien zurück.

Das Land des Lächelns ist zweifellos die erfolgreichste Operette aus Franz Lehárs späterer  Schaffensphase. Wie in anderen Werken der Epoche folgt Lehár hier der allgemeinen Vorliebe für ferne Länder und exotische Spielorte nach dem Ersten Weltkrieg. Victor Léon, Textdichter der Lustigen Witwe, riet Lehár zu der chinesischen Geschichte, doch wurde Die gelbe Jacke 1923 in Wien alles andere als ein Erfolg. Erst nach einer gründlichen Überarbeitung sechs Jahre später eroberte die Operette vom Berliner Metropoltheater aus die Bühnen der Welt. Der gefeierte Richard Tauber sang die Partie des Prinzen Sou-Chong und machte Gesangsnummern wie „Dein ist mein ganzes Herz“ zu unsterblichen Evergreens. Neben leidenschaftlichen Liebesduetten gibt es auch humoristische Farben, verkörpert durch das Buffopaar Graf Gustl und Prinzessin Mi.  Lehárs äußerst fein gearbeitete, fast opernhafte Partitur zeichnet die fernöstliche Atmosphäre mit farbiger Orchestrierung, exotisch getönter Harmonik, Melodik und Rhythmik.

Lisa, eine junge Wiener Adelige, verliebt sich in den chinesischen Prinzen Sou-Chong, der als Gesandter seines Heimatlandes in Wien Dienst tut. Als dieser überraschend nach China zurückberufen wird, entschließt sie sich, ihn zu heiraten und mit ihm zu gehen. In China jedoch muss Lisa feststellen, dass ihr Sou-Chongs Liebe allein nicht über die Fremdheit der Kultur hinweghilft. Als Sou-Chong auf Drängen seines Onkels Tschang nach Landessitte vier Mandschumädchen heiraten soll, realisiert Lisa, dass sie sich niemals in China zu Hause fühlen wird. Sie folgt ihrem Heimweh und kehrt nach Wien zurück.

Das Land des Lächelns ist zweifellos die erfolgreichste Operette aus Franz Lehárs späterer  Schaffensphase. Wie in anderen Werken der Epoche folgt Lehár hier der allgemeinen Vorliebe für ferne Länder und exotische Spielorte nach dem Ersten Weltkrieg. Victor Léon, Textdichter der Lustigen Witwe, riet Lehár zu der chinesischen Geschichte, doch wurde Die gelbe Jacke 1923 in Wien alles andere als ein Erfolg. Erst nach einer gründlichen Überarbeitung sechs Jahre später eroberte die Operette vom Berliner Metropoltheater aus die Bühnen der Welt. Der gefeierte Richard Tauber sang die Partie des Prinzen Sou-Chong und machte Gesangsnummern wie „Dein ist mein ganzes Herz“ zu unsterblichen Evergreens. Neben leidenschaftlichen Liebesduetten gibt es auch humoristische Farben, verkörpert durch das Buffopaar Graf Gustl und Prinzessin Mi.  Lehárs äußerst fein gearbeitete, fast opernhafte Partitur zeichnet die fernöstliche Atmosphäre mit farbiger Orchestrierung, exotisch getönter Harmonik, Melodik und Rhythmik.

Lisa, eine junge Wiener Adelige, verliebt sich in den chinesischen Prinzen Sou-Chong, der als Gesandter seines Heimatlandes in Wien Dienst tut. Als dieser überraschend nach China zurückberufen wird, entschließt sie sich, ihn zu heiraten und mit ihm zu gehen. In China jedoch muss Lisa feststellen, dass ihr Sou-Chongs Liebe allein nicht über die Fremdheit der Kultur hinweghilft. Als Sou-Chong auf Drängen seines Onkels Tschang nach Landessitte vier Mandschumädchen heiraten soll, realisiert Lisa, dass sie sich niemals in China zu Hause fühlen wird. Sie folgt ihrem Heimweh und kehrt nach Wien zurück.

Das Land des Lächelns ist zweifellos die erfolgreichste Operette aus Franz Lehárs späterer  Schaffensphase. Wie in anderen Werken der Epoche folgt Lehár hier der allgemeinen Vorliebe für ferne Länder und exotische Spielorte nach dem Ersten Weltkrieg. Victor Léon, Textdichter der Lustigen Witwe, riet Lehár zu der chinesischen Geschichte, doch wurde Die gelbe Jacke 1923 in Wien alles andere als ein Erfolg. Erst nach einer gründlichen Überarbeitung sechs Jahre später eroberte die Operette vom Berliner Metropoltheater aus die Bühnen der Welt. Der gefeierte Richard Tauber sang die Partie des Prinzen Sou-Chong und machte Gesangsnummern wie „Dein ist mein ganzes Herz“ zu unsterblichen Evergreens. Neben leidenschaftlichen Liebesduetten gibt es auch humoristische Farben, verkörpert durch das Buffopaar Graf Gustl und Prinzessin Mi.  Lehárs äußerst fein gearbeitete, fast opernhafte Partitur zeichnet die fernöstliche Atmosphäre mit farbiger Orchestrierung, exotisch getönter Harmonik, Melodik und Rhythmik.

In der Millionenstadt Belo Horizonte fanden sich 1975 sechs Geschwister mit ein paar Freunden zusammen und gründeten die Grupo Corpo, deren Name bis heute Anspruch und Programm der Compagnie ist: mit Gleichgesinnten einen „Gesamtkörper“ zu formen, dessen Markenzeichen die „runde Bewegung“, das Fließen einer sich in Bewegung befindlichen Gruppe wurde. Der  unverwechselbare Stil der Compagnie ist vor allem der engen Zusammenarbeit der Brüder Paulo und Rodrigo Pederneiras zu verdanken. Bereits ihre ersten Choreographien erregten Aufsehen und wurden in Paris als Sensation gefeiert. Gleichsam über Nacht hatte sich Grupo Corpo als erste brasilianische Compagnie an die Weltspitze getanzt, wo sie bis heute einen festen Platz innehat.

Das Stück Dança Sinfônica, entstanden 2015 zur Feier des 40. Jubiläums der Grupo Corpo, basiert auf dem Thema der Erinnerung. Die erste Sinfonie, komponiert von Marco Antônio Guimarães, kombiniert eine anspruchsvolle Handlung mit Originalfiguren und musikalischen Passagen aus jüngst produzierten Balletten der Grupo Corpo. Das Werk wurde meisterhaft komponiert für das neunzigköpfige Philharmonische Orchester von Minas Gerais und verbindet die einzelnen Teile durch raffinierte Intermezzi der Musikgruppe Ukati. So kann Choreograph Rodrigo Pederneiras die besten Stücke aus dem gesamten Repertoire der Gruppe neu entdecken und eine Art Synthese seiner 34 Jahre dauernden choreographischen Arbeit mit dem Ensemble entwickeln. Die 8 mal 16 Meter große Kulisse, die die Stimmung des Stücks vorgibt, besteht aus über tausend Fotografien aus der Geschichte der Gruppe.

Gira ist inspiriert von den Ritualen von Umbanda – der meistverbreiteten Religionsform Brasiliens und das Ergebnis der Verschmelzung von Candomblé mit dem Katholizismus und dem Kardezismus. Metá Metá, eine Band aus São Paulo, schrieb den Original-Soundtrack für die Aufführung. Aber es ist Eshu, der die Aufführung leitet und als treibende Kraft formt. In der afrikanischen Kosmologie repräsentiert Eshu das dynamische Prinzip, ohne das es keine Bewegung gäbe. Er ist das Bindeglied zwischen der geistigen und der materiellen Welt; ein Gott der unbegrenzten Ausdehnung und Vervielfältigung, Gebieter über alle Wege und Straßenkreuzungen, Meister jeglicher Ordnung und Konfusion.

In der Millionenstadt Belo Horizonte fanden sich 1975 sechs Geschwister mit ein paar Freunden zusammen und gründeten die Grupo Corpo, deren Name bis heute Anspruch und Programm der Compagnie ist: mit Gleichgesinnten einen „Gesamtkörper“ zu formen, dessen Markenzeichen die „runde Bewegung“, das Fließen einer sich in Bewegung befindlichen Gruppe wurde. Der  unverwechselbare Stil der Compagnie ist vor allem der engen Zusammenarbeit der Brüder Paulo und Rodrigo Pederneiras zu verdanken. Bereits ihre ersten Choreographien erregten Aufsehen und wurden in Paris als Sensation gefeiert. Gleichsam über Nacht hatte sich Grupo Corpo als erste brasilianische Compagnie an die Weltspitze getanzt, wo sie bis heute einen festen Platz innehat.

Das Stück Dança Sinfônica, entstanden 2015 zur Feier des 40. Jubiläums der Grupo Corpo, basiert auf dem Thema der Erinnerung. Die erste Sinfonie, komponiert von Marco Antônio Guimarães, kombiniert eine anspruchsvolle Handlung mit Originalfiguren und musikalischen Passagen aus jüngst produzierten Balletten der Grupo Corpo. Das Werk wurde meisterhaft komponiert für das neunzigköpfige Philharmonische Orchester von Minas Gerais und verbindet die einzelnen Teile durch raffinierte Intermezzi der Musikgruppe Ukati. So kann Choreograph Rodrigo Pederneiras die besten Stücke aus dem gesamten Repertoire der Gruppe neu entdecken und eine Art Synthese seiner 34 Jahre dauernden choreographischen Arbeit mit dem Ensemble entwickeln. Die 8 mal 16 Meter große Kulisse, die die Stimmung des Stücks vorgibt, besteht aus über tausend Fotografien aus der Geschichte der Gruppe.

Gira ist inspiriert von den Ritualen von Umbanda – der meistverbreiteten Religionsform Brasiliens und das Ergebnis der Verschmelzung von Candomblé mit dem Katholizismus und dem Kardezismus. Metá Metá, eine Band aus São Paulo, schrieb den Original-Soundtrack für die Aufführung. Aber es ist Eshu, der die Aufführung leitet und als treibende Kraft formt. In der afrikanischen Kosmologie repräsentiert Eshu das dynamische Prinzip, ohne das es keine Bewegung gäbe. Er ist das Bindeglied zwischen der geistigen und der materiellen Welt; ein Gott der unbegrenzten Ausdehnung und Vervielfältigung, Gebieter über alle Wege und Straßenkreuzungen, Meister jeglicher Ordnung und Konfusion.

