Veranstaltungskalender Eberthalle und Pfalzbau

Die Geschichte eines Aufbruchs: In der sibirischen Weite, tausende Werst östlich von Moskau, leben in einer Kommunalka auf engstem Raum Großmutter, Mutter, Tochter und Enkelin unter dem bröckelnden Putz einer vergangenen Zeit. Es ist der 11. März 1985, Beginn einer Zeitenwende, von der noch niemand etwas ahnt. Alle gehen ihrem Alltag nach. Der Ingenieur von nebenan versucht, sein Leben in Kästchen zu sortieren, Warwara hilft einem Kind auf die Welt, Maria träumt von der Liebe, Janka will am Abend in der Küche singen.

Zukunftsmusik ist ein großer Roman über vier Leben am Wendepunkt, über eine untergegangene Welt, die bis heute nachwirkt, über die Absurdität des Daseins und die große Frage des Hier und Jetzt: Was tun? Der Roman war nominiert für den Preis der Leipziger Buchmesse.

Katerina Poladjan wurde 1971 in Moskau geboren und lebt seit 1979 in Deutschland. Auf ihr Prosadebüt In einer Nacht, woanders folgte Vielleicht Marseille. Gemeinsam mit Henning Fritsch schrieb sie den literarischen Reisebericht Hinter Sibirien. Im Juni 2019 erschien ihr dritter Roman Hier sind Löwen. Katerina Poladjan absolvierte ein Studium der Angewandten Kulturwissenschaften an der Leuphana Universität in Lüneburg und ein Studium der Darstellenden Kunst in München. Sie nahm 2015 an den Tagen der deutschsprachigen Literatur in Klagenfurt teil, war für den Alfred-Döblin-Preis nominiert und erhielt Stipendien des Deutschen Literaturfonds, des Berliner Senats und der Robert Bosch Stiftung. 2016 war sie Stipendiatin der Kulturakademie Tarabya in Istanbul. 2021 wird sie mit dem Nelly-Sachs-Preis der Stadt Dortmund ausgezeichnet.

Outside ist das Resultat einer Begegnung, die den russischen Regisseur Kirill Serebrennikov tief bewegt hat. In einem Buch fand er das fotografische Werk des chinesischen Künstlers Ren Hang, hochstilisierte Bilder nackter Körper und seltsam fremder Landschaften. Ein Bruch mit den strengen Tabus der chinesischen Gesellschaft, ein ungewöhnlicher und liebevoller Blick auf die heimliche Rebellion junger Menschen in einem übernormierten Land – weit entfernt von den Vorgaben der chinesischen Staatsdoktrin. Später las Serebrennikov auch Ren Hangs Gedichte und war fasziniert von dem tiefen Gefühl der Einsamkeit, das sie vermittelten. Eine chinesische Schauspielerin half ihm bei der Kontaktaufnahme, und Ren Hang zeigte sich zu einer Zusammenarbeit bereit. 48 Stunden vor dem ersten persönlichen Treffen beging er Selbstmord, mit 29 Jahren.
Den Schock über diese Nachricht verwandelte Serebrennikov in den Impuls, Ren Hang ein Denkmal zu setzen. Wenig später konnte auch er erfahren, was es heißt, sich als Künstler in einem totalitären Regime unbeliebt zu machen. Aus nichtigen Gründen wurde er über viele Monate hinweg unter Hausarrest gestellt. Outside entstand in dieser Zeit und erzählt von der bedrückenden Situation des Eingesperrtseins, aber auch von der Freiheit der Gedanken, die sich weder Ren Hang noch Kirill Serebrennikov nehmen ließen. Mit überbordend schönen Bildern leistet dieser Abend Widerstand gegen kulturelle und politische Zensur. Aus dem Zwiegespräch zweier verfemter Künstler entstehen visuelle Phantasien, die mitten ins Herz treffen.

Kirill Serebrennikov ist einer der angesehendsten Regisseure Russlands und seit Jahren der staatlichen Willkür ausgesetzt. Ab 2012 leitete er das Gogol-Center in Moskau, einen Ort für experimentelles, genreübergreifendes Theater. 2021 wurde er dort seines Amtes enthoben. Mit seinen Inszenierungen ist er in ganz Europa präsent und wurde vielfach ausgezeichnet, u. a. arbeitet er auch am Deutschen Theater Berlin und am Thalia Theater Hamburg. Outside ist seine dritte Stückentwicklung für das Festival d’Avignon.

Hier geht es zum Trailer!

Der junge Ozan Ata Canani war ein Wunderkind an der Bağlama, der anatolischen Langhalslaute. Der große Aşik Mahzuni Şerif war so beeindruckt von dem erst Dreizehnjährigen, dass er ihn mit auf Tournee nahm, sehr zum Missfallen von Ozans Vater, der ihm sogar das Musizieren verbot. Doch Ozan ließ sich nicht beirren. Als junger Erwachsener schrieb er in den späten 1970er Jahren den ersten Liedzyklus anatolischer Musik in deutscher Sprache. Damit war er seiner Zeit offenbar voraus, denn niemand wollte diese Lieder veröffentlichen. Die Sprüche „Ausländer raus“ und „Türken unerwünscht“ waren damals der Auslöser. Auf einem Heft von der IG Metall entdeckte er einen Satz von Max Frisch: „Arbeitskräfte gerufen, Menschen gekommen!“. Das war der Ausgangspunkt von „Deutsche Freunde“. Immerhin trat Ozan Ata Canani mit einem Lied bei Alfred Biolek im Fernsehen auf. Dieser Auftritt mit dem Jahrhundertlied „Deutsche Freunde“ fand seinen Weg zu Youtube und erschien 2014 auf der sagenhaften Compilation Songs of Gastarbeiter. Ozan Ata Cananis erstes Album Warte mein Land, warte erschien erst 2021 beim Berliner Label Staatsakt. Atas „Deutsche Freunde“ wurde ursprünglich auf einer Kassette veröffentlicht, die man in türkischen Läden kaufen kann. Seine Bağlama spielt Ata elektrisch verstärkt, die Musik von „Deutsche Freunde“ ist anatolischer Partysound. Der Text ist auf Deutsch, folgt aber einem Schema gesungener türkischer Lyrik, bei dem der Refrain zwischen die Zeilen der Strophen eingeschoben wird.

Outside ist das Resultat einer Begegnung, die den russischen Regisseur Kirill Serebrennikov tief bewegt hat. In einem Buch fand er das fotografische Werk des chinesischen Künstlers Ren Hang, hochstilisierte Bilder nackter Körper und seltsam fremder Landschaften. Ein Bruch mit den strengen Tabus der chinesischen Gesellschaft, ein ungewöhnlicher und liebevoller Blick auf die heimliche Rebellion junger Menschen in einem übernormierten Land – weit entfernt von den Vorgaben der chinesischen Staatsdoktrin. Später las Serebrennikov auch Ren Hangs Gedichte und war fasziniert von dem tiefen Gefühl der Einsamkeit, das sie vermittelten. Eine chinesische Schauspielerin half ihm bei der Kontaktaufnahme, und Ren Hang zeigte sich zu einer Zusammenarbeit bereit. 48 Stunden vor dem ersten persönlichen Treffen beging er Selbstmord, mit 29 Jahren.
Den Schock über diese Nachricht verwandelte Serebrennikov in den Impuls, Ren Hang ein Denkmal zu setzen. Wenig später konnte auch er erfahren, was es heißt, sich als Künstler in einem totalitären Regime unbeliebt zu machen. Aus nichtigen Gründen wurde er über viele Monate hinweg unter Hausarrest gestellt. Outside entstand in dieser Zeit und erzählt von der bedrückenden Situation des Eingesperrtseins, aber auch von der Freiheit der Gedanken, die sich weder Ren Hang noch Kirill Serebrennikov nehmen ließen. Mit überbordend schönen Bildern leistet dieser Abend Widerstand gegen kulturelle und politische Zensur. Aus dem Zwiegespräch zweier verfemter Künstler entstehen visuelle Phantasien, die mitten ins Herz treffen.

Kirill Serebrennikov ist einer der angesehendsten Regisseure Russlands und seit Jahren der staatlichen Willkür ausgesetzt. Ab 2012 leitete er das Gogol-Center in Moskau, einen Ort für experimentelles, genreübergreifendes Theater. 2021 wurde er dort seines Amtes enthoben. Mit seinen Inszenierungen ist er in ganz Europa präsent und wurde vielfach ausgezeichnet, u. a. arbeitet er auch am Deutschen Theater Berlin und am Thalia Theater Hamburg. Outside ist seine dritte Stückentwicklung für das Festival d’Avignon.

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Es ist alles endlich auf dieser Welt, und doch sind Verluste oft schwer zu begreifen und schwer zu ertragen. 239 Menschen befanden sich an Bord der Boeing MH370, die 2014 spurlos von den Flugradaren verschwand und bis heute nicht gefunden wurde – eines der größten Rätsel der Fluggeschichte. Nicht weniger rätselhaft ist das sukzessive Verschwinden des menschlichen Verstands im Zustand der Demenz. Die Künstlerin Helgard Haug erlebte diesen Prozess bei ihrem Vater, kurz nach dem Drama um MH370. Beides, das weltumspannende Medienereignis und das sich im Stillen vollziehende individuelle Schicksal, setzt sie in Beziehung und schafft damit ein berückend schönes und trauriges Theaterereignis von großer imaginärer Kraft.

All right. Good night. übersetzt die Sprachlosigkeit, mit der wir Trauer und Verlust begegnen, in eine außergewöhnliche Form. Der von Helgard Haug verfasste und sehr berührende Text erscheint vor allem durch Projektionen und Einspielungen. Auf der Bühne agieren fünf Musikerinnen des Zafraan-Ensembles. Sie spielen die eigens für diesen Abend geschaffenen Kompositionen der bekannten Elektropmusikerin Barbara Morgenstern und übertragen die musikalischen Impulse in eine Partitur aus Bewegungsabläufen. Das überraschende Geflecht aus Klang, Licht und Wort entwickelt einen emotionalen Sog, dem man sich nicht entziehen kann.

Helgard Haug ist Teil des Performance-Kollektivs Rimini Protokoll. 2003 gründete sie es gemeinsam mit Daniel Wetzel und Stephan Kaegi. Rimini Protokoll entwickeln ihre Bühnenstücke, Interventionen, szenischen Installationen und Hörspiele oft mit Expert*innen, die ihr Wissen und Können jenseits des Theaters erprobt haben. Außerdem übersetzen sie gerne Räume oder soziale Ordnungen in theatrale Formate. Ihre Produktionen wurden mit bedeutenden Preisen ausgezeichnet und waren schon mehrfach zum Berliner Theatertreffen eingeladen. Auch All right. Good night. ist dort in diesem Jahr zu Gast. Barbara Morgenstern ist als Musikerin seit 1997 präsent, veröffentlicht vor allem beim Label Monika Enterprise und arbeitete u.a. mit Robert Lippok und To Rococo Rot. Gemeinsam mit Stefan Schneider und Paul Virkus spielt sie in der Band September Collective.

WEITERE INFOS FOLGEN

Es ist alles endlich auf dieser Welt, und doch sind Verluste oft schwer zu begreifen und schwer zu ertragen. 239 Menschen befanden sich an Bord der Boeing MH370, die 2014 spurlos von den Flugradaren verschwand und bis heute nicht gefunden wurde – eines der größten Rätsel der Fluggeschichte. Nicht weniger rätselhaft ist das sukzessive Verschwinden des menschlichen Verstands im Zustand der Demenz. Die Künstlerin Helgard Haug erlebte diesen Prozess bei ihrem Vater, kurz nach dem Drama um MH370. Beides, das weltumspannende Medienereignis und das sich im Stillen vollziehende individuelle Schicksal, setzt sie in Beziehung und schafft damit ein berückend schönes und trauriges Theaterereignis von großer imaginärer Kraft.

All right. Good night. übersetzt die Sprachlosigkeit, mit der wir Trauer und Verlust begegnen, in eine außergewöhnliche Form. Der von Helgard Haug verfasste und sehr berührende Text erscheint vor allem durch Projektionen und Einspielungen. Auf der Bühne agieren fünf Musikerinnen des Zafraan-Ensembles. Sie spielen die eigens für diesen Abend geschaffenen Kompositionen der bekannten Elektropmusikerin Barbara Morgenstern und übertragen die musikalischen Impulse in eine Partitur aus Bewegungsabläufen. Das überraschende Geflecht aus Klang, Licht und Wort entwickelt einen emotionalen Sog, dem man sich nicht entziehen kann.

Helgard Haug ist Teil des Performance-Kollektivs Rimini Protokoll. 2003 gründete sie es gemeinsam mit Daniel Wetzel und Stephan Kaegi. Rimini Protokoll entwickeln ihre Bühnenstücke, Interventionen, szenischen Installationen und Hörspiele oft mit Expert*innen, die ihr Wissen und Können jenseits des Theaters erprobt haben. Außerdem übersetzen sie gerne Räume oder soziale Ordnungen in theatrale Formate. Ihre Produktionen wurden mit bedeutenden Preisen ausgezeichnet und waren schon mehrfach zum Berliner Theatertreffen eingeladen. Auch All right. Good night. ist dort in diesem Jahr zu Gast. Barbara Morgenstern ist als Musikerin seit 1997 präsent, veröffentlicht vor allem beim Label Monika Enterprise und arbeitete u.a. mit Robert Lippok und To Rococo Rot. Gemeinsam mit Stefan Schneider und Paul Virkus spielt sie in der Band September Collective.

Schon in jungen Jahren begann Pape Nziengui Zither zu spielen und in Theaterproduktionen musikalisch mitzuwirken. Seit dreißig Jahren erobert er nunmehr mit seiner Zither die Welt und bereichert sie mit den typischen Elementen gabunischer Musik, deren Tradition – darunter Afro-Zouk, Gabunische Rumba, Biguine – er mit Leidenschaft verbunden ist.

Barockmusik und modernen Tanz vereint das italienische Aterballetto in seinem neuen Programm und stellt als Entdeckungen zwei bei uns bislang wenig bekannte Choreograph*innen aus Kanada und Kuba vor. In enger Zusammenarbeit mit der Fondazione Arturo Toscanini aus Parma, ihrem orchestralen Gegenstück aus der Emilia Romagna, bringt die renommierte Kompanie ein Musikerensemble aus Sänger*innen und Streicher*innen mit, getanzt wird zu einer barocken Suite und einem Stabat Mater.

Die Choreographin Danièle Desnoyers stammt aus Montreal, der Metropole des modernen kanadischen Tanzes, wo sie mit ihrem leichten, flüssigen Stil und ihrer eigenen Compagnie zu den festen Größen der zeitgenössischen Szene zählt. Neben einem theatralischen Element haben ihre Stücke, die oft moderne Großstadtmenschen zeigen, stets auch eine starke Beziehung zur Musik. Ihre Kreation fürs Aterballetto entsteht zu einer Suite des italienischen Komponisten Federico Gon; der Spezialist für Barockmusik ließ sich dafür von Henry Purcell, Georg Friedrich Händel und Antonio Vivaldi inspirieren.

Ausgerechnet zu religiöser Musik lässt der Kubaner Norge Cedeño Raffo tanzen. Der junge, aufstrebende Choreograph, früher Solist bei Danza Contemporánea de Cuba, gestaltet zu Arvo Pärts Stabat Mater ein schmerzvolles Werk zum Thema Abschied. Den aus dem Mittelalter stammenden Text vom Schmerz der Mutter Gottes vertonte der estnische Komponist in seinem charakteristischen, reduzierten Stil. Die ergreifende Wirkung dieser Musik prägt auch den expressiven, freien und im schönsten Sinne puren Tanz: Wie findet man in einer zerstörten Welt und nach einem so großen Verlust wieder Hoffnung, wie kann man weiterleben, so fragt sich Norge Cedeño Raffo in seinem Werk.

Hier geht es zum Trailer zu Stabat Mater!