„Weltberge – die 4. Dimension“ ist Reinhold Messners neuester und sicher spektakulärster Vortrag. Auf der Grundlage von Bildern, welche erst durch die heutige Technik von Satellitenaufnahmen möglich sind, lässt uns Messner die individuellen Charaktere der Bergriesen hautnah erleben. Aus Perspektiven und Höhen, die bisher undenkbar waren, kommen wir der Bergwelt näher als jemals zuvor. Auf dem Fundament von Geowissenschaft und Alpinismushistorie nimmt Messner sein Publikum mit zu den 13
wichtigsten Gipfeln der Bergsteigergeschichte. Mit seinem beeindruckenden Wissen und der Erfahrung aus seinen Expeditionen, erfüllt Reinhold Messner die technisch brillanten Bilder mit Leben. Im Vortrag ergänzen sich alpinistische Erlebnisberichte mit neuester satellitengestützter Visualisierungstechnik, besteigungshistorisches Wissen und fototechnisches Know-how zu einem Gesamtbild.

Menschen mit Idealismus sind bewundernswert. Selbstlos setzen sie sich für die gute Sache ein, für das Wohl anderer Menschen, für Gerechtigkeit. Seien wir ehrlich: es gibt nicht viele, denen man das uneingeschränkt nachsagen kann. Gottfried von Berlichingen ist ein solcher Mann. Gegen die Dekadenz des aufstrebenden Adels verteidigt er die alten Ritterrechte, kämpft für die Belange des Volkes und schert sich wenig um sein Ansehen bei der Obrigkeit. Kommt er in Schwierigkeiten, hilft er sich mit dem  berühmten Zitat.

Die erste Fassung seines später Götz von Berlichingen genannten Stücks schrieb Johann Wolfgang von Goethe mit 22 Jahren. Viel ist darin zu spüren vom Aufruhr eines jungen Mannes, der Großes erreichen will und sich an der abgeklärten Gesellschaft reibt. Nicht umsonst gilt Götz von Berlichingen als Urstück des Sturm und Drang. Aber trotz seiner Jugend zeigt Goethe sich klug genug, die energische Unbedingtheit seiner Hauptfigur in Frage zu stellen. Gottfried von Berlichingen regiert mit der eisernen Faust und ist nicht bereit, eigene Anschauungen zu überdenken. Am Ende geht sein Kalkül nicht auf, er bezahlt mit dem Leben. Wo endet die Freiheit des Einzelnen, wo beginnt radikales Denken? Eine Frage von höchster Aktualität.

Intendant Tilman Gersch inszeniert die suggestive, sprachgewaltige erste Fassung des Götz von Berlichingen mit Schauspielern eigens für die Pfalzbau Bühnen Ludwigshafen. 2015 war hier sein Wiesbadener Faust zu Gast, nun führt er die Auseinandersetzung mit dem dramatischen Werk Johann Wolfgang von Goethes fort.

Menschen mit Idealismus sind bewundernswert. Selbstlos setzen sie sich für die gute Sache ein, für das Wohl anderer Menschen, für Gerechtigkeit. Seien wir ehrlich: es gibt nicht viele, denen man das uneingeschränkt nachsagen kann. Gottfried von Berlichingen ist ein solcher Mann. Gegen die Dekadenz des aufstrebenden Adels verteidigt er die alten Ritterrechte, kämpft für die Belange des Volkes und schert sich wenig um sein Ansehen bei der Obrigkeit. Kommt er in Schwierigkeiten, hilft er sich mit dem  berühmten Zitat.

Die erste Fassung seines später Götz von Berlichingen genannten Stücks schrieb Johann Wolfgang von Goethe mit 22 Jahren. Viel ist darin zu spüren vom Aufruhr eines jungen Mannes, der Großes erreichen will und sich an der abgeklärten Gesellschaft reibt. Nicht umsonst gilt Götz von Berlichingen als Urstück des Sturm und Drang. Aber trotz seiner Jugend zeigt Goethe sich klug genug, die energische Unbedingtheit seiner Hauptfigur in Frage zu stellen. Gottfried von Berlichingen regiert mit der eisernen Faust und ist nicht bereit, eigene Anschauungen zu überdenken. Am Ende geht sein Kalkül nicht auf, er bezahlt mit dem Leben. Wo endet die Freiheit des Einzelnen, wo beginnt radikales Denken? Eine Frage von höchster Aktualität.

Intendant Tilman Gersch inszeniert die suggestive, sprachgewaltige erste Fassung des Götz von Berlichingen mit Schauspielern eigens für die Pfalzbau Bühnen Ludwigshafen. 2015 war hier sein Wiesbadener Faust zu Gast, nun führt er die Auseinandersetzung mit dem dramatischen Werk Johann Wolfgang von Goethes fort.

Ein Kuss ist in der Regel eine Geste des Vertrauens und der Liebe. Wie aber verhält es sich mit dem Judaskuss? In der christlichen Kultur steht dieses Wort für den schlimmsten Verrat, den je ein Mensch begangen hat. Der Jünger Judas Iskariot war es, der mit ebendiesem Kuss seinen Propheten Jesus den römischen Häschern preisgab. Was ihn zu dieser Tat bewog, bleibt bis heute im Dunkeln. Den Lohn von dreißig Silberlingen warf er nach dem Todesurteil empört in einen Tempel, dann erhängte er sich, verzweifelt und ohne jede Erklärung. Schnell war er zur Verkörperung des Bösen abgestempelt, und nur wenige haben sich seither die Mühe gemacht, seine Motivation zu befragen.

Die Autorin Lot Vekemans gibt Judas nun eine Stimme. Nach 2000 Jahren beginnt er zu sprechen – ein Akt der Befreiung von einer unermesslichen Schuld. Lot Vekemans geht es in ihrem klug differenzierten Monolog aber nicht um eine simple Rechtfertigung. Judas ringt selbst darum, sein rätselhaftes Handeln plausibel zu machen. Sichtbar wird vor allem der ungeheure Schmerz über die Tat, die auch ihm nicht bis ins letzte ergründbar scheint, und über die Bürde, für immer ein Symbol des Sündhaften zu sein. In der Essenz steht Judas als einer vor uns, der kämpft und fehlbar ist – wie wir alle.
2017 inszenierte Tilman Gersch das Stück am Staatstheater Karlsruhe, gezeigt wurde es dort und auch hier in Ludwigshafen in verschiedenen Kirchen.

Timo Tank spielt den Verfemten mit aller zweifelnden Unwucht, Gewalt und Liebe, dem verbitterten Zorn und der empfindsamen Verletzlichkeit eines Mannes, der sich seit 2000

Jahren in eigener Flamme verzehrt, ohne Erlösung zu finden. Der Dämon, der seinem Judas

Iskariot innewohnt, heißt Mensch. Eine herausragende Leistung. Mannheimer Morgen

Alles beginnt mit einem Versprechen: Sechs Jugendliche wollen nicht einfach das Dasein ihrer Eltern erben. Deshalb ziehen sie gemeinsam ins Auerhaus, aus dem die Nachbarn von nun an ständig den Song „Our House“ von Madness hören. Doch die Schüler wollen nicht nur ihr eigenes Leben leben, sondern vor allem das ihres Freundes Frieder retten, der nicht weiß, warum er überhaupt leben soll. Außer Frieder wohnen in der Schüler-WG noch das reiche Töchterchen Cäcilia, die rebellische Kleptomanin Vera, der zaudernde Höppner, der sich vor der Musterung drückt, die makellos schöne Brandstifterin Pauline und der schwule Kiffer Harry. Die eigenwilligen Idealisten verhalten sich streng nach den Spielregeln ihres radikal-alternativen Lebensentwurfs: Ladendiebstahl heißt Einkaufen, die Musterungsakte liegt im Tiefkühlfach, feiern und reden dienen der Rettung. Es geht um alles:  Freundschaft und Liebe, Gegenwart und Zukunft, Leben und Tod. Die Inszenierung von Philippe Besson spiegelt das wilde, verrückte Lebensgefühl der Teenager wider, das Bov Bjerg in seinem  Überraschungsbestseller mit Leichtigkeit und Tiefsinn beschreibt. Eine Geschichte für junge  Erwachsene und jene, die das Erwachsenwerden schon hinter sich haben und jetzt unentrinnbar im Ernst des Lebens angekommen sind. Auch wenn die Utopie letztlich scheitert, dürfen wir uns am Ende fragen, ob unsere vermeintlichen Sicherheiten es wirklich wert sind, den jugendlichen Leicht-Sinn so restlos aus unserem Leben verbannt zu haben.

Von 1994-1996 war Philippe Besson Oberspielleiter am Ulmer Theater. Später leitete er acht Jahre lang die Kinder- und Jugendtheatersparte am Hans-Otto-Theater Potsdam. Von 2009-2011 war er Oberspielleiter in Dresden. Seine Inszenierung Wir alle für immer zusammen wurde 2007 für den Theaterpreis DER FAUST in der Sparte „Beste Regie Kinder- und Jugendtheater“ nominiert. 2016 war seine bejubelte Theater-am-Kurfürstendamm-Inszenierung Roter Hahn im Biberpelz erfolgreich auf Tournee.

Pauline staunt nicht schlecht, als Eric mit einem Strauß Rosen vor ihrer Tür steht – sieben Jahre, nachdem sie ihn bei Nacht und Nebel verlassen hatte. Eric ist Gründer, Inhaber und einziger Mitarbeiter der Agentur Trennung frei Haus: Für anonyme Kunden, die ihrer Partner überdrüssig sind, übernimmt er das unangenehme Geschäft des Schlussmachens. Mit einem solchen Auftrag steht er also jetzt unvermutet der Liebe seines Lebens gegenüber, doch Hyppolite, Paulines aktueller Lover, hat sich das mit der Trennung kurzfristig anders überlegt und erscheint kurze Zeit später ebenfalls bei Pauline. Als er anruft, um den Auftrag bei Trennung frei Haus in letzter Minute zu canceln, fällt er aus allen Wolken: Das Handy klingelt bei seinem Gegenüber…

Nach der Uraufführung in der Inszenierung des Autors in der Pariser Comédie de Bastille im Jahre 2015 (dort spielte der Autor selbst die Rolle des Hyppolite) wurde Rupture à Domicile in Avignon und auf einer Frankreichtournee gespielt und von Mai bis September 2017 im Le Splendid in Paris wiederaufgenommen. Autor Tristan Petitgirard wurde als bester zeitgenössischer französischsprachiger Autor für den renommierten Prix Molière 2015 nominiert.

Pauline staunt nicht schlecht, als Eric mit einem Strauß Rosen vor ihrer Tür steht – sieben Jahre, nachdem sie ihn bei Nacht und Nebel verlassen hatte. Eric ist Gründer, Inhaber und einziger Mitarbeiter der Agentur Trennung frei Haus: Für anonyme Kunden, die ihrer Partner überdrüssig sind, übernimmt er das unangenehme Geschäft des Schlussmachens. Mit einem solchen Auftrag steht er also jetzt unvermutet der Liebe seines Lebens gegenüber, doch Hyppolite, Paulines aktueller Lover, hat sich das mit der Trennung kurzfristig anders überlegt und erscheint kurze Zeit später ebenfalls bei Pauline. Als er anruft, um den Auftrag bei Trennung frei Haus in letzter Minute zu canceln, fällt er aus allen Wolken: Das Handy klingelt bei seinem Gegenüber…

Nach der Uraufführung in der Inszenierung des Autors in der Pariser Comédie de Bastille im Jahre 2015 (dort spielte der Autor selbst die Rolle des Hyppolite) wurde Rupture à Domicile in Avignon und auf einer Frankreichtournee gespielt und von Mai bis September 2017 im Le Splendid in Paris wiederaufgenommen. Autor Tristan Petitgirard wurde als bester zeitgenössischer französischsprachiger Autor für den renommierten Prix Molière 2015 nominiert.

Macht euch bereit für die einzigartige Menstripshow mit gekonnten Moves, faszinierender Akrobatik, live Gesang und natürlich jeder Menge nackter Haut.

Mit seiner jüngsten Kreation To a simple, rock’n’roll…song hat Großbritanniens „wildes Kind“ Michael Clark zusammen mit seiner Company Begeisterungsstürme bei Publikum und Kritik hervorgerufen. Der Evening Standard beschrieb die Produktion als puren Adrenalin-Stoß, von der einem der Kopf schwirrt – in positivem Sinne selbstverständlich. To a simple, rock’n’roll…song ist ein explosiver Cocktail bestehend aus Tanz, kultischer Musik und prächtigen Bildern. Erik Satie, Patti Smith und David Bowie liefern den Soundtrack zu Clarks fesselnder Choreographie. In drei Akten kommt jede der musikalischen Kultfiguren zu ihrem Recht: das Werk beginnt mit einer kühlen Reflexion über Satie, bevor es zum  spannungsgeladenen Punk-Rock von Patti Smith kraftvoll losprescht. Das sensationelle Finale ist einem erhabenen und feinsinnigen David Bowie gewidmet und spannt einen Bogen von Melancholie zu frohgemuter Rebellion.

Von Anfang an waren Michael Clarks Aufführungen geprägt von technischer Perfektion und Experimentierfreude, einer kräftigen und ausgefeilten choreographischen Handschrift, die Elemente aus Punk, Dada, Pop und Rock aufgreift. Mit seinen Produktionen, die zugleich provozieren und das Publikum regelrecht unter Strom setzen, hat er sich neues Terrain erobert. 1984 gründete Clark seine eigene Company, die seitdem in führende Häuser in Europa, Nord- und Süd-Amerika, Asien und Australien eingeladen wird, seit 2005 ist sie am Barbican Theatre in London verortet. Darüber hinaus hat Michael Clark mit seiner Company den Tanz an neue Zuschauerschichten durch Auftritte an ungewöhnlichen Orten herangeführt wie dem Glastonbury Festival oder dem legendären Barrowland Ballroom in Glasgow sowie durch die Zusammenarbeit mit angesagten Künstlern, Mode-Designern, Musikern und Filmemachern.

Die Titelfigur dieser zauberhaften Geschichte ist ein kleiner Hund, der sich um alle Steine kümmern will, die er findet. Manche sind groß, andere sind klein. Der eine ist traurig und einem anderen ist kalt. Allen ist gemeinsam, dass sie unbedingt mitgenommen werden wollen. Und das macht der kleine Hund. Jeder einzelne Stein folgt Aston nach Hause und wird von einem warmen, behaglichen Bett empfangen. Seine Eltern sind zunächst sehr verständnisvoll und geduldig, werden aber allmählich immer besorgter angesichts der wachsenden Anzahl an Steinen in ihrem Wohnzimmer. Schließlich hoffen sie, einen neuen, besseren Ort zu finden, an dem sich Astons Steine wohl fühlen könnten.

Die Geschichte Astons Steine handelt davon, wie leicht es ist, etwas oder jemanden lieb zu gewinnen.

Sie zeigt, wie großartig es ist, den Wert kleiner Dinge zu schätzen zu wissen – auch wenn es dabei „nur“ um einen Stein geht. Für Kinder ist es so einfach zu lieben und Empathie zu empfinden, ohne Wenn und Aber, ganz ohne Einschränkung. Als Erwachsener kann man sich vielleicht nur noch daran erinnern, wie einfach es war.

Die Titelfigur dieser zauberhaften Geschichte ist ein kleiner Hund, der sich um alle Steine kümmern will, die er findet. Manche sind groß, andere sind klein. Der eine ist traurig und einem anderen ist kalt. Allen ist gemeinsam, dass sie unbedingt mitgenommen werden wollen. Und das macht der kleine Hund. Jeder einzelne Stein folgt Aston nach Hause und wird von einem warmen, behaglichen Bett empfangen. Seine Eltern sind zunächst sehr verständnisvoll und geduldig, werden aber allmählich immer besorgter angesichts der wachsenden Anzahl an Steinen in ihrem Wohnzimmer. Schließlich hoffen sie, einen neuen, besseren Ort zu finden, an dem sich Astons Steine wohl fühlen könnten.

Die Geschichte Astons Steine handelt davon, wie leicht es ist, etwas oder jemanden lieb zu gewinnen.

Sie zeigt, wie großartig es ist, den Wert kleiner Dinge zu schätzen zu wissen – auch wenn es dabei „nur“ um einen Stein geht. Für Kinder ist es so einfach zu lieben und Empathie zu empfinden, ohne Wenn und Aber, ganz ohne Einschränkung. Als Erwachsener kann man sich vielleicht nur noch daran erinnern, wie einfach es war.

Die Geschichte spielt in Chabot, einem verschlafenen kleinen Dorf im US-Bundesstaat Mississippi. Dort lebt Larry Ott, der verdächtigt wird, vor Jahren eine junge Frau ermordet zu haben. Auch wenn er vor Gericht freigesprochen wurde, steht ihm seitdem die gesamte Dorfgesellschaft feindselig gegenüber, man nennt ihn nur noch „Scary Larry“. Als dann eine weitere Frau verschwindet, steht der Täter natürlich schon fest. Betrunkene Vandalen randalieren vor Larrys Haus, bis die Situation eskaliert und er angeschossen wird. Mit den Ermittlungen zu diesem Fall wird Silas Jones betraut, ein junger Schwarzer, der in Chabot aufgewachsen ist und nun nach langen Jahren wieder in seine Heimat zurückkehrt. Als Kinder verband Silas und den schon damals sozial isolierten, gemobbten Larry eine enge Freundschaft, die nach dem vermeintlichen Mordfall in die Brüche ging. Mit dem Aufeinandertreffen der Protagonisten brechen die Wunden der Vergangenheit wieder auf, denn auch Silas hat einst eine schwere Schuld auf sich geladen, die er nun zu bereinigen versucht.

Die Geschichte spielt in Chabot, einem verschlafenen kleinen Dorf im US-Bundesstaat Mississippi. Dort lebt Larry Ott, der verdächtigt wird, vor Jahren eine junge Frau ermordet zu haben. Auch wenn er vor Gericht freigesprochen wurde, steht ihm seitdem die gesamte Dorfgesellschaft feindselig gegenüber, man nennt ihn nur noch „Scary Larry“. Als dann eine weitere Frau verschwindet, steht der Täter natürlich schon fest. Betrunkene Vandalen randalieren vor Larrys Haus, bis die Situation eskaliert und er angeschossen wird. Mit den Ermittlungen zu diesem Fall wird Silas Jones betraut, ein junger Schwarzer, der in Chabot aufgewachsen ist und nun nach langen Jahren wieder in seine Heimat zurückkehrt. Als Kinder verband Silas und den schon damals sozial isolierten, gemobbten Larry eine enge Freundschaft, die nach dem vermeintlichen Mordfall in die Brüche ging. Mit dem Aufeinandertreffen der Protagonisten brechen die Wunden der Vergangenheit wieder auf, denn auch Silas hat einst eine schwere Schuld auf sich geladen, die er nun zu bereinigen versucht.