Barockmusik und modernen Tanz vereint das italienische Aterballetto in seinem neuen Programm und stellt als Entdeckungen zwei bei uns bislang wenig bekannte Choreograph*innen aus Kanada und Kuba vor. In enger Zusammenarbeit mit der Fondazione Arturo Toscanini aus Parma, ihrem orchestralen Gegenstück aus der Emilia Romagna, bringt die renommierte Kompanie ein Musikerensemble aus Sänger*innen und Streicher*innen mit, getanzt wird zu einer barocken Suite und einem Stabat Mater.

Die Choreographin Danièle Desnoyers stammt aus Montreal, der Metropole des modernen kanadischen Tanzes, wo sie mit ihrem leichten, flüssigen Stil und ihrer eigenen Compagnie zu den festen Größen der zeitgenössischen Szene zählt. Neben einem theatralischen Element haben ihre Stücke, die oft moderne Großstadtmenschen zeigen, stets auch eine starke Beziehung zur Musik. Ihre Kreation fürs Aterballetto entsteht zu einer Suite des italienischen Komponisten Federico Gon; der Spezialist für Barockmusik ließ sich dafür von Henry Purcell, Georg Friedrich Händel und Antonio Vivaldi inspirieren.

Ausgerechnet zu religiöser Musik lässt der Kubaner Norge Cedeño Raffo tanzen. Der junge, aufstrebende Choreograph, früher Solist bei Danza Contemporánea de Cuba, gestaltet zu Arvo Pärts Stabat Mater ein schmerzvolles Werk zum Thema Abschied. Den aus dem Mittelalter stammenden Text vom Schmerz der Mutter Gottes vertonte der estnische Komponist in seinem charakteristischen, reduzierten Stil. Die ergreifende Wirkung dieser Musik prägt auch den expressiven, freien und im schönsten Sinne puren Tanz: Wie findet man in einer zerstörten Welt und nach einem so großen Verlust wieder Hoffnung, wie kann man weiterleben, so fragt sich Norge Cedeño Raffo in seinem Werk.

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Shakespeares letzte große Tragödie erzählt auf spannungsvolle Weise die Geschichte vom steilen Aufstieg und jähen Niedergang des Feldherrn Macbeth. Sie handelt von Machtgier und Zweifeln, von innerer Zerrissenheit, Gewissensqualen, Einsamkeit und dramatischem Scheitern, von trügerischen Hoffnungen, Gewaltexzessen, phantastischen Erscheinungen
und dem unvermeidlichen Sieg der Realität.
Anfangs scheint die Welt noch in Ordnung: die Feldherren Macbeth und Banquo retten König Duncan durch ihren unermüdlichen Einsatz seine Krone. Doch dann begegnen sie den drei Hexen, die in verrätselten Worten Macbeth eine Zukunft als König voraussagen und Banquo als Begründer einer Königsdynastie feiern. Sind die Frauen real oder existieren sie nur in Macbeths Phantasie? Die Worte wirken jedenfalls wie Brandbeschleuniger, und angestachelt durch die ehrgeizige Lady Macbeth setzt Macbeth eine Reihe verhängnisvoller Ereignisse in Gang. In atemloser Dichte wird er zum Königsmörder, häuft zur weiteren Sicherung seiner Macht Verbrechen auf Verbrechen und erkennt bald, dass es kein Zurück geben kann. Dabei schwankt er im Selbstgespräch zwischen moralischen Skrupeln und der
Faszination des Bösen, und auch seine Frau wird von ihren Gewissensnöten verfolgt und schließlich in Wahnsinn und Tod getrieben. Der Ratsspruch der Hexen verspricht noch einmal trügerische Sicherheit:

„Sei blutig, kühn und frech; lach aller Toren
Dir schadet keiner, den ein Weib geboren. (…)
Macbeth wird nie besiegt, bis einst hinan
Der große Birnamswald zum Dunsinan
Feindlich emporsteigt.“

Doch die Katastrophe ist unausweichlich: So wie Macbeths Verbrechen die Ordnung des gesamten Kosmos in Frage gestellt und die Krankheit seiner Blutherrschaft am Ende das ganze Volk befallen hat, so gewinnen am Ende die heilenden Kräfte die Oberhand.

In Misericordia erzählt Emma Dante die Geschichte von drei Prostituierten und dem behinderten Jungen Arturo, der mit ihnen in einer heruntergekommenen Ein-Zimmer-Wohnung lebt. Tagsüber stricken die Frauen Tücher, und nach Sonnenuntergang sitzen sie am Eingang ihres Hauses und bieten ihre nicht mehr jungen Körper den Passanten an.
Arturo ist ein hyperaktiver kleiner Junge und kann nicht einen Moment still sein. Jeden Abend zur gleichen Zeit geht er zum Fenster und hängt seinem Traum nach, in einer Band die Basstrommel zu spielen. Die Musik hat ihn schon früh begleitet, denn Arturos Mutter Lucia hatte ein kleines Radio, das permanent eingeschaltet war. Das Haus war voller Musik, und Lucia tanzte für die Männer. Vor allem tanzte sie für einen Schreiner mit dem Spitznamen Geppetto, der jeden Donnerstag zu Besuch kam. Er war der Besitzer eines Sägewerks, das Obstkisten herstellte. Obwohl er gut verdiente, vernachlässigte er sich selbst. Er war anfällig für Gewalt. Arturo wurde in eine wenig liebevolle Welt hineingeboren und seine Mutter Lucia starb tragischerweise zwei Stunden nach der Geburt. Trotz ihres eigenen Überlebenskampfes wollen ihm Anna, Nuzza und Bettina ein Zuhause geben und Arturo wie ihren eigenen Sohn aufziehen.
Die Gemüter der drei Frauen sind durchweg aufgewühlt, ihnen haftet etwas Wildes an. Wichtig ist nicht, was sie sagen, sondern wie sie es sagen: gestenreich unterstreichen sie jedes Wort, ganz so, wie es Italienerinnen und erst recht Sizilianerinnen zu eigen ist. Arturo wird in Emma Dantes Inszenierung von dem Tänzer Simone Zambelli dargestellt. Obwohl er stumm ist, bringt er die Emotionen des Jungen mit der Sprache des Körpers deutlicher und unmittelbarer zum Ausdruck als es Worte könnten.
Emma Dante blickt tief in die Seele ihrer Protagonist*innen und setzt in ihrem bildreichen und performativen Inszenierungsstil voll und ganz auf den Körper, um die Spannungen und Verrücktheiten ihrer Figuren zum Ausdruck zu bringen,

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Die beiden Figuren in dem mehrfach ausgezeichneten Stück für die Allerkleinsten wohnen in verschiedenen Stockwerken und nehmen die Dinge um sie herum von unterschiedlichen Ausblicken wahr.
Beide haben sie ihre sicheren Bezugspunkte, manches macht ihnen aber auch Angst. Auf jeden Fall sind sie neugierig, den Nachbarn zu treffen. Nur eine kleine rote Katze verbindet sie, denn sie lebt auf beiden Stockwerken. Als die Katze vermisst wird, treffen sie sich endlich und nehmen die Verfolgung auf. Die Suche wird bald zu einer Reise voller Entdeckungen und Wunder. Fast vergessen sie irgendwann den Grund, warum sie sich auf den Weg gemacht haben, voller Freude darüber, dass sie sich besser kennengelernt haben.
Vielleicht durch Zufall erscheinen Räume wie auf den Kopf gestellt und zusammen erscheint ihnen die Welt völlig anders als zuvor – oder steckt doch ein tieferer Sinn dahinter und es war alles gar kein Zufall?Die beiden Figuren in dem mehrfach ausgezeichneten Stück für die Allerkleinsten wohnen in verschiedenen Stockwerken und nehmen die Dinge um sie herum von unterschiedlichen Ausblicken wahr.
Beide haben sie ihre sicheren Bezugspunkte, manches macht ihnen aber auch Angst. Auf jeden Fall sind sie neugierig, den Nachbarn zu treffen. Nur eine kleine rote Katze verbindet sie, denn sie lebt auf beiden Stockwerken. Als die Katze vermisst wird, treffen sie sich endlich und nehmen die Verfolgung auf. Die Suche wird bald zu einer Reise voller Entdeckungen und Wunder. Fast vergessen sie irgendwann den Grund, warum sie sich auf den Weg gemacht haben, voller Freude darüber, dass sie sich besser kennengelernt haben.
Vielleicht durch Zufall erscheinen Räume wie auf den Kopf gestellt und zusammen erscheint ihnen die Welt völlig anders als zuvor – oder steckt doch ein tieferer Sinn dahinter und es war alles gar kein Zufall?

Auch in diesem Jahr gibt es wieder ein Weihnachtsspezial mit literarischen Beiträgen, Gästen aus der näheren Umgebung, Musik und in diesem Fall passend zum Anlass dem Sektgut Raumland aus Flörsheim-Dalsheim, das Kostproben seiner Bestände gibt.

SpongeBob ist zurück!

Ab dem 1.Oktober 2022 tourt der Broadway-Erfolg DAS SPONGE BOBMUSICAL mit einer eigenen Inszenierung erstmals durch Deutschland, Österreich und die Schweiz. Bekannt aus der international beliebten Serie SpongeBob Schwammkopf,vereint die Show die bekannten Charaktere SpongeBob, Patrick, Mr.Krabs und Sandy mit einer neuen Story und einem hochklassigen Soundtrack. DASSPONGEBOBMUSICAL ist ein echtes Bühnenspektakel mit Musik, die so bunt und vielfältig ist wie die Serie–komponiert von den ganz großen Namen der Musikindustrie. Das Publikum kann sich auf teils bekannte, teils neue Hits des Pop-/Rock-Genres freuen. Bei Songs von John Legend, Panic!At the Disco, Plain White T’s, Aerosmith, Cyndi Lauper und vielen mehr findet jeder seinen persönlichen Ohrwurm. Die Füße still halten? Keine Chance! Bei SpongeBob ist gute Laune vorprogrammiert. Mal geht es schnell und abgedreht zu, dann wieder gefühlvoll und emotional. Die Musicalbesucher erleben eine Achterbahnfahrt der Gefühle zum Mitsingen und Mittanzen.

Im Amerika des 19. Jahrhunderts: Cedric Errol ist ein fröhlicher Junge, ein liebenswerter, unbeschwerter Lausbub, der in bescheidenen Verhältnissen bei seiner Mutter aufwächst. Von jetzt auf gleich wird Cedric aus seinem gewohnten Leben herausgerissen und hinaufkatapultiert in die Höhen der englischen Aristokratie. Er wäre zwar „viel lieber Präsident der Vereinigten Staaten als ein Lord“ geworden, sein mürrischer und hartherziger Großvater hat jedoch andere Pläne und möchte aus dem Enkel den kleinen Lord Fauntleroy machen, einen Erben in seinem Geiste. Doch die Lehrstunden verlaufen anders als gedacht: Cedric knackt im Nu die harte Schale des Großvaters und entlockt ihm nie gezeigte Wesenszüge wie Freundlichkeit, Hilfsbereitschaft, Mitgefühl und Großherzigkeit. So werden der Alte und der kleine Lord Hand in Hand zu respektablen Aristokraten und Cedric kann den Großvater sogar mit seiner geschmähten amerikanischen Mutter wiedervereinen. Das Musicalformat bietet der bekannten Geschichte viel Raum für reizvolle Wechselspiele und auch die kleinsten Rollen sind liebevoll ausgestaltet. In zauberhaften historischen Kostümen und einem Bühnenbild voller Nostalgie lässt sich sogar der Saxophonist beim Spielen die Schuhe putzen!
Frances Hodgson Burnett, die Autorin des Weihnachtsklassikers, auf dem sowohl der bekannte Weihnachtsfilm als auch dieses herzerfrischende Musical basieren, übt auf spielerische Weise nachhaltig Kritik an den sozialen Umständen in ihrem Heimatland England und zieht Vergleiche zu ihrer Wahlheimat Amerika. Die, trotz der Herkunft von unterschiedlichen Seiten des Ozeans, am Ende vereinte Familie steht somit für den Wunsch nach einem harmonischen Miteinander, welcher gerade in der Adventszeit allgegenwärtig ist. Denn was wäre die Welt ohne Wunder, an die wir gerade an Weihnachten so gerne glauben möchten?

SpongeBob ist zurück!

Ab dem 1.Oktober 2022 tourt der Broadway-Erfolg DAS SPONGE BOBMUSICAL mit einer eigenen Inszenierung erstmals durch Deutschland, Österreich und die Schweiz. Bekannt aus der international beliebten Serie SpongeBob Schwammkopf,vereint die Show die bekannten Charaktere SpongeBob, Patrick, Mr.Krabs und Sandy mit einer neuen Story und einem hochklassigen Soundtrack. DASSPONGEBOBMUSICAL ist ein echtes Bühnenspektakel mit Musik, die so bunt und vielfältig ist wie die Serie–komponiert von den ganz großen Namen der Musikindustrie. Das Publikum kann sich auf teils bekannte, teils neue Hits des Pop-/Rock-Genres freuen. Bei Songs von John Legend, Panic!At the Disco, Plain White T’s, Aerosmith, Cyndi Lauper und vielen mehr findet jeder seinen persönlichen Ohrwurm. Die Füße still halten? Keine Chance! Bei SpongeBob ist gute Laune vorprogrammiert. Mal geht es schnell und abgedreht zu, dann wieder gefühlvoll und emotional. Die Musicalbesucher erleben eine Achterbahnfahrt der Gefühle zum Mitsingen und Mittanzen.

Im Amerika des 19. Jahrhunderts: Cedric Errol ist ein fröhlicher Junge, ein liebenswerter, unbeschwerter Lausbub, der in bescheidenen Verhältnissen bei seiner Mutter aufwächst. Von jetzt auf gleich wird Cedric aus seinem gewohnten Leben herausgerissen und hinaufkatapultiert in die Höhen der englischen Aristokratie. Er wäre zwar „viel lieber Präsident der Vereinigten Staaten als ein Lord“ geworden, sein mürrischer und hartherziger Großvater hat jedoch andere Pläne und möchte aus dem Enkel den kleinen Lord Fauntleroy machen, einen Erben in seinem Geiste. Doch die Lehrstunden verlaufen anders als gedacht: Cedric knackt im Nu die harte Schale des Großvaters und entlockt ihm nie gezeigte Wesenszüge wie Freundlichkeit, Hilfsbereitschaft, Mitgefühl und Großherzigkeit. So werden der Alte und der kleine Lord Hand in Hand zu respektablen Aristokraten und Cedric kann den Großvater sogar mit seiner geschmähten amerikanischen Mutter wiedervereinen. Das Musicalformat bietet der bekannten Geschichte viel Raum für reizvolle Wechselspiele und auch die kleinsten Rollen sind liebevoll ausgestaltet. In zauberhaften historischen Kostümen und einem Bühnenbild voller Nostalgie lässt sich sogar der Saxophonist beim Spielen die Schuhe putzen!
Frances Hodgson Burnett, die Autorin des Weihnachtsklassikers, auf dem sowohl der bekannte Weihnachtsfilm als auch dieses herzerfrischende Musical basieren, übt auf spielerische Weise nachhaltig Kritik an den sozialen Umständen in ihrem Heimatland England und zieht Vergleiche zu ihrer Wahlheimat Amerika. Die, trotz der Herkunft von unterschiedlichen Seiten des Ozeans, am Ende vereinte Familie steht somit für den Wunsch nach einem harmonischen Miteinander, welcher gerade in der Adventszeit allgegenwärtig ist. Denn was wäre die Welt ohne Wunder, an die wir gerade an Weihnachten so gerne glauben möchten?