Die schöne Jenufa steht zwischen zwei Männern, den Halbbrüdern Stewa und Laca. Sie ist in den lebenslustigen, aber unzuverlässigen Stewa verliebt und erwartet heimlich ein Kind von ihm. Zur Verzweiflung von Jenufa verbietet ihre strenge Adoptivmutter, die Küsterin Buryja, eine Hochzeit – Stewa soll sich in einem Probejahr als würdig erweisen und das Trinken aufgeben. Als dann der stille, in sich gekehrte Laca seine Liebe erklärt und Jenufa umarmen will, kommt es zur Katastrophe: Jenufa stößt ihn zurück, worauf Laca im Jähzorn mit einem Messer ihre Wangen zerschneidet. Jenufa bringt ihr Kind im Verborgenen zur Welt. Die Küsterin versucht, Stewa doch noch zu einer Ehe mit Jenufa zu bewegen, aber für die so entstellte junge Frau hat Stewa kein Interesse mehr. Die Küsterin sieht nur noch einen Ausweg und lässt das Kind verschwinden, um doch eine Hochzeit zwischen Jenufa und dem bereuenden Laca zu ermöglichen. Doch gerade am Tag der Hochzeit taut das Eis und gibt die Kinderleiche frei …

Jenufa, Leoš Janácĕks dritte Opernkomposition, ist sein erstes Bühnenwerk, das sich dauerhaft mit Erfolg im Repertoire halten konnte. Dabei war der Weg auf die Bühne ein steiniger, denn die Partitur wurde am Prager Nationaltheater abgelehnt. So fand die erfolgreiche, jedoch folgenlose Uraufführung am 21. Januar 1904 in Brno (Brünn) statt. Erst 1916 kam die Oper dann mit einigen Veränderungen zur Aufführung in Prag und wurde zu einem Triumph für Janácĕk.

Zu Gast
Fechtabteilung des TSG Friesenheim
Weingut Lucashof, Forst an der Weinstraße

MUSKETIERE IN FRIESENHEIM

PFALZBAU BÜHNEN LUDWIGSHAFEN

Die schöne Jenufa steht zwischen zwei Männern, den Halbbrüdern Stewa und Laca. Sie ist in den lebenslustigen, aber unzuverlässigen Stewa verliebt und erwartet heimlich ein Kind von ihm. Zur Verzweiflung von Jenufa verbietet ihre strenge Adoptivmutter, die Küsterin Buryja, eine Hochzeit – Stewa soll sich in einem Probejahr als würdig erweisen und das Trinken aufgeben. Als dann der stille, in sich gekehrte Laca seine Liebe erklärt und Jenufa umarmen will, kommt es zur Katastrophe: Jenufa stößt ihn zurück, worauf Laca im Jähzorn mit einem Messer ihre Wangen zerschneidet. Jenufa bringt ihr Kind im Verborgenen zur Welt. Die Küsterin versucht, Stewa doch noch zu einer Ehe mit Jenufa zu bewegen, aber für die so entstellte junge Frau hat Stewa kein Interesse mehr. Die Küsterin sieht nur noch einen Ausweg und lässt das Kind verschwinden, um doch eine Hochzeit zwischen Jenufa und dem bereuenden Laca zu ermöglichen. Doch gerade am Tag der Hochzeit taut das Eis und gibt die Kinderleiche frei …

Jenufa, Leoš Janácĕks dritte Opernkomposition, ist sein erstes Bühnenwerk, das sich dauerhaft mit Erfolg im Repertoire halten konnte. Dabei war der Weg auf die Bühne ein steiniger, denn die Partitur wurde am Prager Nationaltheater abgelehnt. So fand die erfolgreiche, jedoch folgenlose Uraufführung am 21. Januar 1904 in Brno (Brünn) statt. Erst 1916 kam die Oper dann mit einigen Veränderungen zur Aufführung in Prag und wurde zu einem Triumph für Janácĕk.

Eine Stadt befindet sich im Ausnahmezustand: Ein Kindermörder treibt sein Unwesen, und an jedem Ort, zu jeder Zeit kann er wieder zuschlagen. Die fieberhafte Fahndung der Polizei läuft ins Leere; alle Sicherheitsvorkehrungen erweisen sich als nutzlos. Der Fall ist ein gefundenes Fressen für die Lokalpresse und ein sensationslüsternes Publikum. Die „anständigen“ Verbrecher der Stadt hingegen mobilisieren sich, um dem Mörder in Selbstjustiz beizukommen. Ein rasantes Katz- und Maus-Spiel zwischen Mörder, Polizei und Untergrund beginnt.

Fritz Langs Stummfilmklassiker aus dem Jahre 1931 ist in seiner schneidenden Analyse der Mechanismen von Angst und Terror, Meinungsmache und Massenhysterie aktuell wie je. Regisseurin Roscha A. Säidow hat den Stoff auf diese Bezüge hin abgeklopft und eine Bühnenfassung geschrieben, die Klassiker und Gegenwart subtil und eindringlich verbindet. Im Verbund mit Andres Böhmer hat sie eigens für die Inszenierung markante Songs im Big-Band-Stil komponiert.

Die Schauspieler nutzen alles, was sie in die Hände kriegen: Musikinstrumente, Projektionen, Objekte und Puppen – letztere aus Fundstücken zusammengesetzt, von riesengroß bis minimalistisch, von Handpuppe bis Marionette bis Tischfigur. Schauspiel verbindet sich mit Figurentheater, Konzert mit Show zu einem interdisziplinären Gesamtkunstwerk. Unter dem verschwörerischen Deckmantel der Farce wird so freigelegt, was unsere Gesellschaft mit Mördern und Mörder mit unserer Gesellschaft machen.

Weil Lummerland zu klein wird, verlassen Jim und sein Freund Lukas mit Emma, der multifunktionalen Lokomotive, ihre Heimat. Auf ihrer Reise ins Unbekannte begegnen sie skurrilen Gestalten wie Ping Pong, einem Diener des chinesischen Kaisers, oder Herrn Tur Tur, dem unglücklichen Scheinriesen – und am Ende den eigenen Wurzeln: In Kummerland wollen sie nicht nur die chinesische Prinzessin vor dem Furcht erregenden Drachen Frau Mahlzahn befreien, sondern auch das Geheimnis von Jims Herkunft lösen.

Mit Fabulierkunst, Spielfertigkeit und -freude auf allerhöchstem Niveau, vielen überraschenden, witzigen und poetischen Momenten kommt die Inszenierung von Regisseur Pierre Schäfer Michael Ende ganz nah: Das wahre Abenteuer liegt für den Menschen in einem Ausflug in das Reich der Fantasie. Für Michael Ende selbst ist sein Erstling zum Wendepunkt geworden: Erst mit diesem Buch beginnt seine Laufbahn als Schriftsteller. […] Verdientermaßen gibt es viel Beifall. Es scheint nicht allzu vermessen, zu vermuten: Michael Ende hätte es gemocht. Volksstimme

Weil Lummerland zu klein wird, verlassen Jim und sein Freund Lukas mit Emma, der multifunktionalen Lokomotive, ihre Heimat. Auf ihrer Reise ins Unbekannte begegnen sie skurrilen Gestalten wie Ping Pong, einem Diener des chinesischen Kaisers, oder Herrn Tur Tur, dem unglücklichen Scheinriesen – und am Ende den eigenen Wurzeln: In Kummerland wollen sie nicht nur die chinesische Prinzessin vor dem Furcht erregenden Drachen Frau Mahlzahn befreien, sondern auch das Geheimnis von Jims Herkunft lösen.

Mit Fabulierkunst, Spielfertigkeit und -freude auf allerhöchstem Niveau, vielen überraschenden, witzigen und poetischen Momenten kommt die Inszenierung von Regisseur Pierre Schäfer Michael Ende ganz nah: Das wahre Abenteuer liegt für den Menschen in einem Ausflug in das Reich der Fantasie. Für Michael Ende selbst ist sein Erstling zum Wendepunkt geworden: Erst mit diesem Buch beginnt seine Laufbahn als Schriftsteller. […] Verdientermaßen gibt es viel Beifall. Es scheint nicht allzu vermessen, zu vermuten: Michael Ende hätte es gemocht. Volksstimme

Etwa 90 Prozent unserer Kommunikation findet über Körpersprache statt – Grund genug, um diesem Aspekt seinen gebührenden Platz in der Schauspielkunst einzuräumen. Von den Akteuren der Familie Flöz wird dies seit über zwanzig Jahren konsequent umgesetzt. Im Zentrum ihrer Produktionen steht das ausgefeilte Spiel mit den Ausdrucksmöglichkeiten des Körpers: Durch Pantomime, Maskenspiel, Tanz, Clownerie und Artistik schaffen sie Theatererlebnisse mit einer einzigartigen Poesie – ebenso anrührend wie skurril. Hotel Paradiso widmet sich einem klassischen Bühnenstoff: der zufälligen Begegnung unverhofft zusammen treffender Gäste in einem abgelegenen Gasthaus. Einst machte es seinem Namen und den vier Sternen alle Ehre. Doch inzwischen leidet der Betrieb unter der erbitterten Rivalität von Sohn und Tochter um die Fortführung des Hotels nach dem Tod des Vaters. Das Dienstmädchen bestiehlt die Gäste und der Koch treibt sein Unwesen im Gästehaus. Zunehmend geraten Personal und Gäste in einen Strudel bitterböser Ereignisse. Bodenlose Abgründe tun sich auf, denen niemand entkommt. Ein Alptraum voll von schwarzem Humor, romantischer Sehnsucht nach der großen Liebe und grotesken Begebenheiten im komplexen Beziehungsspiel der Figuren, deren verschrobener Charakter durch eigens angefertigte Masken zum Vorschein kommt.

Hotel Paradiso beschreibt Himmel und Hölle eines Familienbetriebs im Niedergang. Ein fantastisches Theatererlebnis, durchzogen mit musikalischen Intermezzi und Slapstick, unter großartigem Einsatz sagenhafter Körperbeherrschung – urkomisch wie das Leben selbst.

Gegründet 1994 an der Folkwangschule Essen, ist die Familie Flöz heute ein internationaler Pool von Theaterschaffenden aus zehn Nationen, die in über 30 Ländern auftreten. Die Truppe erhielt zahlreiche Preise, u.a. 2015 den Monica-Bleibtreu-Award Beste Komödie. Hotel Paradiso gastierte weit über Europa hinaus in China, Indien und Vietnam. Seit 2008 produziert die Truppe regelmäßig mit dem Theaterhaus Stuttgart und dem Theater Duisburg.

Etwa 90 Prozent unserer Kommunikation findet über Körpersprache statt – Grund genug, um diesem Aspekt seinen gebührenden Platz in der Schauspielkunst einzuräumen. Von den Akteuren der Familie Flöz wird dies seit über zwanzig Jahren konsequent umgesetzt. Im Zentrum ihrer Produktionen steht das ausgefeilte Spiel mit den Ausdrucksmöglichkeiten des Körpers: Durch Pantomime, Maskenspiel, Tanz, Clownerie und Artistik schaffen sie Theatererlebnisse mit einer einzigartigen Poesie – ebenso anrührend wie skurril. Hotel Paradiso widmet sich einem klassischen Bühnenstoff: der zufälligen Begegnung unverhofft zusammen treffender Gäste in einem abgelegenen Gasthaus. Einst machte es seinem Namen und den vier Sternen alle Ehre. Doch inzwischen leidet der Betrieb unter der erbitterten Rivalität von Sohn und Tochter um die Fortführung des Hotels nach dem Tod des Vaters. Das Dienstmädchen bestiehlt die Gäste und der Koch treibt sein Unwesen im Gästehaus. Zunehmend geraten Personal und Gäste in einen Strudel bitterböser Ereignisse. Bodenlose Abgründe tun sich auf, denen niemand entkommt. Ein Alptraum voll von schwarzem Humor, romantischer Sehnsucht nach der großen Liebe und grotesken Begebenheiten im komplexen Beziehungsspiel der Figuren, deren verschrobener Charakter durch eigens angefertigte Masken zum Vorschein kommt.

Hotel Paradiso beschreibt Himmel und Hölle eines Familienbetriebs im Niedergang. Ein fantastisches Theatererlebnis, durchzogen mit musikalischen Intermezzi und Slapstick, unter großartigem Einsatz sagenhafter Körperbeherrschung – urkomisch wie das Leben selbst.

Gegründet 1994 an der Folkwangschule Essen, ist die Familie Flöz heute ein internationaler Pool von Theaterschaffenden aus zehn Nationen, die in über 30 Ländern auftreten. Die Truppe erhielt zahlreiche Preise, u.a. 2015 den Monica-Bleibtreu-Award Beste Komödie. Hotel Paradiso gastierte weit über Europa hinaus in China, Indien und Vietnam. Seit 2008 produziert die Truppe regelmäßig mit dem Theaterhaus Stuttgart und dem Theater Duisburg.

Etwa 90 Prozent unserer Kommunikation findet über Körpersprache statt – Grund genug, um diesem Aspekt seinen gebührenden Platz in der Schauspielkunst einzuräumen. Von den Akteuren der Familie Flöz wird dies seit über zwanzig Jahren konsequent umgesetzt. Im Zentrum ihrer Produktionen steht das ausgefeilte Spiel mit den Ausdrucksmöglichkeiten des Körpers: Durch Pantomime, Maskenspiel, Tanz, Clownerie und Artistik schaffen sie Theatererlebnisse mit einer einzigartigen Poesie – ebenso anrührend wie skurril. Hotel Paradiso widmet sich einem klassischen Bühnenstoff: der zufälligen Begegnung unverhofft zusammen treffender Gäste in einem abgelegenen Gasthaus. Einst machte es seinem Namen und den vier Sternen alle Ehre. Doch inzwischen leidet der Betrieb unter der erbitterten Rivalität von Sohn und Tochter um die Fortführung des Hotels nach dem Tod des Vaters. Das Dienstmädchen bestiehlt die Gäste und der Koch treibt sein Unwesen im Gästehaus. Zunehmend geraten Personal und Gäste in einen Strudel bitterböser Ereignisse. Bodenlose Abgründe tun sich auf, denen niemand entkommt. Ein Alptraum voll von schwarzem Humor, romantischer Sehnsucht nach der großen Liebe und grotesken Begebenheiten im komplexen Beziehungsspiel der Figuren, deren verschrobener Charakter durch eigens angefertigte Masken zum Vorschein kommt.

Hotel Paradiso beschreibt Himmel und Hölle eines Familienbetriebs im Niedergang. Ein fantastisches Theatererlebnis, durchzogen mit musikalischen Intermezzi und Slapstick, unter großartigem Einsatz sagenhafter Körperbeherrschung – urkomisch wie das Leben selbst.

Gegründet 1994 an der Folkwangschule Essen, ist die Familie Flöz heute ein internationaler Pool von Theaterschaffenden aus zehn Nationen, die in über 30 Ländern auftreten. Die Truppe erhielt zahlreiche Preise, u.a. 2015 den Monica-Bleibtreu-Award Beste Komödie. Hotel Paradiso gastierte weit über Europa hinaus in China, Indien und Vietnam. Seit 2008 produziert die Truppe regelmäßig mit dem Theaterhaus Stuttgart und dem Theater Duisburg.

Ein klarer Fall für den Notfall-Schampus: Benny geht für ein Jahr als Gastdozent nach New York – sein Anteil an der WG im 200-Quadratmeter-Altbau-Paradies muss untervermietet werden. Er möchte an den aktuellen gesellschaftlichen Veränderungen mitwirken und das Zimmer Flüchtlingen zur Verfügung stellen. Sofort nimmt das Gedankenkarussell der vier verbleibenden Stuckliebhaber rasant Fahrt auf. Wird man sich dann noch frei und nackt durch die Wohnung bewegen können? Wie lange freut man sich über die „südliche“ Lebensfreude? Und könnte man das Zusammenleben nicht in einem künstlerischen Projekt dokumentieren? Schnell verstricken sich Bennys Mitmieter in fragwürdige Überlegungen. Sie fürchten den Verlust feministischer Errungenschaften, werfen sich gegenseitig pathologischen Araberhass vor und loben pauschal das leckere syrische Essen – bis irgendwann der türkische Sozialarbeiter Achmed in der WG-Küche steht und die Diskussion in eine ganz neue Richtung dreht.

Deutschlands meistgespielte zeitgenössische Theaterautoren Lutz Hübner und Sarah Nemitz haben einen genauen Blick für unsere Befindlichkeiten und Ängste. Nicolai Sykosch, Experte für Komödien, bringt mit dieser Inszenierung großes Schauspielertheater auf die Bühne.

Die Auswahl für das Berliner Theatertreffen 2018 sorgte für eine Überraschung: Unter den Gewinnern fand sich eine Zweipersonen-Produktion, entstanden in einer Nebenspielstätte des Thalia Theaters Hamburg. Die Bühne der Gaußstraße eignet sich hervorragend für szenische Experimente, und ein solches ist das Wagnis, den weltumspannenden Mythos von der Irrfahrt des Odysseus derart unaufwändig zu erzählen.

Telemachos und Telegonos sind Söhne des Odysseus. Die Lücke, die der abwesende Vater hinterlässt, füllen sie spielerisch mit einer Flut von Phantasien über die Abenteuer, die er erlebt haben könnte.

So gegensätzlich die beiden Jungen in ihrem Charakter sind, so unterschiedlich ist das Bild, das sich jeder vom Vater macht: Der eine sieht in ihm den ruchlosen Krieger, der andere imaginiert einen zarten Schöngeist. Gemeinsam erwecken sie die Fabelwesen der antiken Legende zum Leben. Als Kyklopen, Vampire, Lustknaben und Monster entfachen sie einen Theaterzauber, der pure Lust am Erfinden ist. Bei all den überbordenden Bildern schaffen es die beiden grandiosen Darsteller immer noch, die Einsamkeit und Trauer der zurückgelassenen Kinder zu vermitteln, denen die Geborgenheit einer funktionierenden Familie fehlt.

 Thomas Niehaus und Paul Schröder sind schlichtweg großartig. Sie spielen sich und große Teile des Publikums geradezu um den Verstand. Nachtkritik

Antú Romero Nunes ist Regieabsolvent der Berliner Hochschule für Schauspielkunst „Ernst Busch“. Seit 2014 ist er Hausregisseur am Thalia Theater Hamburg und hat dort auch Brechts Dreigroschenoper inszeniert, die bei den Festspielen Ludwigshafen 2016 das Publikum begeisterte.

Er arbeitete außerdem u.a. am Maxim Gorki Theater Berlin, am Schauspiel Frankfurt und am Burgtheater Wien. 2012 wurde er mit dem renommierten Friedrich-Luft-Preis ausgezeichnet.

Im Januar 2012 war sie schon einmal in Ludwigshafen – beim begeistert aufgenommenen Gastspiel der Pina Bausch Company mit dem asiatisch inspirierten Tanzstück Ten Chi. Nun steht Cristiana Morganti, dem Tanztheater Wuppertal seit mehr als 20 Jahren als Darstellerin verbunden, wieder in Ludwigshafen auf der Bühne und lädt im rassigen roten Kleid zu einer Reise durch das Pina-Bausch-Universum ein, gesehen aus der Perspektive einer Tänzerin. Mit Temperament und Charme entführt sie die Zuschauer in die ganz eigene faszinierende Welt der großen Künstlerin und ihrer Tänzerpersönlichkeiten, plaudert aus dem Nähkästchen und demonstriert auch gleich mit ihrer umwerfenden persönlichen Ausstrahlung, wie aus einzelnen Tanzschritten eine Choreographie entsteht. So erzählt Cristiana Morganti von ihrem persönlichen, künstlerischen und menschlichen Werdegang unter der außergewöhnlichen Choreographin und lässt uns unterhaltsam entdecken, wie viel Hingabe, Fantasie und Liebe zum Detail in der Bewegungssprache Pina Bauschs verborgen sind. Und vor allem gibt sie uns ein Gefühl dafür, auf welche Weise die mysteriöse und magische Verbindung zwischen Künstler und Publikum entsteht.