Ein geiziger Miesepeter, vier Geister und eine lehrreiche Weihnachtsnacht: An Charles Dickens‘ Christmas Carol führt zur Weihnachtszeit kein Weg vorbei. Seit 1843 erfreut sich die Geschichte ungebrochener Beliebtheit, denn auch über 150 Jahre später sind die Themen aktueller denn je.
Die Hauptfigur Ebenezer Scrooge ist Geschäftsmann durch und durch, sein Leben dreht sich nur um Arbeit und Geld und seinen Mitarbeitern ist er ein strenger und empathieloser Chef, der selbst dem fleißigsten und gutherzigsten Angestellten weder fairen Lohn noch Urlaub an den Festtagen gewährt. Er selbst lehnt alle Einladungen zum Festessen ab, jagt Bittsteller davon und verbringt Heiligabend lieber in seinem Büro. Weihnachten hält er nämlich für totalen Humbug.
Eines Nachts soll sich all das ändern. Scrooge bekommt Besuch von Geistern, die ihm die Auswirkungen seines Verhaltens vor Augen führen. Zunächst geschockt, lässt sich der Protagonist auf eine hochdramatische Reise durch Vergangenheit, Gegenwart und Zukunft ein und öffnet sein Herz für Mitgefühl, Freude und Weihnachtszauber.
Die American Drama Group lädt das Publikum auf diese Reise ein und regt zum Reflektieren des eigenen Verhaltens an. Die facettenreiche Performance in englischer Sprache, die mal witzig und turbulent und mal ganz leise und nachdenklich daherkommt, endet mit der Rückbesinnung auf die Werte des Weihnachtsfestes und sorgt bei Jung und Alt für Feststimmung.

Die Compagnie Illicite ist ein junges Ballettensemble. Erst vor sieben Jahren wurde es im baskischen Bayonne gegründet. Fábio Lopez, Leiter der Compagnie, fühlt sich der Tradition und den Größen des zeitgenössischen Balletts verpflichtet, insbesondere sieht er sich in einer Linie mit Hans van Manen, Jean-Christophe Maillot und Thierry Malandain. Mit seiner Truppe hat er einen eleganten, zeitgenössischen und charmanten Tanzstil entwickelt, der europaweit Begeisterung auslöst.
Die Verknüpfung von Tradition und Gegenwart ist bei Lopez Programm. Auch das Märchen vom Dornröschen liest er aus einer heutigen Perspektive. Im schlafenden Mädchen und seinem Prinzen sieht er zwei Teenager am Übergang vom Kind zum Erwachsenen. Der Schlaf ist Ausdruck für ihren Rückzug aus der Gesellschaft, den sie für ihre persönliche Entwicklung brauchen. Nach diesem Prozess erwachen sie als gereifte Persönlichkeiten, die voller Liebe und Optimismus ins Leben gehen.
Fábio Lopez greift auf Tschaikowskys bekannte Ballettmusik zurück, scheut sich aber nicht vor Veränderungen. Für den abschließenden Pas de deux verwendet er ein Musikstück von Maurice Ravel, das den Aufbruch des Paares in die Moderne verdeutlichen soll. Mit wunderschönen, ergreifenden Bildern zeigt der Choreograph, was heute vom klassischen Ballett zu verlangen ist: eine neue Lesart, die das Erbe respektiert, aber eine Geschichte so darzustellen vermag, dass die den Erwartungen und der Schärfe des zeitgenössischen Blicks gerecht wird.

Die Compagnie Illicite ist ein junges Ballettensemble. Erst vor sieben Jahren wurde es im baskischen Bayonne gegründet. Fábio Lopez, Leiter der Compagnie, fühlt sich der Tradition und den Größen des zeitgenössischen Balletts verpflichtet, insbesondere sieht er sich in einer Linie mit Hans van Manen, Jean-Christophe Maillot und Thierry Malandain. Mit seiner Truppe hat er einen eleganten, zeitgenössischen und charmanten Tanzstil entwickelt, der europaweit Begeisterung auslöst.
Die Verknüpfung von Tradition und Gegenwart ist bei Lopez Programm. Auch das Märchen vom Dornröschen liest er aus einer heutigen Perspektive. Im schlafenden Mädchen und seinem Prinzen sieht er zwei Teenager am Übergang vom Kind zum Erwachsenen. Der Schlaf ist Ausdruck für ihren Rückzug aus der Gesellschaft, den sie für ihre persönliche Entwicklung brauchen. Nach diesem Prozess erwachen sie als gereifte Persönlichkeiten, die voller Liebe und Optimismus ins Leben gehen.
Fábio Lopez greift auf Tschaikowskys bekannte Ballettmusik zurück, scheut sich aber nicht vor Veränderungen. Für den abschließenden Pas de deux verwendet er ein Musikstück von Maurice Ravel, das den Aufbruch des Paares in die Moderne verdeutlichen soll. Mit wunderschönen, ergreifenden Bildern zeigt der Choreograph, was heute vom klassischen Ballett zu verlangen ist: eine neue Lesart, die das Erbe respektiert, aber eine Geschichte so darzustellen vermag, dass die den Erwartungen und der Schärfe des zeitgenössischen Blicks gerecht wird.

Der kleine Nick ist ein aufgeweckter Junge, auch wenn er in der Schule nicht unbedingt der Beste ist. Zusammen mit seinen Freunden Georg, der einen reichen Papa hat, Franz, dem Stärksten aus der Klasse und dem dicken Otto, der dauernd Hunger hat, lässt er sich keine Gelegenheit entgehen, seine Umwelt in Angst und Schrecken zu versetzen. Ihre Eltern geraten regelmäßig an den Rand eines Nervenzusammenbruchs, aber auch sonst ist niemand vor ihnen und ihren Streichen sicher, allen voran der Schulfotograf, der Aushilfslehrer „Hühnerbrüh“ (der eigentlich Hühnerfeld heißt) und der Klassenerste Adalbert.
Gemeinsam erleben sie alle möglichen und unmöglichen Geschichten: Ihr Leben dreht sich um Schule, Fußball, Baumhäuser bauen, Raufereien auf dem Schulhof, die Lehrer ärgern, Lesen (das ist eine Krankheit!) und selbst so etwas Schwieriges wie Mädchen.
René Goscinny, einer der beiden Erfinder von Asterix und Obelix, veröffentlichte gemeinsam mit dem Zeichner Jean-Jacques Sempé in den 1960er-Jahren kleine Episoden rund um die Figur des kleinen Nick. Später wurden diese Geschichten in fünf Büchern zusammengefasst, die heute zu den Klassikern der modernen Kinderliteratur zählen.

Frankreich, 1626. Auf dem Thron sitzen der politisch unerfahrene Ludwig XIII. und dessen Frau Anna. Die wahre Macht aber hat Kardinal Richelieu, dessen Ziel es ist, die Hugenotten auszurotten und die Stärke der Kirche zu festigen. Zur gleichen Zeit bricht der junge D’Artagnan in Begleitung seines treuen Pferdes Pomme de Terre nach Paris auf, um dort wie einst sein Vater Musketier zu werden. Es folgt ein großes Abenteuer voller aufregender Gefechte, Intrigen, Geheimnisse und ganz großer Gefühle: Er freundet sich schnell mit den drei Musketieren des Königs, Athos, Porthos und Aramis an und nun liegt es an D’Atargnan, nach England zu reisen, um eine Verschwörung gegen die Königin zu vereiteln und hoffentlich unbeschadet nach Paris zurückzukehren, wo die schöne Constanze auf ihn wartet.
Unzählige Male schon wurde Dumas‘ berühmter Roman in den unterschiedlichsten Medien adaptiert, auch in dieser Spielzeit zeigt das Theater im Pfalzbau die Musicalinszenierung von Iris Limbarth als Eigenproduktion mit dem Ensemble des Jungen Musicals der Pfalzbau Bühnen. Mit eindrucksvollen Fechtszenen, ergreifenden Balladen, historisch anmutenden Kostümen und beeindruckenden Choreographien bietet die Inszenierung spannende Unterhaltung für alle Altersgruppen.

Das musikalisch Beste aus allen Harry Potter Filmen und dem Musical mit dem London Philharmonic & Symphonic Film Orchestra!

Frankreich, 1626. Auf dem Thron sitzen der politisch unerfahrene Ludwig XIII. und dessen Frau Anna. Die wahre Macht aber hat Kardinal Richelieu, dessen Ziel es ist, die Hugenotten auszurotten und die Stärke der Kirche zu festigen. Zur gleichen Zeit bricht der junge D’Artagnan in Begleitung seines treuen Pferdes Pomme de Terre nach Paris auf, um dort wie einst sein Vater Musketier zu werden. Es folgt ein großes Abenteuer voller aufregender Gefechte, Intrigen, Geheimnisse und ganz großer Gefühle: Er freundet sich schnell mit den drei Musketieren des Königs, Athos, Porthos und Aramis an und nun liegt es an D’Atargnan, nach England zu reisen, um eine Verschwörung gegen die Königin zu vereiteln und hoffentlich unbeschadet nach Paris zurückzukehren, wo die schöne Constanze auf ihn wartet.
Unzählige Male schon wurde Dumas‘ berühmter Roman in den unterschiedlichsten Medien adaptiert, auch in dieser Spielzeit zeigt das Theater im Pfalzbau die Musicalinszenierung von Iris Limbarth als Eigenproduktion mit dem Ensemble des Jungen Musicals der Pfalzbau Bühnen. Mit eindrucksvollen Fechtszenen, ergreifenden Balladen, historisch anmutenden Kostümen und beeindruckenden Choreographien bietet die Inszenierung spannende Unterhaltung für alle Altersgruppen.

40. Ludwigshafener Stadtmeisterschaft

Die besten Vereinsmannschaften Ludwigshafens gehen alljährlich im Januar bei der Hallenfußball-Stadtmeisterschaft in der Friedrich-Ebert-Halle an den Start.

Der besondere Reiz dieses Hallenfußballturniers liegt in der schnellen Spielweise und den dadurch bedingt vielen Toren der Begegnungen. Durch eine gegenüber dem Fußballplatz auf dem Rasen deutlich kleineren Spielfeldgröße gewinnen die Partien deutlich an Dynamik. Ein zusätzlicher Vorteil für die Zuschauer in der Friedrich-Ebert-Halle ist die unmittelbare Nähe der Besucherränge zum fußballerischen Geschehen auf dem Platz.

Große Liebe, großer Traum: Was bist du bereit zu geben?

Flashdance erzählt die Geschichte der jungen Alex, die tagsüber in einem Stahlwerk und nachts als Tänzerin in einer Bar arbeitet. Erst verliebt sie sich in ihren Chef, dann könnte auch noch ihr großer Traum wahr werden: eine Karriere als Profitänzerin. Das Vortanzen an einer Akademie wird zur Chance ihres Lebens. Schnell muss Alex entscheiden: Wie sehr ist sie bereit, für ihren Traum zu kämpfen? Eine epische Liebesgeschichte für einen unvergesslichen Abend – Gänsehaut pur!

Große Liebe, großer Traum: Was bist du bereit zu geben?

Flashdance erzählt die Geschichte der jungen Alex, die tagsüber in einem Stahlwerk und nachts als Tänzerin in einer Bar arbeitet. Erst verliebt sie sich in ihren Chef, dann könnte auch noch ihr großer Traum wahr werden: eine Karriere als Profitänzerin. Das Vortanzen an einer Akademie wird zur Chance ihres Lebens. Schnell muss Alex entscheiden: Wie sehr ist sie bereit, für ihren Traum zu kämpfen? Eine epische Liebesgeschichte für einen unvergesslichen Abend – Gänsehaut pur!

Große Liebe, großer Traum: Was bist du bereit zu geben?

Flashdance erzählt die Geschichte der jungen Alex, die tagsüber in einem Stahlwerk und nachts als Tänzerin in einer Bar arbeitet. Erst verliebt sie sich in ihren Chef, dann könnte auch noch ihr großer Traum wahr werden: eine Karriere als Profitänzerin. Das Vortanzen an einer Akademie wird zur Chance ihres Lebens. Schnell muss Alex entscheiden: Wie sehr ist sie bereit, für ihren Traum zu kämpfen? Eine epische Liebesgeschichte für einen unvergesslichen Abend – Gänsehaut pur!

Große Liebe, großer Traum: Was bist du bereit zu geben?

Flashdance erzählt die Geschichte der jungen Alex, die tagsüber in einem Stahlwerk und nachts als Tänzerin in einer Bar arbeitet. Erst verliebt sie sich in ihren Chef, dann könnte auch noch ihr großer Traum wahr werden: eine Karriere als Profitänzerin. Das Vortanzen an einer Akademie wird zur Chance ihres Lebens. Schnell muss Alex entscheiden: Wie sehr ist sie bereit, für ihren Traum zu kämpfen? Eine epische Liebesgeschichte für einen unvergesslichen Abend – Gänsehaut pur!

Große Liebe, großer Traum: Was bist du bereit zu geben?

Flashdance erzählt die Geschichte der jungen Alex, die tagsüber in einem Stahlwerk und nachts als Tänzerin in einer Bar arbeitet. Erst verliebt sie sich in ihren Chef, dann könnte auch noch ihr großer Traum wahr werden: eine Karriere als Profitänzerin. Das Vortanzen an einer Akademie wird zur Chance ihres Lebens. Schnell muss Alex entscheiden: Wie sehr ist sie bereit, für ihren Traum zu kämpfen? Eine epische Liebesgeschichte für einen unvergesslichen Abend – Gänsehaut pur!

Komm mit und entdecke die verborgenen Geheimnisse, die in unserer Wiese schlummern! Denn sie steckt voller Abenteuer und Überraschungen. Oft sind es gerade die kleinen und kleinsten Dinge des Lebens, die höchst interessant sind.
Gemeinsam mit dem Mauswiesel Humboldt, einem neugierigen Naturforscher, gehen wir auf Entdeckungsreise und bekommen fantastische Einblicke in das Leben der Wiesenbewohner.
In Wiesenträume können wir mitverfolgen, wie Käfer zum Tanzen ausgehen, in welch unbekannte Höhen sich Vincent die Ameise wagt oder wie es klingt, wenn die Hummel Niccolo Bombini Heimweh hat. Begleitet von bekannten und fremdartigen Klängen erfahren wir, was Molte Maulwurf nach getaner Arbeit am liebsten macht. Aus nächster Nähe können wir beobachten, wie sich der Nimmersatt Lysandro in einen wunderschönen Schmetterling verwandelt. Und nicht zuletzt stellt sich die Frage, was Raupen wohl zum Frühstück essen!
Mit spielerischen Klängen zum Träumen lädt das musikalische Wiesenabenteuer alle Kinder ab 2 Jahren ein, Vertrautes und Neues zu entdecken.

Keine andere Band in der Geschichte der Popmusik hat der Welt ein derartig fantastisches musikalisches Gesamtwerk geschenkt wie die vier Schweden Agnetha Fältskog, Anni-Frid Lyngstad, Björn Ulvaeus und Benny Andersson. Keiner anderen Band ist es gelungen, sage und schreibe vier Generationen an Fans und Musikliebhabern so zu fesseln und zu begeistern wie die Band ABBA es erreicht hat.

Mit “Waterloo” eroberte ABBA die weltweiten Charts und die Herzen der Menschen im Sturm! Der Sieg beim Grand Prix in Brighton 1974 machte die sympathischen Schweden über Nacht zur bekanntesten Pop-Band dieser Zeit. Es folgte Hit auf Hit: “Mamma Mia”, “SOS“, “Super Trouper”, “Knowing Me Knowing You”, “Chiquitita”, “Money Money Money” und viele mehr!

ABBA – The Tribute Concert fängt die Faszination dieser großartigen Band und der dazugehörigen Ära perfekt ein. ABBAMUSIC, bestehend aus acht italienischen Vollblutmusikern, lässt die großen Hits detailgetreu erklingen, LIVE und dennoch in musikalischer Studioqualität. Eine professionelle Lichtshow unterstreicht mit den knalligen Farben der Siebziger den unverwechselbaren Retro-Look.
Authentisch, leidenschaftlich, mitreißend – eine großartige Bühnenshow!

Mit mehr als 350 Millionen verkauften Alben weltweit gehört ABBA zu den kommerziell erfolgreichsten Bands und ein Ende der ABBA – Mania ist nicht abzusehen! Die Faszination und Popularität der unvergesslichen Ohrwürmer ist ungebrochen – auch dank des weltweit erfolgreichen Musicals „Mamma Mia“ und den gleichnamigen Filmen.

Das „neue“ ABBA-Fieber hat längst auch die heute jungen Musikfans ergriffen, die nicht selten zusammen mit ihren Eltern zu ABBA – The Tribute Concert kommen. Die verrückten Siebziger kehren zurück – mit Schlaghosen, Plateauschuhen, Hotpants, Minirock und den fantastischen Hits der legendären schwedischen Superstars.

Nach den grammatikalisch zum Teil ehrgeizigen Programmtiteln wie HETZ MICH NICHT!, KEINE ANHUNG (Na, den kleinen Schreibfehler entdeckt?) und ICH FIND’S LUSTIG steht jetzt das nächste, brandheiße und natürlich wieder zu 100 Prozent grammelige Live-Programm fertig in den Startlöchern. Beziehungsweise fast. Also: FAST FERTIG!
Denn so heißt das neue hemmungslos alberne, grammelsche Bühnenspektakel. Aber Spandaus ganzer Stolz und blondgesträhnter Puppet Comedy-König feilt natürlich wie gewohnt noch bis zur allerletzten Sekunde an seinem bisher definitiv verrücktesten und emotionalsten Programm. Man kann sich also auf einige wilde Überraschungen freuen!
Fest steht nur, dass es Saschas beliebt-skurrile Puppen-Mannschaft mit FAST FERTIG! diesmal auf eine einsame Trauminsel verschlagen hat. Dabei haben die Bühnenbildbauer rund um Meister Grammel mal wieder ganz besonders liebevoll in der wunderbar kunterbunten Fantasie-Welt-Kiste herumgestöbert: so eine Insel wie Grammel Island hat man sicher noch nie auf deutschen Comedy-Bühnen gesehen.
Und mittendrin zwischen Palmen, Sand und sprechenden Bergen unser Spandauer Sonnenscheinchen und hochalberner Gute-Laune-Garant Sascha Grammel, der sich auch diesmal ganz fest vorgenommen hat, fast zwei Stunden am Stück mit sich selbst zu reden, mit Puppen zu spielen und sich dabei von möglichst vielen Menschen anschauen und sogar filmen zu lassen.
Selbstverständlich auch bei FAST FERTIG! wieder mit in Grammels Erfolgs-Dream-Team: alle seine beliebt-bekannten Puppen-Charaktere wie Frederic, Josie, Prof. Hacke & Co. Aber auch – einfach sensationell – Saschas bisher größte Bauchrednerpuppe überhaupt ist auf seiner kleinen Spaß-Insel gestrandet!

In einem herrschaftlichen Haus am Meer soll eine Hochzeit stattfinden. Im dunklen Betriebshof wird geliefert, geputzt, geräumt, bewacht und entsorgt. In einer poetischen Melange aus bitterer Tragik und düsterem Slapstick geben die liebenswerten Charaktere ihr Bestes, um die reibungslose Versorgung des prächtigen Hauses am Meer zu sichern. Dazu verurteilt, schwach zu bleiben, kämpfen sie um ihre Würde und den Respekt der Starken und Reichen. Aber plötzlich ist das Meer verschwunden und es bleibt nur eine Wüste aus Sand und Stein. Für einen Augenblick steht alles still. Doch die Musik spielt lauter, das Fest der Liebe soll weitergehen. Feste ist ein Märchen für Erwachsene ohne Worte, eine tragikomische Geschichte über die Jagd nach dem individuellen Glück – hinter der sich jedoch noch mehr verbirgt: Gleich den Engeln von Paul Klee, bezeugen die Masken mit ihrer stillen Unbeweglichkeit den tosenden Wahnsinn des Fortschritts.

Die stillgelegte Zeche „Hannover“ in Bochum ist 1996 Schauplatz der Uraufführung von Familie Flöz kommt über Tage, einer Hommage an die Bergbau- und Arbeiterkultur des Ruhrgebiets. Das Stück wird von Presse und Publikum gleichermaßen gefeiert. Flöz bezeichnet die Erdschicht, in der wertvolle Rohstoffe eingelagert sind. Seitdem wurden die Stücke von Familie Flöz mit großem Erfolg in 43 Ländern gezeigt, darunter Teatro Delusio und der sogenannte „Alpenthriller“ Hotel Paradiso.

In einem herrschaftlichen Haus am Meer soll eine Hochzeit stattfinden. Im dunklen Betriebshof wird geliefert, geputzt, geräumt, bewacht und entsorgt. In einer poetischen Melange aus bitterer Tragik und düsterem Slapstick geben die liebenswerten Charaktere ihr Bestes, um die reibungslose Versorgung des prächtigen Hauses am Meer zu sichern. Dazu verurteilt, schwach zu bleiben, kämpfen sie um ihre Würde und den Respekt der Starken und Reichen. Aber plötzlich ist das Meer verschwunden und es bleibt nur eine Wüste aus Sand und Stein. Für einen Augenblick steht alles still. Doch die Musik spielt lauter, das Fest der Liebe soll weitergehen. Feste ist ein Märchen für Erwachsene ohne Worte, eine tragikomische Geschichte über die Jagd nach dem individuellen Glück – hinter der sich jedoch noch mehr verbirgt: Gleich den Engeln von Paul Klee, bezeugen die Masken mit ihrer stillen Unbeweglichkeit den tosenden Wahnsinn des Fortschritts.

Die stillgelegte Zeche „Hannover“ in Bochum ist 1996 Schauplatz der Uraufführung von Familie Flöz kommt über Tage, einer Hommage an die Bergbau- und Arbeiterkultur des Ruhrgebiets. Das Stück wird von Presse und Publikum gleichermaßen gefeiert. Flöz bezeichnet die Erdschicht, in der wertvolle Rohstoffe eingelagert sind. Seitdem wurden die Stücke von Familie Flöz mit großem Erfolg in 43 Ländern gezeigt, darunter Teatro Delusio und der sogenannte „Alpenthriller“ Hotel Paradiso.

Auch in der Spielzeit 2022/2023 wird das Pfalztheater Kaiserslautern mit attraktiven, spannenden Musiktheaterproduktionen in Ludwigshafen zu Gast sein. Das Spektrum reicht in dieser Saison von der großen Oper sowohl aus Italien wie aus Deutschland über die klassische Operette bis zum aktuellen Musical. Die Titel auf dem Spielplan sind im Einzelnen:

Macbeth, Oper von Giuseppe Verdi
Tannhäuser und der Sängerkrieg auf Wartburg, Oper von Richard Wagner
Sunset Boulevard, Musical von Andrew Lloyd Webber nach dem Film von Billy Wilder
Die lustige Witwe, Operette von Franz Lehár

Inzwischen ist es schon Tradition, dass das Pfalztheater Kaiserslautern seine Produktionen dem Ludwigshafener Publikum vorab in einer Matinee vorstellt. Am Sonntag, 12. März 2023, ab 11.00 Uhr gibt es im Gläsernen Foyer/im Großen Haus des Theaters im Pfalzbau Wissenswertes zu den Stücken und den Inszenierungen wie selbstverständlich auch musikalische Kostproben mit Ensemblemitgliedern des Pfalztheaters.

Mit GHOST–NACHRICHT VO NSAM kehrt nach dem Erfolg der Tour 2022 eine der größten Liebesgeschichten der 90er Jahre auf dieMusical-Bühne zurück. Der Kultfilm mit Whoopi Goldberg und Patrick Swayze, der für immer Spuren hinterlassen hat und eine Geschichte,in der die Liebe sogar den Tod besiegt. Das Publikum wird mitgerissen von der Kraft der Gefühle, der greifbaren Spannung und natürlich “UNCHAINED MELODY”-man verliebt sich nochmal neu in das Meisterwerk von 1989.

Mit GHOST–NACHRICHT VON SAM kehrt nach dem Erfolg der Tour 2022 eine der größten Liebesgeschichten der 90er Jahre auf die Musical-Bühne zurück. Der Kultfilm mit Whoopi Goldberg und Patrick Swayze, der für immer Spuren hinterlassen hat und eine Geschichte, in der die Liebe sogar den Tod besiegt. Das Publikum wird mitgerissen von der Kraft der Gefühle, der greifbaren Spannung und natürlich “UNCHAINED MELODY”-man verliebt sich nochmal neu in das Meisterwerk von 1989.

Die beiden im Abstand von 14 Jahren entstandenen Choreographien dieses Doppelabends sind jeweils Ausdruck der Auseinandersetzung des Choreographen Rodrigo Pederneiras mit der Gesellschaft zur Zeit ihrer Entstehung. Und doch lebt der Abend vor allem von der Unterschiedlichkeit der beiden Choreographien.

Das 2007 uraufgeführte Ballett Breu ist eine poetische Übersetzung der gewalttätigen, barbarischen Zeiten, in denen wir leben. Es zeigt die radikalsten Tanzbewegungen von Rodrigo Perderneiras in 30 Jahren als Choreograph der brasilianischen Tanzkompanie. Um die komplexe, durchdringende Partitur der Sängerin und Komponistin Lenine in Bewegung umzusetzen, mussten der Choreograph und die Tänzer die Sinnlichkeit, den Lyrismus und die Freude, die die Arbeit der Gruppe seit 1992 geprägt hatten, hinter sich lassen und neue Bewegungsformen entwickeln. Das Ergebnis war Breu, ein Ballett, dessen Formen härter, kantiger und kraftvoller sind als die seiner Vorgänger. Die abrupten Stürze und die schmerzhaft langsamen Aufwärtsbewegungen der Tänzer scheinen ihre Körper zum Boden zu verdammen, wo sie sich mit Hilfe des Beckens, der Handgelenke, der Ellbogen, der Knie, der Knöchel und der Fersen bewegen. Um stehen zu bleiben oder aufzusteigen, ist es notwendig, die anderen zu ignorieren oder ihnen als Feinde gegenüberzutreten, was die Philosophie unserer Gesellschaft widerspiegelt, um jeden Preis zu gewinnen. Unser Individualismus und unsere Eile, andere zu überrennen, um zu überleben, scheinen die Bewegungen der Tänzer während der 40-minütigen Show zu bestimmen.

Primavera (Frühling) basiert auf der Musik des Duos Palavra Cantada: 14 Lieder, die für Instrumentalversionen angepasst wurden, in einer Reihe von Musikstilen, die manchmal sehr kontrastreich sind – von leichtem Jazz bis zu Afro-Percussion. Das Ballett, das während der Pandemie entstand, hat den Geist des Divertissements; es nimmt die Zwänge des Augenblicks auf  ̶  und umarmt sie in gewisser Weise: Es gibt Soli, Duos, Trios und Quartette, in denen sich die Tänzer nicht berühren, mit Ausnahme von drei Pas de deux in der Aufführung von Partnern, die auch im Leben Paare sind.

Die einfarbigen Kostüme der Tänzerinnen  ̶  Gelb-, Grün-, Orange- und Rottöne  ̶  beschwören leichtere Zeiten herauf und suchen nach der Süße der Jahreszeit; die männlichen Tänzer tragen enganliegende Hemden und klassische schwarze Hosen. Echtzeit-Projektionen besetzen den hinteren Teil der Bühne und vervielfältigen und verstärken Blicke, Gesten und – warum nicht?  ̶  die Idee einer neuen Zeit.

Mit GHOST–NACHRICHT VON SAM kehrt nach dem Erfolg der Tour 2022 eine der größten Liebesgeschichten der 90er Jahre auf die Musical-Bühne zurück. Der Kultfilm mit Whoopi Goldberg und Patrick Swayze, der für immer Spuren hinterlassen hat und eine Geschichte, in der die Liebe sogar den Tod besiegt. Das Publikum wird mitgerissen von der Kraft der Gefühle, der greifbaren Spannung und natürlich “UNCHAINED MELODY”-man verliebt sich nochmal neu in das Meisterwerk von 1989.

Die beiden im Abstand von 14 Jahren entstandenen Choreographien dieses Doppelabends sind jeweils Ausdruck der Auseinandersetzung des Choreographen Rodrigo Pederneiras mit der Gesellschaft zur Zeit ihrer Entstehung. Und doch lebt der Abend vor allem von der Unterschiedlichkeit der beiden Choreographien.

Das 2007 uraufgeführte Ballett Breu ist eine poetische Übersetzung der gewalttätigen, barbarischen Zeiten, in denen wir leben. Es zeigt die radikalsten Tanzbewegungen von Rodrigo Perderneiras in 30 Jahren als Choreograph der brasilianischen Tanzkompanie. Um die komplexe, durchdringende Partitur der Sängerin und Komponistin Lenine in Bewegung umzusetzen, mussten der Choreograph und die Tänzer die Sinnlichkeit, den Lyrismus und die Freude, die die Arbeit der Gruppe seit 1992 geprägt hatten, hinter sich lassen und neue Bewegungsformen entwickeln. Das Ergebnis war Breu, ein Ballett, dessen Formen härter, kantiger und kraftvoller sind als die seiner Vorgänger. Die abrupten Stürze und die schmerzhaft langsamen Aufwärtsbewegungen der Tänzer scheinen ihre Körper zum Boden zu verdammen, wo sie sich mit Hilfe des Beckens, der Handgelenke, der Ellbogen, der Knie, der Knöchel und der Fersen bewegen. Um stehen zu bleiben oder aufzusteigen, ist es notwendig, die anderen zu ignorieren oder ihnen als Feinde gegenüberzutreten, was die Philosophie unserer Gesellschaft widerspiegelt, um jeden Preis zu gewinnen. Unser Individualismus und unsere Eile, andere zu überrennen, um zu überleben, scheinen die Bewegungen der Tänzer während der 40-minütigen Show zu bestimmen.

Primavera (Frühling) basiert auf der Musik des Duos Palavra Cantada: 14 Lieder, die für Instrumentalversionen angepasst wurden, in einer Reihe von Musikstilen, die manchmal sehr kontrastreich sind – von leichtem Jazz bis zu Afro-Percussion. Das Ballett, das während der Pandemie entstand, hat den Geist des Divertissements; es nimmt die Zwänge des Augenblicks auf  ̶  und umarmt sie in gewisser Weise: Es gibt Soli, Duos, Trios und Quartette, in denen sich die Tänzer nicht berühren, mit Ausnahme von drei Pas de deux in der Aufführung von Partnern, die auch im Leben Paare sind.

Die einfarbigen Kostüme der Tänzerinnen  ̶  Gelb-, Grün-, Orange- und Rottöne  ̶  beschwören leichtere Zeiten herauf und suchen nach der Süße der Jahreszeit; die männlichen Tänzer tragen enganliegende Hemden und klassische schwarze Hosen. Echtzeit-Projektionen besetzen den hinteren Teil der Bühne und vervielfältigen und verstärken Blicke, Gesten und – warum nicht?  ̶  die Idee einer neuen Zeit.

Eine Wiederentdeckung sorgte auf dem Buchmarkt des Jahres 2019 für Überraschung. Gabriele Tergits Familienchronik Effingers, erstmals 1951 erschienen und schnell wieder in Vergessenheit geraten, wurde neu aufgelegt und endlich mit der angemessenen Aufmerksamkeit bedacht. Inzwischen rückt man die jüdische Journalistin und Schriftstellerin sogar in die Nähe Thomas Manns. Sein Roman Die Buddenbrooks erzählt auf ähnliche Weise vom Aufstieg und Zerfall einer Kaufmannsdynastie. Bei Effingers hat der Niedergang eines durch und durch bürgerlichen Lebensentwurfs allerdings andere Gründe: Die Familie ist jüdisch, was lange Zeit für niemanden ein Thema ist – bis der schleichend anrückende Faschismus die verborgenen antisemitischen Ressentiments salonfähig macht.
Der süffig zu lesende, detailreiche Roman schlägt den Bogen über drei Generationen, von 1883 bis 1942. Man durchlebt in den Wohnzimmern zweier jüdischer Kaufmannsfamilien den Abgesang des Kaiserreichs, den Ersten Weltkrieg, die Spanische Grippe, die Ausrufung der Republik, die Machtergreifung der Nazis. Drei Generationen wachsen auf, suchen Rückhalt und Stabilität in ihrer Familie oder emanzipieren sich von ihren Zwängen. Sie verlieben sich, werden verheiratet oder heiraten gar nicht, fahren das erste Mal Auto, experimentieren mit dem technischen und wirtschaftlichen Fortschritt, erleben einen Weltkrieg, sind Teil des gesellschaftlichen Aufstiegs und stürzen ab.
Jan Bosse nutzt den vielschichtigen Text als Fundament für einen ausufernd schönen Theaterabend, der in die Vergangenheit entführt und doch die Gegenwart benennt. Mit einem großen Ensemble erinnert er sich an eine Zeit, in der die Wurzeln für heutige Strukturen und Denkweisen gelegt wurden. Es ist ein liebevoller, mal sarkastischer, mal melancholischer Blick auf eine untergegangene Welt, an der es nichts zu romantisieren gibt.