Im Januar 2012 war sie schon einmal in Ludwigshafen – beim begeistert aufgenommenen Gastspiel der Pina Bausch Company mit dem asiatisch inspirierten Tanzstück Ten Chi. Nun steht Cristiana Morganti, dem Tanztheater Wuppertal seit mehr als 20 Jahren als Darstellerin verbunden, wieder in Ludwigshafen auf der Bühne und lädt im rassigen roten Kleid zu einer Reise durch das Pina-Bausch-Universum ein, gesehen aus der Perspektive einer Tänzerin. Mit Temperament und Charme entführt sie die Zuschauer in die ganz eigene faszinierende Welt der großen Künstlerin und ihrer Tänzerpersönlichkeiten, plaudert aus dem Nähkästchen und demonstriert auch gleich mit ihrer umwerfenden persönlichen Ausstrahlung, wie aus einzelnen Tanzschritten eine Choreographie entsteht. So erzählt Cristiana Morganti von ihrem persönlichen, künstlerischen und menschlichen Werdegang unter der außergewöhnlichen Choreographin und lässt uns unterhaltsam entdecken, wie viel Hingabe, Fantasie und Liebe zum Detail in der Bewegungssprache Pina Bauschs verborgen sind. Und vor allem gibt sie uns ein Gefühl dafür, auf welche Weise die mysteriöse und magische Verbindung zwischen Künstler und Publikum entsteht.

Die drei ??? – das sind die drei Jungdetektive Justus Jonas, Peter Shaw und Bob Andrews, das erfolgreichste und beliebteste Detektivtrio der Weltliteratur. Robert Arthur ersann die erste Geschichte der drei jugendlichen Detektive 1964 und gewann Alfred Hitchcock als Schirmherrn für die ersten Bücher. Rund 45 Millionen Hörspiele und 15 Millionen Bücher der inzwischen über 180 Fälle der Drei ??? wurden bis heute verkauft. Nun lösen die drei Nachwuchsdetektive auch einen ihrer Fälle auf der Theaterbühne: Das Junge Theater Bonn (JTB) hat den Schauplatz der spannenden Geschichte eigens nach Ludwigshafen verlegt.

In Rocky Beach, dem kleinen Ort an der kalifornischen Pazifikküste ganz in der Nähe von Los Angeles, haben gerade die Sommerferien begonnen. Justus, Peter und Bob treffen sich in ihrem Hauptquartier, um einen gerade erfolgreich aufgeklärten Fall zu den Akten zu legen und dann ganz entspannt den Ferienbeginn mit ein paar Freunden – und Bob und Peter mit ihren Freundinnen – am Strand zu feiern. Dementsprechend sind sie nicht wirklich passend für einen Einsatz gekleidet, als Justus plötzlich von Althena über den Haufen gerannt wird, weil sie von einem bewaffneten Mann verfolgt wird. Althena hat den Moment des Zusammenstoßes genutzt, um Justus eine kleine Digitalkamera in die Hosentasche zu stecken, wie er später bemerkt. Die Bilder auf der rätselhaften Kamera enthalten verschiedene Hinweise auf einen ziemlich mysteriösen Fall, an dem Althena vermutlich gerade arbeitete. Aber worum geht es in dem Fall? Wer ist der Entführer, und wo ist die Entführte?

Mit „110 Karat“ starten die Amigos 2019 wieder richtig durch. Facettenreich wie Diamanten das Licht, so fangen Karl-Heinz und Bernd Ulrich mit ihren Liedern das Leben ein. Große, überschäumende, aber auch widerstrebende Gefühle, tröstliche Erinnerungen, geheime Sehnsüchte und verschüttete Träume holen sie ans Licht und reflektieren dabei nicht nur die Sonnen-, sondern auch die Schattenseiten. Das Leben hat diese Rohdiamanten geschliffen. Mit ihrer „110 Karat Tour“ präsentieren sich die Amigos erneut ungemein vielseitig – jedes Lied hat seine eigene, einzigartige Geschichte. Eine Menge Leidenschaft, Mut und Lebenserfahrung flossen in diese Produktion. Auf ihre über 100 Gold- und Platin-Awards und die wiederholten Charts-Triple angesprochen, zeigen sich die Amigos wohltuend entspannt. „Wir haben keinen Erfolgsdruck. Wir machen Musik aus Leidenschaft. So ist auch das neue Album entstanden. Die Amigos sind derzeit das Maß aller Dinge im internationalen Schlagergeschäft und sorgen für grenzenlose Begeisterung im gesamten deutschsprachigen Europa! „Was wären wir ohne unsere Fans! Ihnen verdanken wir, dass wir so erfolgreich unterwegs sein dürfen. Wenn unsere Fans zufrieden und glücklich sind, sind wir es auch.“ Und genau diese Einstellung zeichnet Bernd und Karl-Heinz Ulrich vor allem aus. Erleben Sie die Amigos hautnah bei ihrer großen Tour 2019

Mit seiner Musik hat er Millionen begeistert und gleichzeitig für seine Ideale geworben: We Shall Overcome bringt die Lebensgeschichte des Bürgerrechtsaktivisten, Umweltschutzpioniers und Folksängers Pete Seeger als inszeniertes Konzert auf die Bühne. Als gealterter Musiker erzählt er rückblickend vom eigenen Leben und Wirken, untermalt von seinen legendären Protestsongs.

Gesungen wird solo, in der Gruppe, im Chor, auf deutsch und im Original, mal ganz reduziert, fastdokumentarisch, dann wieder grandios instrumentalisiert. Die rund 50 Akteure führen die Zuschauer gekonnt durch mehrere Jahrzehnte amerikanischer Folk- und Fashion-Geschichte. Geschickt eingespielte Foto- und Filmdokumente veranschaulichen die musikalische Zeitreise zusätzlich. Pete Seeger ist eine Schlüsselfigur der US-Folkmusik. Mit Banjo, Gitarre und seiner Stimme hat er unzählige Menschen zum Mitsingen bewegt und für den Kampf um Frieden und soziale Gerechtigkeit gewonnen. Noch bei der Amtseinführung von Barack Obama brachte der damals 90jährige mehrere hunderttausend Zuschauer dazu, in Washington „This land is your land“ mitzusingen. Heiner Kondschak verkörpert die Folk-Legende mit leidenschaftlicher Hingabe. Wenn er „Where have all the flowers gone“ singt, entfaltet der Song seine mitreißende und anrührende Kraft von damals. Und wir merken, dass Pete Seeger gar nicht wirklich tot sein kann, solange seine Musik so lebendig ist.

Heiner Kondschak ist Musiker, Autor, Regisseur und Schauspieler. Seine kunterbunte Karriere begann als Straßenmusikant und Kleindarsteller, u.a. im Zirkus. Seit 1978 schrieb er Bühnenmusiken für ca. 150 und Liedertexte für ca. 50 Theaterstücke. Seit 2003 wirkt er in dem musikalischen Kabarett Männer & ich mit, seit 2005 hat er sein eigenes Liederprogramm mit der Band Kondschak & Kapelle. In den letzten Jahren folgten Regiearbeiten über die Musiker Woody Guthrie (2007), Bob Dylan (2008), John Lennon (2010) und zuletzt Pete Seeger (2016).

Christian Spuck hat in der Vergangenheit immer wieder Handlungsballette zu großen literarischen Vorlagen entworfen. Dennoch erscheint es zunächst wie ein wahres Wunderwerk, einen 1000-Seiten-Roman wie Tolstois Anna Karenina als zweistündigen Ballettabend auf die Bühne zu bringen. Das gelingt nur durch extreme szenische Verdichtung und jähe Schnitte und Brüche in der Szenenfolge wie in der Musik.

Mit einer wohlüberlegten Musikauswahl beginnt, so Christian Spuck, für ihn fast die wichtigste Phase der Vorarbeit, für die er sich ausreichend Zeit nimmt. Für Anna Karenina war er auf der Suche nach der sogenannten „russischen Seele“, deshalb habe er sich „durch das Gesamtwerk von Sergej Rachmaninow gehört“. Um Rachmaninows Musik zugleich einen starken Kontrast entgegenzusetzen, bringt er Witold Lutoslawski ins Spiel. Dieser spannende polnische Komponist des 20. Jahrhunderts erreicht in seiner Musik eine verstörende Tiefe, die Spuck in seiner Choreographie so einsetzt, dass man den Eindruck erhält, den Figuren sehr nahe zu kommen.

Für Christian Spuck ist die Musik der Schlüssel zum Inhaltlichen, ihr kommt die große Aufgabe zu, Unsichtbares sichtbar zu machen und Emotionen wortlos zu unterstreichen. Diese Tiefendimension der Musik eröffnet für den Tanz die Möglichkeit, die einzelnen Figuren in ihrer ganzen emotionalen Vielfalt und Widersprüchlichkeit zu zeigen. Insbesondere Anna Kareninas Verhaltensweisen geben oftmals Rätsel auf und man fragt sich, wieso sie so weit geht und sich ohne Sicherheitsnetz über einen Abgrund begibt. Genau diese Unbeirrbarkeit der Titelfigur, die sich in Leidenschaft und Emotionen verliert, hat Christian Spuck fasziniert.

Christian Spuck wurde an der John Cranko Schule in Stuttgart ausgebildet. Seine tänzerische Laufbahn begann er in Jan Lauwers‘ Needcompany und Anne Teresa de Keersmaekers Ensemble Rosas. 1995 wurde er Mitglied des Stuttgarter Balletts und war von 2001 bis 2012 Hauschoreograph der Compagnie. Darüber hinaus hat Christian Spuck mit zahlreichen namhaften Ballettcompagnien in Europa und den USA gearbeitet. Die Uraufführung von Poppea//Poppea für Gauthier Dance am Theaterhaus Stuttgart wurde mit dem deutschen Theaterpreis DER FAUST 2011 und dem italienischen Danza&Danza Award ausgezeichnet. Seit der Saison 2012/13 ist Christian Spuck Direktor des Ballett Zürich. Das 2014 in Zürich uraufgeführte Ballett Anna Karenina nach Lew Tolstoi wurde 2016 auch in Oslo und am Moskauer Stanislawski-Theater ins Repertoire übernommen.

Christian Spuck hat in der Vergangenheit immer wieder Handlungsballette zu großen literarischen Vorlagen entworfen. Dennoch erscheint es zunächst wie ein wahres Wunderwerk, einen 1000-Seiten-Roman wie Tolstois Anna Karenina als zweistündigen Ballettabend auf die Bühne zu bringen. Das gelingt nur durch extreme szenische Verdichtung und jähe Schnitte und Brüche in der Szenenfolge wie in der Musik.