„Es springen Funken über, wie es das nur im Theater gibt.“ Süddeutsche Zeitung

Eine Wiederentdeckung sorgte auf dem Buchmarkt des Jahres 2019 für Überraschung. Gabriele Tergits Familienchronik Effingers, erstmals 1951 erschienen und schnell wieder in Vergessenheit geraten, wurde neu aufgelegt und endlich mit der angemessenen Aufmerksamkeit bedacht. Inzwischen rückt man die jüdische Journalistin und Schriftstellerin sogar in die Nähe Thomas Manns. Sein Roman Die Buddenbrooks erzählt auf ähnliche Weise vom Aufstieg und Zerfall einer Kaufmannsdynastie. Bei Effingers hat der Niedergang eines durch und durch bürgerlichen Lebensentwurfs allerdings andere Gründe: Die Familie ist jüdisch, was lange Zeit für niemanden ein Thema ist – bis der schleichend anrückende Faschismus die verborgenen antisemitischen Ressentiments salonfähig macht.
Der süffig zu lesende, detailreiche Roman schlägt den Bogen über drei Generationen, von 1883 bis 1942. Man durchlebt in den Wohnzimmern zweier jüdischer Kaufmannsfamilien den Abgesang des Kaiserreichs, den Ersten Weltkrieg, die Spanische Grippe, die Ausrufung der Republik, die Machtergreifung der Nazis. Drei Generationen wachsen auf, suchen Rückhalt und Stabilität in ihrer Familie oder emanzipieren sich von ihren Zwängen. Sie verlieben sich, werden verheiratet oder heiraten gar nicht, fahren das erste Mal Auto, experimentieren mit dem technischen und wirtschaftlichen Fortschritt, erleben einen Weltkrieg, sind Teil des gesellschaftlichen Aufstiegs und stürzen ab.
Jan Bosse nutzt den vielschichtigen Text als Fundament für einen ausufernd schönen Theaterabend, der in die Vergangenheit entführt und doch die Gegenwart benennt. Mit einem großen Ensemble erinnert er sich an eine Zeit, in der die Wurzeln für heutige Strukturen und Denkweisen gelegt wurden. Es ist ein liebevoller, mal sarkastischer, mal melancholischer Blick auf eine untergegangene Welt, an der es nichts zu romantisieren gibt.

„Es springen Funken über, wie es das nur im Theater gibt.“ Süddeutsche Zeitung

Die Geschichte beginnt in der heutigen Zeit, im verschlafenen kleinen Dorf Chabot im ländlichen US-Bundesstaat Mississippi. Dort lebt Larry Ott, der als Jugendlicher verdächtigt wurde, eine junge Frau ermordet zu haben. Auch wenn er vor Gericht freigesprochen wurde, steht ihm seitdem die gesamte Dorfgesellschaft feindselig gegenüber und man nennt ihn nur noch „Scary Larry“. Als nun Jahrzehnte später eine weitere Frau verschwindet, steht der Täter für die Bewohner Chabots natürlich schon fest. Betrunkene Vandalen randalieren vor Larrys Haus, bis die Situation eskaliert und er angeschossen wird.
Mit den Ermittlungen zu diesem Fall wird Silas Jones betraut, ein schwarzer Constable, der in Chabot aufgewachsen ist und nun nach langen Jahren wieder in seine Heimat zurückkehrt. Als Kinder verband Silas und den schon damals sozial isolierten Larry eine enge Freundschaft, die nach dem vermeintlichen Mordfall in die Brüche ging. Mit dem Aufeinandertreffen der Protagonisten brechen die Wunden der Vergangenheit wieder auf, denn auch Silas hat einst eine schwere Schuld auf sich geladen, die er nun zu begleichen versucht.
Mit dieser Geschichte um zwei ungelöste Morde, die Vergangenheit und Gegenwart miteinander verbinden, erforscht Crooked Letter, Crooked Letter Themenkomplexe wie verdrängte Erinnerungen, rassistische Spannungen und die wahre Natur der Freundschaft.

Es wird eng für die drei Freunde Locke, Flocke und Socke, als ihre Weide rund um die alte Fabrik abgeriegelt wird und das Gras unter einem Berg von leeren Petflaschen verschwindet. Was ist da los? Socke bricht auf, um nachzusehen – und kommt nicht zurück! Die besorgten Freunde verfolgen ihre Spur und stoßen auf dubiose Geschäftsleute, knallharte Bodyguards und geheime Machenschaften.

„Mit ihren ausdrucksvollen Klappmaulpuppen haben sich Delia Dahinden, Anna Karger und Lukas Roth seit der Gründung von DAKAR Produktion im Jahr 2014 als feste Größe in der Schweizer Figurentheaterszene etabliert.“ Ueli Burkhardt, Theater Ticino

„Hebel ist leicht, lebhaft, dicht, spannend, bedächtig in einem.“; das schrieb Ernst Bloch über Johann Peter Hebel. Der Dichter und Theologe stammte aus einfachen Verhältnissen und brachte es dennoch zum Karlsruher Schuldirektor, Prälat und Landtagsabgeordneten. Hebel verstarb 1826 in Schwetzingen und liegt ebenda begraben. Hinterlassen hat er zahlreiche Gedichte und Kurzgeschichten. Bekannt ist u. a. sein Schatzkästlein des rheinischen Hausfreundes, in dem wir im März ’23 nach Herzenslust stöbern.

Inspiriert durch den nigerianischen Komponisten, Saxophonisten, Dirigenten, politischen Aktivisten und Erfinder des Afrobeat Fela Kuti, schuf der belgisch-burkinische Choreograph Serge Aimé Coulibaly ein neues Tanzstück, in dem Politik mehr bedeutet als nur einen vagen dramaturgischen Unterton.
Auf der Bühne stehen sechs Tänzer und bald kommt ein siebter dazu. Diese zeigen eine Reihe von Variationen von Figuren und Bewegungen, die als Metaphern für die überwältigende Dringlichkeit des Lebens gelesen werden können. Eine politische Reflexion, die durch den Körper rast. Eine Bewegungssprache, die auf dem traditionellen Repertoire fußt, in Nachtclubs und im Jazz entwickelt, die aber letztlich zu einem vollkommen neuen Tanzstil entwickelt wird, der unbelastet von seinen Ursprüngen vorwärts drängt.
Das Bühnenbild verweist sowohl auf unsere alltägliche politische und soziale Welt als auch auf den Schrein, einen hybriden und metaphysischen Ort, ebenso Tempel wie Nachtclub, an dem Fela Kuti von Hoffnung und Volksaufständen sang, nachdem er mit seinem Publikum eine Andacht abgehalten hatte. Dieser Aufenthaltsort hieß Kalakuta Republic, lag in den Außenbezirken von Lagos und wurde von ihm als unabhängige Republik ausgerufen. Der Geist von Fela, Repräsentationsfigur der westafrikanischen Opposition und Inspirationsquelle für viele, ist ein zentrales Element dieser Aufführung.
Serge Aimé Coulibaly selbst verkörpert die Rolle des Erzählers. Identifiziert er sich mit Fela Kuti? Oder ist er einfach er selbst, ein engagierter Künstler, verstrickt in eine aufgewühlte Welt und gleichzeitig beeindruckt von der grenzenlosen Sehnsucht der jungen Burkiner nach Freiheit, die zu einer Revolution geführt hat?
Kalakuta Republik ist weder eine Biographie von Fela Kuti noch ein Musical über das Lebenswerk des Musikers. Es ist vielmehr eine mitreißende Studie über künstlerisches Engagement und was dieses bewirken kann. Eine Aufführung mit einer ansteckenden Energie. Ein kleines Stück Afrika jenseits der Klischees. Ein Afrika in einer globalisierten Welt, der Serge Aimé Coulibaly und seine Künstlergeneration verbunden sind und der sie ihre Aufmerksamkeit schenken möchten.

Er war eine schwere Geburt. Die Ankunft Richards III. auf der Welt ist überschattet von merkwürdigen Vorzeichen. Wäre es vielleicht besser gewesen, dieses Kind wäre nie geboren? Richards Mutter, die Herzogin von York, ahnt Böses: Von Anfang an bleibt ihr der Sohn dunkel und fremd. Kaum kann sie Liebe zu ihm entwickeln, wie er auch sonst überall auf Ablehnung stößt. Später, im jugendlichen Alter, erweist er sich in den Schlachten um die englische Krone als äußerst kaltblütig, brutal – und erfolgreich. Mit Richard III. betritt einer der größten Antihelden der Theaterliteratur die Bühne: schamlos, gierig, gewalttätig, schlechthin die Inkarnation des Bösen. Zugleich ist er eine Hauptattraktion des Shakespeare’schen Kosmos: hellsichtig, witzig, heuchlerisch, verführerisch. Er weiß um die Manipulierbarkeit der Menschen, ist ein großer Lügner, ein Virtuose der Instrumentalisierung anderer und der genussvollen Selbstinszenierung. Ein genialer Coup, der diese Rolle bis heute zu einer außerordentlichen schauspielerischen Aufgabe macht.
Karin Henkel nimmt die Königsdramen Heinrich VI. und Richard III. als Ausgangspunkt ihrer Inszenierung. Unter Verwendung von Texten aus Schlachten! von Tom Lanoye und Luc Perceval, übersetzt von Rainer Kersten, richtet sie in Richard the Kid den Fokus auf die Kindheit und die Familiengeschichte Richards, die Zeit vor seiner Machtergreifung. Seit Jahren liefern sich die Häuser York und Lancaster erbitterte und blutige Schlachten um die englische Königsherrschaft in den sogenannten „Rosenkriegen“.
In Richard the King & the Kid befasst sich Karin Henkel mit dem politischen Umfeld des berühmt-berüchtigten Machthabers. Warum spielen alle mit, obwohl sie um die Lügen und das falsche Spiel Richards wissen? Wie gelingt Richard der zynische Spagat, die Menschen einerseits aufs Tiefste zu verabscheuen, sie andererseits aber doch für seine Zwecke zu gewinnen?

Shakespeare zeigt auf eindrückliche Weise das kollektive Versagen eines ganzen Landes und die Deformation einer verunsicherten Gesellschaft, deren zunehmende Verrohung den Aufstieg des Tyrannen erst ermöglicht. Beunruhigend bleibt, was hinter unserem Vergnügen steckt, Richard in seinen dunkelsten Machenschaften zu folgen.

Lina Beckmann erhielt für ihre Rolle des Richard in Richard the Kid & the King den NESTROY-Theaterpreis 2021 in der Kategorie „Beste Schauspielerin“ und wird außerdem dafür mit dem Gertrud-Eysoldt-Ring geehrt.

Er war eine schwere Geburt. Die Ankunft Richards III. auf der Welt ist überschattet von merkwürdigen Vorzeichen. Wäre es vielleicht besser gewesen, dieses Kind wäre nie geboren? Richards Mutter, die Herzogin von York, ahnt Böses: Von Anfang an bleibt ihr der Sohn dunkel und fremd. Kaum kann sie Liebe zu ihm entwickeln, wie er auch sonst überall auf Ablehnung stößt. Später, im jugendlichen Alter, erweist er sich in den Schlachten um die englische Krone als äußerst kaltblütig, brutal – und erfolgreich. Mit Richard III. betritt einer der größten Antihelden der Theaterliteratur die Bühne: schamlos, gierig, gewalttätig, schlechthin die Inkarnation des Bösen. Zugleich ist er eine Hauptattraktion des Shakespeare’schen Kosmos: hellsichtig, witzig, heuchlerisch, verführerisch. Er weiß um die Manipulierbarkeit der Menschen, ist ein großer Lügner, ein Virtuose der Instrumentalisierung anderer und der genussvollen Selbstinszenierung. Ein genialer Coup, der diese Rolle bis heute zu einer außerordentlichen schauspielerischen Aufgabe macht.
Karin Henkel nimmt die Königsdramen Heinrich VI. und Richard III. als Ausgangspunkt ihrer Inszenierung. Unter Verwendung von Texten aus Schlachten! von Tom Lanoye und Luc Perceval, übersetzt von Rainer Kersten, richtet sie in Richard the Kid den Fokus auf die Kindheit und die Familiengeschichte Richards, die Zeit vor seiner Machtergreifung. Seit Jahren liefern sich die Häuser York und Lancaster erbitterte und blutige Schlachten um die englische Königsherrschaft in den sogenannten „Rosenkriegen“.
In Richard the King & the Kid befasst sich Karin Henkel mit dem politischen Umfeld des berühmt-berüchtigten Machthabers. Warum spielen alle mit, obwohl sie um die Lügen und das falsche Spiel Richards wissen? Wie gelingt Richard der zynische Spagat, die Menschen einerseits aufs Tiefste zu verabscheuen, sie andererseits aber doch für seine Zwecke zu gewinnen?

Shakespeare zeigt auf eindrückliche Weise das kollektive Versagen eines ganzen Landes und die Deformation einer verunsicherten Gesellschaft, deren zunehmende Verrohung den Aufstieg des Tyrannen erst ermöglicht. Beunruhigend bleibt, was hinter unserem Vergnügen steckt, Richard in seinen dunkelsten Machenschaften zu folgen.

Lina Beckmann erhielt für ihre Rolle des Richard in Richard the Kid & the King den NESTROY-Theaterpreis 2021 in der Kategorie „Beste Schauspielerin“ und wird außerdem dafür mit dem Gertrud-Eysoldt-Ring geehrt.

Ein Deutsches Requiem nannte Johannes Brahms seine Komposition, die heute ohne Zweifel zu den bedeutungsvollsten Werken der gesamten romantischen Epoche zählt. Mehr als zehn Jahre lang arbeitete Brahms an diesem Werk und komponierte die einzelnen Sätze mit teilweise großem zeitlichem Abstand. Während die ersten Aufführungen einzelner Teile des Werks eher zurückhaltend aufgenommen wurden, war die Uraufführung des gesamten Requiems 1869 ein durschlagender Erfolg. Johannes Brahms, der bis dorthin hauptsächlich als Klaviervirtuose auf sich aufmerksam gemacht hatte, erlangte nun europaweite Berühmtheit als Komponist.
Brahms wählte die Texte seines Oratoriums selbst aus und entschied sich bewusst nicht für die Liturgie der Totenmesse, wie sie damals üblich war, sondern legte den Fokus auf Texte, die den Hinterbliebenen Trost spenden sollten. Der sehr lyrische 5. Satz „Ihr habt nun Traurigkeit; aber ich will euch wieder sehen und euer Herz soll sich freuen. Ich will euch trösten, wie einen seine Mutter tröstet.“, den Brahms kurz nach dem Tod seiner Mutter als letztes fertigstellte, zeugt eindringlich von dieser Intention.  Unter anderem daher und auch weil das Werk gleichermaßen für den Kirchenraum und den Konzertsaal gedacht war, nimmt das Deutsche Requiem eine Sonderstellung in der (kirchen)musikalischen Tradition ein.
Der bedeutende Wiener Musikkritiker Eduard Hanslick schrieb über dieses Werk: „Seit Bachs h-Moll-Messe und Beethovens Missa solemnis ist nichts geschrieben worden, was auf diesem Gebiete sich neben Brahms’ Deutsches Requiem zu stellen vermag.“ In den folgenden zehn Jahren nach der Uraufführung war das Werk bereits mehr als fünfzig Mal in fast allen deutschsprachigen Städten zur Aufführung gebracht worden.

Im Sommer, während des berühmten Theaterfestivals, sieht man sie trommelnd durch Avignon ziehen. Dort sind die Künstler der spanischen Company Yllana regelmäßig zu Gast, und wie viele andere Ensembles werben sie lautstark für ihre Show. Ihre Kostüme wirken wie beim Grunge entlehnt, ihre physische Präsenz verspricht energiegeladene Comedyshows. Die 1991 gegründete Company hat ihre Wurzeln in der Pantomime und im physical theatre. Bis heute arbeitet die Gruppe weitgehend ohne Sprache und hat sich auf diese Weise weltweit Renommé erworben. Ihre Komik lebt von einer präzisen Komposition aus Slapstick und Sound und erzählt von der Absurdität alltäglicher Begebenheiten.

The Gagfather ist eine urkomische Reise in die Unterwelt. Gemeint ist die Art von Unterwelt, die eigentlich jede Stadt im Verborgenen hat, die der kleinen und großen Ganoven. Vor deren Tricks und Umtrieben müssen die Kommissare oft genug kapitulieren. Im konkreten Fall ist es eine spezielle Bande, die die Stadt in Atem hält. Es sind die ruchlosen GaGsters, die vor keinem Witz zurückschrecken. Um jeden Preis gilt es, ihnen Einhalt zu gebieten, aber das erweist sich als unerwartet kompliziert – zumal die Verfolger kaum weniger verrückt sind als ihre Zielobjekte. In der atemberaubenden Jagd werden alle Gesetze auf den Kopf gestellt, mit den Mitteln des Film noir entsteht ein schräges Universum menschlicher Abgründe. Die energiegeladenen GaGsters sind mittlerweile auch dem Ludwigshafener Publikum bestens bekannt und kehren mit ihrem Best-Of-Programm auf die Große Bühne zurück.

Im Sommer, während des berühmten Theaterfestivals, sieht man sie trommelnd durch Avignon ziehen. Dort sind die Künstler der spanischen Company Yllana regelmäßig zu Gast, und wie viele andere Ensembles werben sie lautstark für ihre Show. Ihre Kostüme wirken wie beim Grunge entlehnt, ihre physische Präsenz verspricht energiegeladene Comedyshows. Die 1991 gegründete Company hat ihre Wurzeln in der Pantomime und im physical theatre. Bis heute arbeitet die Gruppe weitgehend ohne Sprache und hat sich auf diese Weise weltweit Renommé erworben. Ihre Komik lebt von einer präzisen Komposition aus Slapstick und Sound und erzählt von der Absurdität alltäglicher Begebenheiten.

The Gagfather ist eine urkomische Reise in die Unterwelt. Gemeint ist die Art von Unterwelt, die eigentlich jede Stadt im Verborgenen hat, die der kleinen und großen Ganoven. Vor deren Tricks und Umtrieben müssen die Kommissare oft genug kapitulieren. Im konkreten Fall ist es eine spezielle Bande, die die Stadt in Atem hält. Es sind die ruchlosen GaGsters, die vor keinem Witz zurückschrecken. Um jeden Preis gilt es, ihnen Einhalt zu gebieten, aber das erweist sich als unerwartet kompliziert – zumal die Verfolger kaum weniger verrückt sind als ihre Zielobjekte. In der atemberaubenden Jagd werden alle Gesetze auf den Kopf gestellt, mit den Mitteln des Film noir entsteht ein schräges Universum menschlicher Abgründe. Die energiegeladenen GaGsters sind mittlerweile auch dem Ludwigshafener Publikum bestens bekannt und kehren mit ihrem Best-Of-Programm auf die Große Bühne zurück.

Ein Klassiker, der verzaubert

Mit viel Witz und Emotion erzählen wir die wohl schönste Liebesgeschichte aller Zeiten! Es erwartet Sie ein unterhaltsames und humorvolles Familien-Musical. Wir inszenieren das französische Volksmärchen in einer zeitgemäßen Fassung für die ganze Familie. Unser bestens ausgebildetes Ensemble wird Sie mit abwechslungsreichen Choreografien zu romantischen Balladen und poppigen Songs mit Hitpotenzial begeistern. Auf der Bühne entsteht eine märchenhafte Kulisse: das wandelbare Bühnenbild wechselt zwischen Belles Zuhause und dem verzauberten Schloss, das mit den traumhaften Kostümen um die Wette funkelt.
Lassen Sie sich verzaubern und erleben Sie ein unvergessliches Musical-Highlight!

Robert Walser hat sein Familiendrama Der Teich um 1902 in berndeutscher Mundart als Geschenk an seine jüngste Schwester Fanny verfasst. Die Hauptfigur Fritz fühlt sich von seiner Mutter nicht geliebt und täuscht vor, im nahegelegenen Teich ertrunken zu sein.

Die Adaption der französischen Regisseurin und Choreographin Gisèle Vienne greift die beunruhigenden Anspielungen des lediglich 20 Seiten umfassenden Textes von Robert Walser auf und bringt Themen wie Kindesmissbrauch, Inzest und Familientraumata wie durch ein Vergrößerungsglas an die Oberfläche. Die beiden Darstellerinnen verkörpern zehn Charaktere, neben der Hauptfigur Fritz seine Geschwister, Freunde und Protagonisten aus der Welt der Erwachsenen. Vienne findet einen ungewöhnlichen Zugang zu der Geschichte und konfrontiert das Publikum von Anfang an mit einer irrealen, künstlichen Atmosphäre, die durch die Verstärkung der Stimmen durch Microports noch unterstrichen wird. Adèle Haenel, die sich mehr und mehr als Filmdarstellerin einen Namen macht und der #MeToo-Bewegung in Frankreich eine Stimme verleiht, spielt einerseits virtuos mit diesem Eindruck des Irrealen, andererseits kann man förmlich die Emotionen spüren, die ihren Körper durchströmen. Wir erleben eine Achterbahnfahrt der Gefühle, hin- und hergerissen zwischen Schmerz und der Sehnsucht nach Nähe. In ihrer Inszenierung arbeitet Gisèle Vienne verschiedene Realitäts- und Zeitebenen heraus, die sich überlagern und die Komplexität von Intimität aufscheinen lassen. Nachdem Fritz‘ Schwindel auffliegt und er trotz seiner Dreistigkeit nicht bestraft wird, regt sich die verborgene Zärtlichkeit zwischen ihm und seiner Mutter und es manifestiert sich die schmerzlich vermisste Liebe.

Robert Walser hat sein Familiendrama Der Teich um 1902 in berndeutscher Mundart als Geschenk an seine jüngste Schwester Fanny verfasst. Die Hauptfigur Fritz fühlt sich von seiner Mutter nicht geliebt und täuscht vor, im nahegelegenen Teich ertrunken zu sein.

Die Adaption der französischen Regisseurin und Choreographin Gisèle Vienne greift die beunruhigenden Anspielungen des lediglich 20 Seiten umfassenden Textes von Robert Walser auf und bringt Themen wie Kindesmissbrauch, Inzest und Familientraumata wie durch ein Vergrößerungsglas an die Oberfläche. Die beiden Darstellerinnen verkörpern zehn Charaktere, neben der Hauptfigur Fritz seine Geschwister, Freunde und Protagonisten aus der Welt der Erwachsenen. Vienne findet einen ungewöhnlichen Zugang zu der Geschichte und konfrontiert das Publikum von Anfang an mit einer irrealen, künstlichen Atmosphäre, die durch die Verstärkung der Stimmen durch Microports noch unterstrichen wird. Adèle Haenel, die sich mehr und mehr als Filmdarstellerin einen Namen macht und der #MeToo-Bewegung in Frankreich eine Stimme verleiht, spielt einerseits virtuos mit diesem Eindruck des Irrealen, andererseits kann man förmlich die Emotionen spüren, die ihren Körper durchströmen. Wir erleben eine Achterbahnfahrt der Gefühle, hin- und hergerissen zwischen Schmerz und der Sehnsucht nach Nähe. In ihrer Inszenierung arbeitet Gisèle Vienne verschiedene Realitäts- und Zeitebenen heraus, die sich überlagern und die Komplexität von Intimität aufscheinen lassen. Nachdem Fritz‘ Schwindel auffliegt und er trotz seiner Dreistigkeit nicht bestraft wird, regt sich die verborgene Zärtlichkeit zwischen ihm und seiner Mutter und es manifestiert sich die schmerzlich vermisste Liebe.

Im Münchner „Speckgürtel“ wächst Ende der 1990er-Jahre das Mädchen Heidrun in einer äußerlich unauffälligen Mittelstandsfamilie auf, in der sie und ihre Schwestern in der Ideologie des Nationalsozialismus großgezogen werden. Heidrun erlebt paramilitärischen Drill in den Ferienlagern des mittlerweile verbotenen Verbands „Heimattreue Deutsche Jugend“. Sie lernt alle drei Strophen des Deutschlandliedes zu singen und das Deutsche Reich in den Grenzen von 1937 als Laubsägearbeit anzufertigen. Mit 15 Jahren ist sie fester Teil der Neonazi-Szene in Bayern, nimmt an Aufmärschen teil, verprügelt einen Journalisten und hetzt gegen Ausländer. Erst als Heidi sich in den rechten Liedermacher Flex verliebt und die beiden ein Kind erwarten, bekommt ihr geschlossenes Weltbild erste Risse.
Die Geschichte der jungen Aussteigerin aus der deutschen Neonazi-Szene zeigt durch den persönlichen Einblick eine hermetische Parallelwelt auf. Sorgsam plant und organisiert die rechtsradikale Szene in Deutschland in ihren Nachwuchsorganisationen ihre Zukunft. Weil es Heidi Benneckenstein und ihrem Mann Felix dennoch gelungen ist, die Szene hinter sich zu lassen und heute selber Aussteiger*innen zu helfen, ist Ein deutsches Mädchen auch ein Mut machender Bericht.

Carl Zuckmayers „Seiltänzerstück“ spielt in unserer direkten Nachbarschaft, irgendwo zwischen Heidelberg und Mannheim. Der Wanderzirkus Karl Knie gastiert hier regelmäßig, alle Jahre wird die kleine Stadt am Neckar zum temporären Zuhause. Eine wirkliche Heimat aber finden die Zirkusleute nur in ihrer Kunst, in der Manege. Sie sind Reisende, die niemals ankommen können. Für den Zirkusdirektor Karl Knie ist das selbstverständlich, er hütet das Erbe seiner Familie und lebt in ihren Traditionen. Seine Tochter Katharina aber zweifelt an diesem Lebensentwurf. Sie möchte bleiben und sich in der Stadt niederlassen, auch wenn sie einen Bruch mit dem Vater und das mögliche Ende des Unternehmens riskiert. So entzündet sich ein Konflikt um die Frage, wie sehr die Jungen den Alten verpflichtet sind und ob es möglich und legitim ist, im Spannungsfeld zwischen Tradition, Familie und Aufbruch zu einer eigenen, individuellen Verortung zu finden.

Mit den Spielerinnen und Spielern der Pfalzbau Bürger Bühne befragen wir den Begriff Heimat, der in den letzten Jahren eine unerwartete Renaissance erfahren hat und zugleich erheblichen Sprengstoff birgt. Unser Ensemble, in dem sich Menschen von 13 bis 78 Jahren zusammenfinden, erzählt von sich, von unserer Gegend, von unserer Zeit. Und die Zirkusmanege öffnet sich für weitere Künstler und Künstlerinnen aus vielen Nationen, die gerade durch die intensive Auseinandersetzung mit ihren Traditionen eine Heimat in Ludwigshafen und der Metropolregion gefunden haben.

Carl Zuckmayers „Seiltänzerstück“ spielt in unserer direkten Nachbarschaft, irgendwo zwischen Heidelberg und Mannheim. Der Wanderzirkus Karl Knie gastiert hier regelmäßig, alle Jahre wird die kleine Stadt am Neckar zum temporären Zuhause. Eine wirkliche Heimat aber finden die Zirkusleute nur in ihrer Kunst, in der Manege. Sie sind Reisende, die niemals ankommen können. Für den Zirkusdirektor Karl Knie ist das selbstverständlich, er hütet das Erbe seiner Familie und lebt in ihren Traditionen. Seine Tochter Katharina aber zweifelt an diesem Lebensentwurf. Sie möchte bleiben und sich in der Stadt niederlassen, auch wenn sie einen Bruch mit dem Vater und das mögliche Ende des Unternehmens riskiert. So entzündet sich ein Konflikt um die Frage, wie sehr die Jungen den Alten verpflichtet sind und ob es möglich und legitim ist, im Spannungsfeld zwischen Tradition, Familie und Aufbruch zu einer eigenen, individuellen Verortung zu finden.

Mit den Spielerinnen und Spielern der Pfalzbau Bürger Bühne befragen wir den Begriff Heimat, der in den letzten Jahren eine unerwartete Renaissance erfahren hat und zugleich erheblichen Sprengstoff birgt. Unser Ensemble, in dem sich Menschen von 13 bis 78 Jahren zusammenfinden, erzählt von sich, von unserer Gegend, von unserer Zeit. Und die Zirkusmanege öffnet sich für weitere Künstler und Künstlerinnen aus vielen Nationen, die gerade durch die intensive Auseinandersetzung mit ihren Traditionen eine Heimat in Ludwigshafen und der Metropolregion gefunden haben.

MASSACHUSETTS – BEE GEES MUSICAL lässt sein Publikum mit einer mitreißenden musikalisch – biografischen Show teilhaben an den wichtigsten Stationen dieser Ausnahme-Band.

Von den Anfängen der ersten Single-Veröffentlichung vor über 50 Jahren über „To Love Somebody“ und „Massachusetts“ , die heiße Saturday Night Fever-Zeit bis zu ihrem letzten großen Album „You Win Again“ Ende der 80er Jahre.

„Die erfolgreichste Familienband aller Zeiten“ stellt das Guinness-Buch der Rekorde fest! Die Gibb-Brüder gründen sich als Pop-Band 1958 in Australien und landen ihre ersten Hits. 1966 geht es gemeinsam zurück nach Großbritannien – die Teenie-Stars sind jetzt schon mächtig populär. Aber das ist nur der Anfang: In den 70er Jahren jagt ein Welthit den nächsten. 1978 haben die BEE GEES zeitgleich 5 Songs in den Top Ten der US-Charts, die ersten drei Plätze waren für Wochen in fester Hand von Barry, Robin + Maurice Gibb.  Musikalisch sehr authentisch und auch optisch und emotional ganz nah dran am Original – das ist diese Reise durch die Geschichte des Phänomens BEE GEES. Alle großen Hits werden zu hören sein, die frühen Songs ebenso wie die späten.
Den musikalischen Part übernehmen THE ITALIAN BEE GEES. Die ambitionierten italienischen Egiziano-Brüder (es sind wirklich drei Brüder!), stehen in engem Kontakt mit der Familie Gibb und sind seit Jahren auf den Spuren ihrer großen Vorbilder unterwegs. Weltweit haben sie sich bereits eine eingeschworene Fangemeinde ersungen und erspielt und besitzen die alleinige Legitimation der Gibb-Brüder, den Namen und das musikalische Erbe zu repräsentieren. So konnten die drei auch den Original Keyborder der Bee Gees von 1975 bis 1982, Blue Weaver, für das Musical begeistern und  live für diese Aufführung verpflichten. Dazu gesellt sich auch Vince Melouney, Gitarrist von 1967 bis 1969.

MASSACHUSETTS – BEE GEES MUSICAL erzählt Geschichte und Geschichten: Auf einer großen Leinwand über der Bühne werden Fotos, Videomitschnitte und Interviews zu sehen sein. Kurze Spielszenen führen durch die Karriere der Gibb-Brüder. Die Tanzszenen lassen natürlich besonders die Disco-Ära wieder aufleben. Zwei zusätzliche Sängerinnen präsentieren die faszineirenden Songs, die die BEE GEES während ihrer Karriere für große Künstlerinnen wie Barbra Streisand und Dionne Warwick komponiert haben. Ein außergewöhnliches Event über drei außergewöhnliche Brüder. Eine Hommage an die BEE GEES. Die Stationen ihres Ruhmes als Musical auf die Bühne gebracht.