Mit einer wohlüberlegten Musikauswahl beginnt, so Christian Spuck, für ihn fast die wichtigste Phase der Vorarbeit, für die er sich ausreichend Zeit nimmt. Für Anna Karenina war er auf der Suche nach der sogenannten „russischen Seele“, deshalb habe er sich „durch das Gesamtwerk von Sergej Rachmaninow gehört“. Um Rachmaninows Musik zugleich einen starken Kontrast entgegenzusetzen, bringt er Witold Lutoslawski ins Spiel. Dieser spannende polnische Komponist des 20. Jahrhunderts erreicht in seiner Musik eine verstörende Tiefe, die Spuck in seiner Choreographie so einsetzt, dass man den Eindruck erhält, den Figuren sehr nahe zu kommen.

Für Christian Spuck ist die Musik der Schlüssel zum Inhaltlichen, ihr kommt die große Aufgabe zu, Unsichtbares sichtbar zu machen und Emotionen wortlos zu unterstreichen. Diese Tiefendimension der Musik eröffnet für den Tanz die Möglichkeit, die einzelnen Figuren in ihrer ganzen emotionalen Vielfalt und Widersprüchlichkeit zu zeigen. Insbesondere Anna Kareninas Verhaltensweisen geben oftmals Rätsel auf und man fragt sich, wieso sie so weit geht und sich ohne Sicherheitsnetz über einen Abgrund begibt. Genau diese Unbeirrbarkeit der Titelfigur, die sich in Leidenschaft und Emotionen verliert, hat Christian Spuck fasziniert.

Christian Spuck wurde an der John Cranko Schule in Stuttgart ausgebildet. Seine tänzerische Laufbahn begann er in Jan Lauwers‘ Needcompany und Anne Teresa de Keersmaekers Ensemble Rosas. 1995 wurde er Mitglied des Stuttgarter Balletts und war von 2001 bis 2012 Hauschoreograph der Compagnie. Darüber hinaus hat Christian Spuck mit zahlreichen namhaften Ballettcompagnien in Europa und den USA gearbeitet. Die Uraufführung von Poppea//Poppea für Gauthier Dance am Theaterhaus Stuttgart wurde mit dem deutschen Theaterpreis DER FAUST 2011 und dem italienischen Danza&Danza Award ausgezeichnet. Seit der Saison 2012/13 ist Christian Spuck Direktor des Ballett Zürich. Das 2014 in Zürich uraufgeführte Ballett Anna Karenina nach Lew Tolstoi wurde 2016 auch in Oslo und am Moskauer Stanislawski-Theater ins Repertoire übernommen.

Was wäre die Welt ohne Phantasie? Diese zentrale Frage steht im Mittelpunkt von Michael Endes Die unendliche Geschichte. Der Roman hat sich seit seinem Erscheinen 1979 zu einem Kultbuch entwickelt und begeistert auch heute noch junge und alte Leser auf der ganzen Welt. Bastian Balthasar Bux wird ständig von seinen Klassenkameraden geärgert und flüchtet daher oft und gerne in die Welt der Bücher. Als er sich eines Tages auf dem Schulweg vor seinen Peinigern verstecken muss, landet er durch Zufall in einem alten Antiquariat. Dort stößt Bastian auf ein Buch, das eine geradezu magische Anziehungskraft auf ihn hat: Es ist Die unendliche Geschichte. Impulsiv stiehlt Bastian das Buch, versteckt sich damit auf dem Dachboden seiner Schule und beginnt zu lesen.

Das Buch erzählt vom Land Phantásien, das in riesiger Gefahr schwebt. Immer größere Teile des Landes werden vom Nichts verschlungen und seine Herrscherin, die Kindliche Kaiserin, leidet an einer mysteriösen Krankheit, von der sie kein Arzt erlösen kann. Alle Hoffnung liegt auf dem jungen Atréju, der durch das zerfallende Phantásien geschickt wird, um ein Menschenkind zu finden, das der Kindlichen Kaiserin einen neuen Namen geben kann: Denn nur das kann sie und Phantásien jetzt noch retten…

Das Junge Theater Bonn (JTB) hat Michael Endes Roman Die unendliche Geschichte in einer völlig neuen Bühnenbearbeitung produziert und mit großem Aufwand auf die Bühne gebracht.

Michael Ende (1929 – 1995) zählt zu den bekanntesten deutschen Schriftstellern und ist gleichzeitig einer der vielseitigsten Autoren. Neben Kinder- und Jugendbüchern schrieb er poetische Bilderbuchtexte und Bücher für Erwachsene, er verfasste Theaterstücke und Gedichte, und viele seiner Bücher wurden bereits verfilmt oder für Funk und Fernsehen bearbeitet. 1960 gelang ihm mit Jim Knopf und Lukas der Lokomotivführer der Durchbruch als Kinderbuchautor. Für sein literarisches Werk erhielt er zahlreiche deutsche und internationale Literaturpreise. Seine Werke wurden in über 45 Sprachen übersetzt.

Büchners Fähigkeit, die herrschende Verrohung auch als eine der Sprache darzustellen, steht im Mittelpunkt der Inszenierung. Ein vehement donnernder Rhythmus peitscht über die Sprache der Figuren hinweg. Was Woyzeck bleibt, ist blinde Gewalt, erlebte und ausgeübte. Ulrich Rasche 

Georg Büchners zerbrechliches Fragment, eines der bedeutendsten und einflussreichsten Dramen der deutschen Literatur, basiert auf dem Fall des Soldaten und Friseurs Johann Christian Woyzeck, der seine Geliebte erstach und dafür zum Tode verurteilt wurde. Büchner waren die Fakten des historischen Kriminalfalls bekannt, über den juristische, medizinische und psychologische Gutachten verfasst wurden. Er zeigt einen Eifersuchtsmord und seine Vorgeschichte: Woyzeck, „guter Kerl und armer Teufel“, finanziell an den untersten Rand der Gesellschaft gedrängt, von seinen Vorgesetzten gedemütigt, von der Wissenschaft zum Studienobjekt gemacht, ist dem radikalen Mangel an Empathie seiner Umwelt ausgeliefert. So wird er schuldig, nachdem seine Ängste, Triebe und Begierden obszön aufbrechen. Doch Woyzeck geht weit über den traurigen Einzelfall einer geschundenen Kreatur hinaus. Büchner untersucht am „Subjekt Woyzeck“ die immer gültige Frage unserer Abhängigkeit von gesellschaftlichen Bedingungen, die „außer uns liegen“, nach sozialen Verhältnissen, individueller Freiheit und schicksalhafter Determination.

Der Regisseur Ulrich Rasche, der aufgrund seiner formstrengen Chorprojekte und überwältigenden Bühnenbilder als einer der außergewöhnlichsten Regisseure seiner Generation gilt und mit seiner Inszenierung von Schillers Die Räuber zum Berliner Theatertreffen 2017 eingeladen wurde, arbeitet erstmalig für das Theater Basel. Auch mit seiner Woyzeck-Inszenierung ist Ulrich Rasche zum Berliner Theatertreffen 2018 eingeladen.

Büchners Fähigkeit, die herrschende Verrohung auch als eine der Sprache darzustellen, steht im Mittelpunkt der Inszenierung. Ein vehement donnernder Rhythmus peitscht über die Sprache der Figuren hinweg. Was Woyzeck bleibt, ist blinde Gewalt, erlebte und ausgeübte. Ulrich Rasche

Georg Büchners zerbrechliches Fragment, eines der bedeutendsten und einflussreichsten Dramen der deutschen Literatur, basiert auf dem Fall des Soldaten und Friseurs Johann Christian Woyzeck, der seine Geliebte erstach und dafür zum Tode verurteilt wurde. Büchner waren die Fakten des historischen Kriminalfalls bekannt, über den juristische, medizinische und psychologische Gutachten verfasst wurden. Er zeigt einen Eifersuchtsmord und seine Vorgeschichte: Woyzeck, „guter Kerl und armer Teufel“, finanziell an den untersten Rand der Gesellschaft gedrängt, von seinen Vorgesetzten gedemütigt, von der Wissenschaft zum Studienobjekt gemacht, ist dem radikalen Mangel an Empathie seiner Umwelt ausgeliefert. So wird er schuldig, nachdem seine Ängste, Triebe und Begierden obszön aufbrechen. Doch Woyzeck geht weit über den traurigen Einzelfall einer geschundenen Kreatur hinaus. Büchner untersucht am „Subjekt Woyzeck“ die immer gültige Frage unserer Abhängigkeit von gesellschaftlichen Bedingungen, die „außer uns liegen“, nach sozialen Verhältnissen, individueller Freiheit und schicksalhafter Determination.

Der Regisseur Ulrich Rasche, der aufgrund seiner formstrengen Chorprojekte und überwältigenden Bühnenbilder als einer der außergewöhnlichsten Regisseure seiner Generation gilt und mit seiner Inszenierung von Schillers Die Räuber zum Berliner Theatertreffen 2017 eingeladen wurde, arbeitet erstmalig für das Theater Basel. Auch mit seiner Woyzeck-Inszenierung ist Ulrich Rasche zum Berliner Theatertreffen 2018 eingeladen.