Viel mehr als nur ein Konzert: Ein Nostalgietrip par excellence!

Die Stadt Jerusalem findet keinen Frieden. Seit Jahrhunderten kämpfen Christen, Muslime und Juden um die territoriale und religiöse Vorherrschaft. Die christlichen Tempelherren ziehen gegen den arabischen Herrscher Saladin zu Felde, und ein erst kürzlich geschlossener Waffenstillstand erweist sich schon wieder als brüchig. In dieser aufgeheizten Atmosphäre geschieht Unfassliches: Sultan Saladin begnadigt den jungen Tempelherrn Curd, weil er seinem verstorbenen Bruder Assad so ähnlich sieht. Wenig später rettet Curd das Mädchen Recha aus dem brennenden Haus des Juden Nathan und verliebt sich in sie, gegen alle Regeln seines kriegerischen Ordens. Welche Bande all diese Menschen miteinander verknüpfen, ahnt zu diesem Zeitpunkt noch niemand. Gotthold Ephraim Lessing konstruiert eine verzwickte Familiengeschichte, damit am Ende unter allseitigen Umarmungen aller Beteiligten der Vorhang fallen kann. So verzwickt, dass unschwer zu begreifen ist: so etwas gibt es nur im Märchen.
Als flammender Appell gegen religiösen Dogmatismus, für menschliche Toleranz ist Lessings letztes Drama seit seiner Veröffentlichung zeitlos aktuell. Allerdings erzählt Nathan der Weise nicht nur von der Utopie des friedlichen Zusammenlebens der Religionen und Kulturen, vielmehr wird deren beständiges Scheitern eindrucksvoll beschrieben. Der Mensch ist, wie Saladin sagt, „ein Ding von vielen Seiten, die oft nicht so recht zu passen scheinen mögen.“ So liegt die eigentliche Qualität dieses Lessing-Dramas in der differenzierten Zeichnung der Protagonist*innen, in denen sich durchaus Widersprüchliches vereint. Tilman Gersch befasst sich in seiner Inszenierung sehr genau mit ihren Motiven, ihren Sehnsüchten und jenen Kränkungen, die so oft die Wurzel von Hass und Gewalt sind. Mit dem Blick ins Innenleben der Figuren lotet er die politische Dimension des Stückes aus.

Die Stadt Jerusalem findet keinen Frieden. Seit Jahrhunderten kämpfen Christen, Muslime und Juden um die territoriale und religiöse Vorherrschaft. Die christlichen Tempelherren ziehen gegen den arabischen Herrscher Saladin zu Felde, und ein erst kürzlich geschlossener Waffenstillstand erweist sich schon wieder als brüchig. In dieser aufgeheizten Atmosphäre geschieht Unfassliches: Sultan Saladin begnadigt den jungen Tempelherrn Curd, weil er seinem verstorbenen Bruder Assad so ähnlich sieht. Wenig später rettet Curd das Mädchen Recha aus dem brennenden Haus des Juden Nathan und verliebt sich in sie, gegen alle Regeln seines kriegerischen Ordens. Welche Bande all diese Menschen miteinander verknüpfen, ahnt zu diesem Zeitpunkt noch niemand. Gotthold Ephraim Lessing konstruiert eine verzwickte Familiengeschichte, damit am Ende unter allseitigen Umarmungen aller Beteiligten der Vorhang fallen kann. So verzwickt, dass unschwer zu begreifen ist: so etwas gibt es nur im Märchen.
Als flammender Appell gegen religiösen Dogmatismus, für menschliche Toleranz ist Lessings letztes Drama seit seiner Veröffentlichung zeitlos aktuell. Allerdings erzählt Nathan der Weise nicht nur von der Utopie des friedlichen Zusammenlebens der Religionen und Kulturen, vielmehr wird deren beständiges Scheitern eindrucksvoll beschrieben. Der Mensch ist, wie Saladin sagt, „ein Ding von vielen Seiten, die oft nicht so recht zu passen scheinen mögen.“ So liegt die eigentliche Qualität dieses Lessing-Dramas in der differenzierten Zeichnung der Protagonist*innen, in denen sich durchaus Widersprüchliches vereint. Tilman Gersch befasst sich in seiner Inszenierung sehr genau mit ihren Motiven, ihren Sehnsüchten und jenen Kränkungen, die so oft die Wurzel von Hass und Gewalt sind. Mit dem Blick ins Innenleben der Figuren lotet er die politische Dimension des Stückes aus.

Bei Freunden des Hauses hat es sich schon herumgesprochen: Die Pfalzbau Bühnen haben einen Theatermops. Es handelt sich um ein aufgeschlossenes, verspieltes, zuweilen auch recht eigensinniges Wesen. In mancherlei Hinsicht ähnelt es also den Theatermenschen. Was jene aber ihr ganzes Herzblut kostet, ist dem Mops völlig schnuppe. Bretter, die die Welt bedeuten? Hauptsache, der Napf ist gefüllt. Ob das Leben ohne Mops tatsächlich so sinnlos ist wie das Leben ohne Theater, gilt es noch zu erforschen. Wir tun es am Ende der Spielzeit in unserer bewährt regionalen Reihe Wort und Wein.

„Sowie Du eintratst, gleich erkannte; Mein Herz Dich wieder, jauchzte, brannte; Und rief: Er ist’s, er muss es sein!“ schreibt die junge Tatjana voller Innbrunst an Onegin und wird niederschmetternd abserviert. So wie Alexander Puschkins Zeilen die Liebe in Worte packen, so eloquent spricht John Crankos Choreographie von den Angelegenheiten des Herzens. Cranko erzählt die hochdramatische Geschichte um unerwiderte Liebe und verpasste Chancen so klar, dass man weder die literarische Vorlage noch die Handlung kennen muss. Im Einklang mit Peter Tschaikowskys stürmischer Musik vermittelt sich das Geschehen durch die Bewegungen selbst. Die leidenschaftlichen Pas de deux und großen Ensembleszenen spielen sich vor ländlicher Gartenidylle wie auf aristokratischem Ball ab. Das entsprechende Bühnenbild und die üppigen Kostüme hat Jürgen Rose mit der für ihn bekannten Raffinesse geschaffen.

Eugen Onegin ist einer der großen Antihelden der Weltliteratur: Ein versnobter Dandy und arroganter Städter, innerlich leer und zerrissen stolziert er einsam durchs Leben. Als Onegin und Tatjana sich das erste Mal begegnen, blickt er hochnäsig auf das verliebte Landmädchen herab und bricht ihr eiskalt das Herz. Jahre später, als Tatjana sich zur eleganten Frau entwickelt hat, wendet sich das Blatt: Onegin erkennt in ihr die Liebe seines Lebens, aber nun ist sie diejenige, die ihm die Tür weist. Obwohl sie sich immer noch zu ihm hingezogen fühlt, weiß ihr Verstand es besser. Es ist zu spät, die Chance ist für immer vertan. Wenn Tatjana am Ende mit geballten Fäusten und Tränen in den Augen mit ihrer eigenen Entscheidung kämpft, zerreißt es einem das Herz. Seit über 50 Jahren bildet Onegin eine tragende Säule des Repertoires des Stuttgarter Balletts und hat noch niemanden kalt gelassen.

„Sowie Du eintratst, gleich erkannte; Mein Herz Dich wieder, jauchzte, brannte; Und rief: Er ist’s, er muss es sein!“ schreibt die junge Tatjana voller Innbrunst an Onegin und wird niederschmetternd abserviert. So wie Alexander Puschkins Zeilen die Liebe in Worte packen, so eloquent spricht John Crankos Choreographie von den Angelegenheiten des Herzens. Cranko erzählt die hochdramatische Geschichte um unerwiderte Liebe und verpasste Chancen so klar, dass man weder die literarische Vorlage noch die Handlung kennen muss. Im Einklang mit Peter Tschaikowskys stürmischer Musik vermittelt sich das Geschehen durch die Bewegungen selbst. Die leidenschaftlichen Pas de deux und großen Ensembleszenen spielen sich vor ländlicher Gartenidylle wie auf aristokratischem Ball ab. Das entsprechende Bühnenbild und die üppigen Kostüme hat Jürgen Rose mit der für ihn bekannten Raffinesse geschaffen.

Eugen Onegin ist einer der großen Antihelden der Weltliteratur: Ein versnobter Dandy und arroganter Städter, innerlich leer und zerrissen stolziert er einsam durchs Leben. Als Onegin und Tatjana sich das erste Mal begegnen, blickt er hochnäsig auf das verliebte Landmädchen herab und bricht ihr eiskalt das Herz. Jahre später, als Tatjana sich zur eleganten Frau entwickelt hat, wendet sich das Blatt: Onegin erkennt in ihr die Liebe seines Lebens, aber nun ist sie diejenige, die ihm die Tür weist. Obwohl sie sich immer noch zu ihm hingezogen fühlt, weiß ihr Verstand es besser. Es ist zu spät, die Chance ist für immer vertan. Wenn Tatjana am Ende mit geballten Fäusten und Tränen in den Augen mit ihrer eigenen Entscheidung kämpft, zerreißt es einem das Herz. Seit über 50 Jahren bildet Onegin eine tragende Säule des Repertoires des Stuttgarter Balletts und hat noch niemanden kalt gelassen.

Underdogs nennt man diejenigen, die man für Verlierer hält, die nie einen sicheren Unterschlupf haben. Sie verschmelzen nahtlos mit der städtischen Landschaft, von unserer Betrachtung flüchtig gestreift, aber nie wahrgenommen.
In ihrer Choreographie möchte Anne Nguyen in den Blick rücken, wie unsere Körper in der urbanen Vorstellungswelt wahrgenommen werden und welche Spuren sie hinterlassen. Welche Einflüsse nehmen wir auf, mit welchen Charakteren identifizieren wir uns, um unsere Persönlichkeit, unser Körpergefühl herauszubilden. Der Hip-Hop, diese urbane Tanzform schlechthin, ist getränkt mit allem, was die Normen in Frage stellt. Der Tänzer ist ständig bemüht, den Schlüssel zu einer Grenzüberschreitung zu finden und diesen dann in eine kreative Bewegung umzuwandeln.
In der Aufführung gehen die Tänzerinnen und Tänzer den Ursprüngen ihrer Bewegungen auf den Grund: auf welche Symbole, auf welche sozialen Hintergründe gehen sie zurück? Wie stehen sie persönlich und emotional zur Herkunft ihres Tanzes? Wie tief ist die explosive Energie ihrer Körper verwurzelt in der Rebellion?
Drei Tänzer, eine Frau und zwei Männer, verkörpern eine urbane Bilderwelt, die mal provokativ, mal grenzüberschreitend, gelegentlich oppressiv und manchmal befreiend ist. Indem sie tief eintauchen in unterschiedliche Daseinsformen, erforschen sie die kollektive Ohnmacht, die sie vereint und beginnen so einen tiefgehenden Prozess der Selbstbeobachtung. Gegen den Hintergrund von Soulmusik, die das politische Klima im Amerika der 70er-Jahre heraufbeschwört, stellen sie stolz die unsichtbare Masse ihres urbanen Erbes. Durch den Blickwinkel des anderen und indem sie sich von Angesicht zu Angesicht mit ihren inneren Gegensätzen auseinandersetzen, beleuchten die drei Tänzer sowohl die tiefen Gemeinsamkeiten, die sie vereinen, als auch die Entscheidungen, die aus ihnen Individuen mit ausgeprägten Persönlichkeiten machen.

Die Choreographin Anne Nguyen studierte zunächst Physik, bevor sie den Breakdance für sich entdeckte: es folgten Auftritte mit Gruppen wie RedMask und Phase T, Def Dogz und Créteil Style. Nguyen war mehrfach Gewinnerin des ›Battle of the Year‹ und Weltmeisterin im Breakdance, bevor sie sich ab 2005 stärker mit den virtuosen Bewegungsmustern und der Kultur des Hip-Hops auseinandersetzte – es entstanden bis 2017 zehn Werke, die im explosiven und rohen Bewegungsvokabular des Hip-Hops ihren Ursprung fanden und diesen mit klaren, graphischen, choreographisch dekonstruierten Formen vereinten. In ihrem neuen Werkzyklus rückt Nguyen seit 2018 ihren Fokus auf die Zusammenarbeit mit charakterstarken Tänzerinnen und Tänzern verschiedener Stile und integriert neben urbanen Techniken auch Ballett und zeitgenössischen Tanz in ihre Choreographien.

À mon bel amour stellt unsere Auffassungen von Individuen, Paaren und Kollektiven in Frage, indem es verschiedene Vorstellungen von Identität und Schönheit erkundet. Acht Tänzer, vier Männer und vier Frauen, spielen unbekümmert mit den Posen ihrer Körper und der Symbolik ihrer Tänze, um ihre Identität zu behaupten und die Grenzen unserer Betrachtung zu hinterfragen. Die Bewegungen der acht virtuosen Tänzer*innen reflektieren unterschiedliche kulturelle Referenzen, verschiedene Archetypen, die unterschiedliche Wahrnehmung von sich selbst und von anderen. Vom klassischen Ballett über modische Trends bis zum zeitgenössischen Tanz verweist ihr Tanz auf Modenschauen, Fotografie und Cinematografie, die Clubszene, auf Theatertraditionen und gesellschaftliche Muster, und zeigt dabei mannigfaltige Wege auf, sich dem Publikum zu nähern. In À mon bel amour hat alles eine symbolische Bedeutung, nicht nur die Tanzbewegungen und Posen, sondern auch die Szenerie und die Kostüme. Es wagen, anzugeben, zu flirten, sich durchzusetzen, zu dominieren, jemandem eine lange Nase zu drehen, Liebe zu zeigen  ̶  sie überwinden ihre Hemmungen, um ihre wahre Existenz zu zeigen. Wie paradierende Tiere treten die acht Tänzerinnen und Tänzer uns unermüdlich, alleine, paarweise oder in der Gruppe entgegen. Können wir uns in einer Welt, in der wir um Werte kämpfen, auf ein Konzept von Schönheit einigen? À mon bel amour ist ein Manifest der Diversität, das individuelle Identitäten auf respektvolle Weise würdigt.
Das Tanzstück bringt eine disparate Tänzergruppe auf die Bühne, die eine imaginäre Gesellschaft repräsentiert. Die Tänzer zeigen und hinterfragen eine Reihe von Schönheitsidealen. Obwohl alle zunächst und vor allem Tänzerkörper haben, stehen manche von ihnen für eine universelle Schönheit, während andere zunächst eher untypisch oder durchschnittlich erscheinen.

Im Zentrum dieser musikalischen Tanzperformance steht die Auseinandersetzung mit den beiden natürlichen Polen unserer Existenz: Geburt und Tod. Ausgehend vom Aufeinandertreffen zweier sehr persönlicher Ereignisse, dem Tod seines Vaters und der Geburt seiner Tochter, rücken für den Tänzer und Choreographen Ruben Reniers Phänomene rund ums Sterben ins Zentrum seiner aktuellen künstlerischen Arbeit. Als gebürtiger Indonesier, der in den Niederlanden aufgewachsen ist, interessieren ihn ebenso indonesische wie europäische Begräbnisrituale und Abschiedszeremonien, und wie sich die unterschiedliche Vorstellungen vom Umgang der Lebenden mit ihren Toten in den Tänzen, Schritten, Berührungen und Stimmen der Trauernden manifestieren. Gemeinsam mit einem internationalen Team aus Tänzer*innen, Musiker*innen und einer Zeichnerin begibt er sich auf die Suche nach einer künstlerischen Zusammenführung der unterschiedlichen Ansätze dieser Kulturen und in jedem Einzelnen von uns.
Rubarb dance & art ist der Zusammenschluss des Choreographen und Tänzers Ruben Reniers und der Illustratorin und Papiertheaterkünstlerin Barbara Steinitz. Das Ensemble arbeitet seit 2002 in Zusammenarbeit mit Gastkünstlern verschiedener Sparten in unterschiedlichen Besetzungen. Hauptinteresse ist die künstlerische Auseinandersetzung mit verschiedenen Kunstformen, allen voran Tanz, Zeichnung, Figurentheater und Musik. Denn dort, wo sich die Künste überschneiden, findet sich eine reiche Quelle der Inspiration. Das Ensemble hat seine Produktionen in diversen Ländern sehr erfolgreich präsentiert und leitet Seminare und Workshops.

Shantala Shivalingappa ist ein Kind des Ostens und des Westens. Sie wurde in Madras geboren und wuchs in Paris auf. Ihre Mutter, auch sie war Tänzerin, brachte sie früh in Kontakt mit der traditionellen indischen Tanzkunst. Shantala widmet sich seither der Tanzform „Kuchipudi“, die seit Jahrhunderten im südindischen Andhra Pradesh praktiziert wird. Wie die meisten indischen Tänze erzählen auch die Kuchipudi-Aufführungen Geschichten aus der indischen Mythologie. Die Choreographien basieren auf dem Natya Shastra, einer fast 2000 Jahre alten Lehre, die eine präzise und hochentwickelte Notation von Tanz, Musik und Theater überliefert.
Im Sanskrit bezeichnet das Wort „Swayambhu“ einen Stein oder Fels, der zufällig die Form einer Gottheit aufweist. Die metaphorische Bedeutung meint eher die spontane, unerwartete Erfahrung einer zweiten Realität; einen Moment von Erleuchtung, in dem sich die eigentliche Natur der Dinge offenbart. Shantalas Choreographie drückt die Magie dieses Augenblicks aus. Die Künstlerin wird zur Alchemistin, sie öffnet ihren Zauberkasten und präsentiert ihre Utensilien, die sie aufs feinste poliert, mit Liebe und Anbetung versehen hat. Wie in all ihren Tanzsolos zeigt Shantala auch hier ihr ganzes Können: Grazie, Eleganz und Ausdrucksfähigkeit in Perfektion.

Vier Tänzer und drei Musiker beflügeln sich gegenseitig mit aufgemotztem Krautrock aus dem Jahr 2020 oder dem repetitiven Thema von Can gekreuzt mit der Hochspannung von The Chemical Brothers. Das ausgeklügelte Bühnenbild und das stimmungsvolle Licht heben Into The Open auf die nächste Ebene und beflügeln auch das Publikum. Mit diesem Cross-Over sprechen Lisbeth Growez und ihre Compagnie Voetvolk gezielt ein Publikum an, das bereitwillig aufsteht und tanzt. Was im Zuschauerraum passiert, ist genauso wichtig wie das, was auf der Bühne passiert. Eine Party, die noch lange nachwirkt. Lasst uns tanzen!

„Manchmal muss der Tanz einfach nur das sein: Eine PARTY, bei der man alles und jeden vergisst und nur das Hämmern der Trommeln und das Heulen der Bassgitarre hört, während sich die Augen an schwülen, schwitzenden Körpern festhalten.“ – Els Van Steenberghe / FOCUS Knack

„Into the open ist das Größte, alle hingehen! Ende der Rezension!
Okay, wir werden uns ein bisschen mehr Mühe geben, aber was sind Worte angesichts von so viel berauschender Tanzgewalt? Mit ihrem einzigartigen ‚Tanz trifft Konzert‘-Ansatz haben Lisbeth Gruwez und Maarten Van Cauwenberghe einen Hit gelandet.“ – Charlotte De Somviele / De Standaard

Vier Tänzer und drei Musiker beflügeln sich gegenseitig mit aufgemotztem Krautrock aus dem Jahr 2020 oder dem repetitiven Thema von Can gekreuzt mit der Hochspannung von The Chemical Brothers. Das ausgeklügelte Bühnenbild und das stimmungsvolle Licht heben Into The Open auf die nächste Ebene und beflügeln auch das Publikum. Mit diesem Cross-Over sprechen Lisbeth Growez und ihre Compagnie Voetvolk gezielt ein Publikum an, das bereitwillig aufsteht und tanzt. Was im Zuschauerraum passiert, ist genauso wichtig wie das, was auf der Bühne passiert. Eine Party, die noch lange nachwirkt. Lasst uns tanzen!

„Manchmal muss der Tanz einfach nur das sein: Eine PARTY, bei der man alles und jeden vergisst und nur das Hämmern der Trommeln und das Heulen der Bassgitarre hört, während sich die Augen an schwülen, schwitzenden Körpern festhalten.“ – Els Van Steenberghe / FOCUS Knack

„Into the open ist das Größte, alle hingehen! Ende der Rezension!
Okay, wir werden uns ein bisschen mehr Mühe geben, aber was sind Worte angesichts von so viel berauschender Tanzgewalt? Mit ihrem einzigartigen ‚Tanz trifft Konzert‘-Ansatz haben Lisbeth Gruwez und Maarten Van Cauwenberghe einen Hit gelandet.“ – Charlotte De Somviele / De Standaard

Die Kibbutz Contemporary Dance Company (KCDC), 1973 von Yehudit Arnon gegründet und bis 1996 geleitet, entwickelte sich den letzten Jahren zu einer der bedeutendsten Tanzcompagnien Israels. Geprägt durch die Handschrift ihres gegenwärtigen künstlerischen Leiters Rami Be’er, erlangte KCDC internationale große Anerkennung. Mit ihrer technisch und physisch anspruchsvoll ausgewählten Tänzergruppe und ihrer dynamischen Empfindsamkeit charakterisiert KCDC den israelischen Tanz von seiner besten Seite und gastiert regelmäßig bei den bekanntesten Theatern und führenden Festivals weltweit. Rami Be’er gilt als Choreograph, der politisch Stellung bezieht und dies auch in seine künstlerische Arbeit einfließen lässt. So thematisiert er einige der brennenden weltweiten Probleme wie u. a. Flucht, Einwanderung, Einsamkeit und menschliche Schicksale überhaupt. Grandiose Bilder, expressive Inszenierungen und vor allem hervorragende Tänzerinnen und Tänzer machen einen Abend mit der Compagnie zu einem außergewöhnlichen und einzigartigen Tanzerlebnis.
Rami Be‘ers kraftvolles neues Stück A Good Citizen beginnt mit einer fulminanten Szene, in der die Tänzer einzeln die Bühne betreten, sich namentlich vorstellen und dann als „gute Bürger“ bezeichnen. Sie werden von der Gruppe begeistert beklatscht, während der nächste gute Bürger auf die Bühne kommt. Alle sind in blaue Arbeitsoveralls gekleidet. Äußerlich kaum zu unterscheiden, zeigen sie in Stimme und Bewegungen aber eine ausgeprägte Individualität. Mit ihrer ausdrucksstarken Präsenz und ihrer fesselnden Performance, die den extremen Anpassungsdruck der Konformität auf beeindruckende Weise zum Ausdruck bringt, sendet das Ensemble eine starke Botschaft.

Als Jake Blues aus dem Knast kommt, holt ihn sein Bruder Elwood ausgerechnet in einem ausrangierten 1974er Dodge Monaco der Mount Prospect Police ab. Ihr erster Weg führt sie in das katholische Waisenhaus, in dem sie ihre gesamte Kindheit verbracht haben. Mutter Oberin steckt in der Klemme. Wenn sie nicht 5000 $ auftreibt, muss das Heim wegen Steuerschulden schließen. Die Brüder beschließen, ihr zu helfen, aber Mutter Oberin würde kein schmutziges Geld annehmen. Doch wie sollen sie auf ehrliche Weise so viel Geld auftreiben? Während eines Gottesdienstes hat Jake eine Erleuchtung. Im Auftrag des Herrn wollen sie die alte Band wieder zusammentrommeln und ein großes Konzert zu Gunsten des Waisenhauses veranstalten. Ein legendärer Road Trip beginnt …
Lassen Sie sich wieder von der Professionalität und dem frischen Elan der Jugendlichen aus Ludwigshafen und Umgebung begeistern, die unter der Regie von Iris Limbarth ein mitreißendes, spannendes Musicalerlebnis auf die Bühne zaubern. Zum Erfolg trägt auch die packende Musik zwischen Jazz, Soul und Blues bei, die einen kaum auf den Stühlen hält.

Als Jake Blues aus dem Knast kommt, holt ihn sein Bruder Elwood ausgerechnet in einem ausrangierten 1974er Dodge Monaco der Mount Prospect Police ab. Ihr erster Weg führt sie in das katholische Waisenhaus, in dem sie ihre gesamte Kindheit verbracht haben. Mutter Oberin steckt in der Klemme. Wenn sie nicht 5000 $ auftreibt, muss das Heim wegen Steuerschulden schließen. Die Brüder beschließen, ihr zu helfen, aber Mutter Oberin würde kein schmutziges Geld annehmen. Doch wie sollen sie auf ehrliche Weise so viel Geld auftreiben? Während eines Gottesdienstes hat Jake eine Erleuchtung. Im Auftrag des Herrn wollen sie die alte Band wieder zusammentrommeln und ein großes Konzert zu Gunsten des Waisenhauses veranstalten. Ein legendärer Road Trip beginnt …
Lassen Sie sich wieder von der Professionalität und dem frischen Elan der Jugendlichen aus Ludwigshafen und Umgebung begeistern, die unter der Regie von Iris Limbarth ein mitreißendes, spannendes Musicalerlebnis auf die Bühne zaubern. Zum Erfolg trägt auch die packende Musik zwischen Jazz, Soul und Blues bei, die einen kaum auf den Stühlen hält.

„Meine Tochter kann Stroh zu Gold spinnen!”, prahlt der Müller. Der goldgierige König droht der armen Müllerstochter mit dem Tod, wenn ihr das Kunststück nicht gelingt. Ein Zaubermännchen hilft ihr dabei, verlangt aber als Preis dafür ihr Kind. Ob sich die Müllerstochter das alles gefallen lässt?
In der Bearbeitung des bekannten Märchens drehen sich die Räder, es wird gesponnen und gezaubert, es rumpelt und blitzt und es funkelt das Gold. Das Rumpelstilzchen tanzt und singt und saust umher, und die Kinder sind mittendrin, wenn es auf die Suche nach seinem Namen geht.
Susanne Koschig hält sich in ihrer Inszenierung im Wesentlichen an die literarische Vorlage. Zwei Erzähler präsentieren die Geschichte und beziehen das Publikum an einzelnen Stellen mit ein. Gespielt wird in offener Spielweise in einer Mischung aus Schauspiel und Puppenspiel mit verschiedenen Puppenarten.

Rumpelstilzchen „fliegt und surrt wie ein Raumschiff und es leuchtet sogar ganz niedlich im Dunkeln. Erst später wächst das Männchen zu einschüchternder Größe heran, als es von Müllerstochter Marie das erstgeborene Kind einfordert für sein Werk, aus Stroh so reichlich Gold gesponnen zu haben, dass es überall nur so glänzt auf der Bühne.“ Thüringer Allgemeine Zeitung

2023 wird ein ganz besonderes Jahr für Max Raabe & Palast Orchester – alles wird neu!
Mit einer neu konzipierten Bühnenshow präsentieren die durch virtuose Eleganz bestechende Geigerin mit ihren frisch gebügelten Kollegen und Multi-Instrumentalisten ein brandneues Programm mit vielen Überraschungen.
Neue Lieder von Max Raabe, in denen er unnachahmlich seinen Blick auf Alltägliches formuliert, werden genauso zu Gehör gebracht wie einige Klassiker des Palast Orchesters – bekannt aus Film und Internet.
Schwerpunkt wird selbstverständlich die Musik der 20er/30er Jahre: von Hand verlesene Originalarrangements werden nuancenreich zum Leben erweckt wie es nur Max Raabe & Palast Orchester können.

Shakespeares letzte große Tragödie erzählt auf spannungsvolle Weise die Geschichte vom steilen Aufstieg und jähen Niedergang des Feldherrn Macbeth. Sie handelt von Machtgier und Zweifeln, von innerer Zerrissenheit, Gewissensqualen, Einsamkeit und dramatischem Scheitern, von trügerischen Hoffnungen, Gewaltexzessen, phantastischen Erscheinungen
und dem unvermeidlichen Sieg der Realität.
Anfangs scheint die Welt noch in Ordnung: die Feldherren Macbeth und Banquo retten König Duncan durch ihren unermüdlichen Einsatz seine Krone. Doch dann begegnen sie den drei Hexen, die in verrätselten Worten Macbeth eine Zukunft als König voraussagen und Banquo als Begründer einer Königsdynastie feiern. Sind die Frauen real oder existieren sie nur in Macbeths Phantasie? Die Worte wirken jedenfalls wie Brandbeschleuniger, und angestachelt durch die ehrgeizige Lady Macbeth setzt Macbeth eine Reihe verhängnisvoller Ereignisse in Gang. In atemloser Dichte wird er zum Königsmörder, häuft zur weiteren Sicherung seiner Macht Verbrechen auf Verbrechen und erkennt bald, dass es kein Zurück geben kann. Dabei schwankt er im Selbstgespräch zwischen moralischen Skrupeln und der
Faszination des Bösen, und auch seine Frau wird von ihren Gewissensnöten verfolgt und schließlich in Wahnsinn und Tod getrieben. Der Ratsspruch der Hexen verspricht noch einmal trügerische Sicherheit:

„Sei blutig, kühn und frech; lach aller Toren
Dir schadet keiner, den ein Weib geboren. (…)
Macbeth wird nie besiegt, bis einst hinan
Der große Birnamswald zum Dunsinan
Feindlich emporsteigt.“

Doch die Katastrophe ist unausweichlich: So wie Macbeths Verbrechen die Ordnung des gesamten Kosmos in Frage gestellt und die Krankheit seiner Blutherrschaft am Ende das ganze Volk befallen hat, so gewinnen am Ende die heilenden Kräfte die Oberhand.

Shakespeares letzte große Tragödie erzählt auf spannungsvolle Weise die Geschichte vom steilen Aufstieg und jähen Niedergang des Feldherrn Macbeth. Sie handelt von Machtgier und Zweifeln, von innerer Zerrissenheit, Gewissensqualen, Einsamkeit und dramatischem Scheitern, von trügerischen Hoffnungen, Gewaltexzessen, phantastischen Erscheinungen
und dem unvermeidlichen Sieg der Realität.
Anfangs scheint die Welt noch in Ordnung: die Feldherren Macbeth und Banquo retten König Duncan durch ihren unermüdlichen Einsatz seine Krone. Doch dann begegnen sie den drei Hexen, die in verrätselten Worten Macbeth eine Zukunft als König voraussagen und Banquo als Begründer einer Königsdynastie feiern. Sind die Frauen real oder existieren sie nur in Macbeths Phantasie? Die Worte wirken jedenfalls wie Brandbeschleuniger, und angestachelt durch die ehrgeizige Lady Macbeth setzt Macbeth eine Reihe verhängnisvoller Ereignisse in Gang. In atemloser Dichte wird er zum Königsmörder, häuft zur weiteren Sicherung seiner Macht Verbrechen auf Verbrechen und erkennt bald, dass es kein Zurück geben kann. Dabei schwankt er im Selbstgespräch zwischen moralischen Skrupeln und der
Faszination des Bösen, und auch seine Frau wird von ihren Gewissensnöten verfolgt und schließlich in Wahnsinn und Tod getrieben. Der Ratsspruch der Hexen verspricht noch einmal trügerische Sicherheit:

„Sei blutig, kühn und frech; lach aller Toren
Dir schadet keiner, den ein Weib geboren. (…)
Macbeth wird nie besiegt, bis einst hinan
Der große Birnamswald zum Dunsinan
Feindlich emporsteigt.“

Doch die Katastrophe ist unausweichlich: So wie Macbeths Verbrechen die Ordnung des gesamten Kosmos in Frage gestellt und die Krankheit seiner Blutherrschaft am Ende das ganze Volk befallen hat, so gewinnen am Ende die heilenden Kräfte die Oberhand.