Doris ist achtzehn, hält nichts von Bildung, sondern will „lieber auf der Tauentzien ein Glanz werden, statt zu arbeiten“. Geld oder eine Bleibe hat sie längst nicht mehr, also sitzt sie vor einem Vergnügungs-Etablissement und hofft darauf, eingeladen zu werden. Oder vielleicht ja auch engagiert zu werden: „Schließlich bin ich schon Schauspielschule.“ Während sie auf ihr Vorsingen wartet, hat sie Zeit genug, ihre Geschichte zu erzählen: die spektakuläre Flucht aus der Kleinstadt nach Berlin, die zahlreichen Männergeschichten und Betrügereien, durch die sie ihr Überleben sichert.  Vor allem aber sind es ihr Humor und ihre besondere Sicht auf die Dinge, die dafür sorgen, dass sie immer wieder auf die Beine kommt. Carsten Golbeck und Rainer Bielfeldt erzählen den Klassiker von Irmgard Keun neu, ohne etwas hinzuzufügen –außer naturlich die Lieder, die aus Textpassagen des Buches heraus entwickelt wurden. Musikalisch wie inhaltlich schlägt diese Fassung den Bogen zwischen den Zwanzigern und heute. Der Stoff besticht durch zeitlose Aktualität: Im Mittelpunkt der Handlung steht die ungebremste Lebenslust und Kreativität eines jungen Menschen, der an Armut und lebensfeindlichen Umständen nach und nach zerbricht. Sowohl auf der Bühne als auch im Spiel wird alles vermieden, was den Stoff ins Nostalgische entrückt. Vor allem die Virtuosität und Spielfreudigkeit der Schauspielerin Antonia Bill lässt uns die Figur schnörkellos nahe kommen.

Im Landhaus von Rechtsanwalt Bassow und seiner Frau Warwara trifft sich eine privilegierte Runde: Ärzte, Schriftsteller, Fabrikanten, Ingenieure. Die gehobene Mittelschicht hat die Stadt verlassen, um den Sommer im Grünen zu verbringen. Sie haben Zeit, sie haben Geld und führen ein überwiegend angenehmes, sorgenfreies Leben. Und doch fühlen sie sich einsam und leer, sind von sich selbst ermattet und müde von ihren Freiheiten. Da helfen auch die diversen Bindungen, Verhältnisse und Freundschaften nicht weiter. Sie sehnen sich nach einer anderen Zukunft – mit erlösender Liebe und einer sinnhafteren Erde. Sie reden, streiten, lamentieren und diskutieren. Wie mit diesem Weltschmerz umgehen? Was für eine Realität anstreben? Wozu sich weiter hetzen und warum Ideale verfolgen? Welche Vision entwerfen? Warwara: „Dieses Abwägen, dieses Berechnen! Wir haben so eine Angst vor dem Leben! Was soll das? Wir versinken im Selbstmitleid!“

Maxim Gorki schrieb Sommergäste 1904, am Vorabend der Russischen Revolution. Laut eigener Aussage wollte er mit diesem Szenenreigen und Beziehungsgeflecht „die moderne bürgerlich materialistische Intelligenz darstellen“. Er zeigt eine bequem gewordene Gesellschaft, die sich ihrer selbst nicht mehr sicher ist und in der es ruhelos rumort. Eine umwälzende Zeitenwende wirft ihre Schatten voraus auf diese Sommergäste und ihre suchenden Seelen.

Wie in Gorkis Stück die Szenen abrupt ineinander übergehen, ja sich manchmal geradezu ins Wort fallen, agiert das Ensemble auch in Daniela Löffners hoch verdichteter, von immenser Binnenspannung und freudigem Vertrauen in die Erzählungskraft des Theaters getragener Inszenierung. In ihrer mit dem Dramaturgen David Heiligers erstellten Fassung überwiegt eine heutige Redeweise („Du solltest eine Therapie machen, Warja!“), die Kostüme von Eva Martin entsprechen der aktuellen Mode. Das freilich ist nur die niedrigschwellige Oberfläche, unter der diese großartig geschlossene Aufführung eine ganze Welt ausbreitet: als kunstvolle Einladung zum Mitdenken, Mitfühlen, Mitlernen und Mitgenießen. Frankfurter Allgemeine Zeitung

Im Landhaus von Rechtsanwalt Bassow und seiner Frau Warwara trifft sich eine privilegierte Runde: Ärzte, Schriftsteller, Fabrikanten, Ingenieure. Die gehobene Mittelschicht hat die Stadt verlassen, um den Sommer im Grünen zu verbringen. Sie haben Zeit, sie haben Geld und führen ein überwiegend angenehmes, sorgenfreies Leben. Und doch fühlen sie sich einsam und leer, sind von sich selbst ermattet und müde von ihren Freiheiten. Da helfen auch die diversen Bindungen, Verhältnisse und Freundschaften nicht weiter. Sie sehnen sich nach einer anderen Zukunft – mit erlösender Liebe und einer sinnhafteren Erde. Sie reden, streiten, lamentieren und diskutieren. Wie mit diesem Weltschmerz umgehen? Was für eine Realität anstreben? Wozu sich weiter hetzen und warum Ideale verfolgen? Welche Vision entwerfen? Warwara: „Dieses Abwägen, dieses Berechnen! Wir haben so eine Angst vor dem Leben! Was soll das? Wir versinken im Selbstmitleid!“

Maxim Gorki schrieb Sommergäste 1904, am Vorabend der Russischen Revolution. Laut eigener Aussage wollte er mit diesem Szenenreigen und Beziehungsgeflecht „die moderne bürgerlich materialistische Intelligenz darstellen“. Er zeigt eine bequem gewordene Gesellschaft, die sich ihrer selbst nicht mehr sicher ist und in der es ruhelos rumort. Eine umwälzende Zeitenwende wirft ihre Schatten voraus auf diese Sommergäste und ihre suchenden Seelen.

Wie in Gorkis Stück die Szenen abrupt ineinander übergehen, ja sich manchmal geradezu ins Wort fallen, agiert das Ensemble auch in Daniela Löffners hoch verdichteter, von immenser Binnenspannung und freudigem Vertrauen in die Erzählungskraft des Theaters getragener Inszenierung. In ihrer mit dem Dramaturgen David Heiligers erstellten Fassung überwiegt eine heutige Redeweise („Du solltest eine Therapie machen, Warja!“), die Kostüme von Eva Martin entsprechen der aktuellen Mode. Das freilich ist nur die niedrigschwellige Oberfläche, unter der diese großartig geschlossene Aufführung eine ganze Welt ausbreitet: als kunstvolle Einladung zum Mitdenken, Mitfühlen, Mitlernen und Mitgenießen. Frankfurter Allgemeine Zeitung

Rom im 14. Jahrhundert nach Christus: Der Papst ist im Exil in Avignon – und in der Ewigen Stadt befehden sich die einflussreichen Patrizierfamilien bis aufs Blut um die politische Vormachtstellung. In diesem chaotischen Machtvakuum versucht Cola Rienzi, eine historisch verbürgte Person, die alte römische Republik neu zu beleben. Er bringt das der Machtkämpfe müde Volk dazu, ihn als Volkstribun zu installieren, scheinbar beugen sich auch die verschiedenen Adelscliquen dem charismatischen Politiker. Rienzi hat den Gipfel seiner Macht erreicht, doch gelingt es ihm nicht, die verfeindeten Parteien hinter sich zu vereinen. Die Adeligen planen ein Mordkomplott und ziehen gegen ihn zu Felde – am Ende steht das Kapitol in Flammen.

Rienzi war der erste durchschlagende Erfolg Richard Wagners und zu seinen Lebzeiten sein meistgespieltes Werk. 1837 lernte der Komponist den Historienroman Rienzi, der letzte Tribun des englischen Schriftstellers Edward Bulwer-Lytton kennen und entschloss sich, diesen Stoff für eine Oper aufzugreifen, mit der er idealerweise die Pariser Oper erobern wollte. So wundert es nicht, dass sich die musikalische Konzeption an der Grand Opéra im Stil von Spontini, Meyerbeer oder Halévy mit ihren großen Chortableaus orientiert. In der eher traditionellen Nummerndramaturgie ist gleichwohl bereits die Handschrift des späteren Musikdramatikers Wagner erkennbar. Eine Realisierung in Paris erwies sich zu Wagners tiefer Enttäuschung als unmöglich, doch die Uraufführung an der Dresdner Hofoper am 20. Oktober 1842 wurde zu einem ungeheuren Publikumserfolg und zu einem ersten Triumph des Dichterkomponisten.

Rom im 14. Jahrhundert nach Christus: Der Papst ist im Exil in Avignon – und in der Ewigen Stadt befehden sich die einflussreichen Patrizierfamilien bis aufs Blut um die politische Vormachtstellung. In diesem chaotischen Machtvakuum versucht Cola Rienzi, eine historisch verbürgte Person, die alte römische Republik neu zu beleben. Er bringt das der Machtkämpfe müde Volk dazu, ihn als Volkstribun zu installieren, scheinbar beugen sich auch die verschiedenen Adelscliquen dem charismatischen Politiker. Rienzi hat den Gipfel seiner Macht erreicht, doch gelingt es ihm nicht, die verfeindeten Parteien hinter sich zu vereinen. Die Adeligen planen ein Mordkomplott und ziehen gegen ihn zu Felde – am Ende steht das Kapitol in Flammen.

Rienzi war der erste durchschlagende Erfolg Richard Wagners und zu seinen Lebzeiten sein meistgespieltes Werk. 1837 lernte der Komponist den Historienroman Rienzi, der letzte Tribun des englischen Schriftstellers Edward Bulwer-Lytton kennen und entschloss sich, diesen Stoff für eine Oper aufzugreifen, mit der er idealerweise die Pariser Oper erobern wollte. So wundert es nicht, dass sich die musikalische Konzeption an der Grand Opéra im Stil von Spontini, Meyerbeer oder Halévy mit ihren großen Chortableaus orientiert. In der eher traditionellen Nummerndramaturgie ist gleichwohl bereits die Handschrift des späteren Musikdramatikers Wagner erkennbar. Eine Realisierung in Paris erwies sich zu Wagners tiefer Enttäuschung als unmöglich, doch die Uraufführung an der Dresdner Hofoper am 20. Oktober 1842 wurde zu einem ungeheuren Publikumserfolg und zu einem ersten Triumph des Dichterkomponisten.

„Der perfekte Moment .. wird heut verpennt“ ist auch der Titel des neuen Programms von Max Raabe & Palast Orchester. Mit Leichtigkeit verbindet sich die feine Ironie der Lieder aus den 20ger und 30ger Jahren mit dem schrägen Humor in den „Raabe-Pop”- Songs.